lunes, 7 de septiembre de 2015

Antígona Vélez, la mujer del corazón desnudo

Antígona Vélez, la mujer del corazón desnudo

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA) 

Antígona Vélez es una reversión pampeana del mito griego de Antígona, hija de Edipo. Antígona Vélez fue la madre de sus hermanos y tiene el corazón en la noche, partido en dos mitades, una para cada hermano muerto.
La muerte ha encontrado luchando lanza contra lanza a Ignacio y a Martín Vélez. Facundo Galván ha decretado lágrimas y rezos para el  que murió defendiendo las tierras de la familia. Martín Vélez descansa ya, bañado en agua de rosas, con las candelas iluminando su cabecera y sus pies, descansa ya eternamente envuelto en sábana nueva. Facundo Galván ha decretado silencio y soledad para el otro, ni nombrar a Ignacio Vélez se permite, el fiestero, el que murió luchando junto a los indios yace tendido en el barro frío, insepulto, con los ojos reventados, vaciados por las aves rapaces.
Antígona desoye la ley impuesta, porque conoce leyes que están por encima de todos los hombres y cava la tumba de Ignacio Vélez. La tragedia es inminente, no habrá lecho nupcial para Antígona Vélez, solo una tumba helada.



Con puesta en escena y dirección general de Marcelo Silguero asistimos a una nueva versión de la obra de Leopoldo Marechal. Con una acertada sucesión de escenas que gana en intensidad y dinamismo lo que resigna en duración, la obra destaca lo suficiente del texto elevando el valor visual de cada cuadro, sobre todo en las escenas de conjunto logrando imágenes de una exquisita composición.

La sonorización en vivo es otro de los aciertos de la puesta, los músicos Florencia Blanes (Chelo) y Juan Martín Decarre (Violín) crean climas ideales. En definitiva, se trata de una armoniosa composición visual y sonora que se acopla a la trágica belleza del texto original. Y entre estas tres aristas late y se expresa la ley que no conoce del poder de los hombres, sino de la verdad de la tierra.




Ficha técnico artística






lunes, 31 de agosto de 2015

Pensar el mundo en imágenes sobre La sal de la tierra de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado

Pensar el mundo en imágenes

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

La sal de la tierra de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado bien puede resumirse como una reflexión visual sobre el estatuto de la imagen.



Sin embargo, la película no es una recopilación caprichosa de las imágenes colectadas en tantos años de trabajo por el célebre fotógrafo Sebastião Salgado. La sal de la tierra es la combinación de una multiplicidad de calidades de imagen, de diversos registros que confluyen en un cómplice encuentro entre el cine y la fotografía. El filme se compone -como una compleja partitura- con las fotografías de Sebastião, material de archivo registrado en Super8 e imagen blanco y negro para la narración en pasado que vira maravillosamente, es decir cinematográficamente, a color para situarnos en el presente del relato. Las imágenes son utilizadas como notas visuales que hacen vibrar todas las fibras del espectador.


En la apertura del filme se describe al protagonista como alguien que escribe y reescribe el mundo con luces y sombras. Entre esas luces y esas sombras la lente de Salgado se traduce en dolor, en tormento, en belleza, en denuncia, en política, en amor, catástrofe, esperanza, fuerza y en tantos etcéteras. La lente de Salgado contiene al mundo todo, al Hombre todo y la película logra un magistral equilibrio para dar lugar a tanto y dejar espacio también, al fluir de una emoción constante.




La sal de la tierra conmueve, todo el tiempo, no sólo por lo aterrador del material que contiene, emociona por la humanidad que contiene. Emociona porque, todo el tiempo subraya el encuentro entre los hombres. Emociona porque muestra y reconoce la necesidad de ver lo terrible que nuestra especie puede hacer, pero a la vez reconoce el potencial de nuestra especie para reconciliarse con el entorno y con el Otro.


Wenders y Ribeiro Salgado logran transmitir la inmensidad de lo visto por Sebastião en cada uno de sus viajes. La pregunta resuena: ¿Cómo pudieron esos ojos soportar tanto dolor? Seguramente, solo cámara mediante pueda soportarse tanto dolor. Esas imágenes tienen que dejar cicatriz, invariablemente. Entonces aparece el último aporte valioso del filme, la respuesta a la pregunta sobre qué hacer ante el horror de la mano del hombre sobre el mundo. Replegarse, volver a la naturaleza,  a los orígenes, y comenzar de nuevo para cerrar en paz el ciclo de la vida.


Ficha técnica
Dirección: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
Guión: Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado y David Rosier
Música: Laurent Petitgand
Maquillaje: Sarah Machal y Bru Simões
Fotografía: Hugo Barbier y Juliano Ribeiro Salgado
Montaje; Maxine Goedicke
Narrador: Win Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
Protagonista: Sebastião Salgado

lunes, 24 de agosto de 2015

Revisitando a Arlt sobre Los siete Locos (Cía. Teatral Quinto Piso)

Revisitando a Arlt

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

La Compañía Teatral Quinto Piso despide este próximo sábado la segunda temporada de su versión de Los siete locos de Roberto Arlt. Con más de una década de trayectoria y una amplia variedad de poéticas exploradas, se encuentran hoy revisitando esta obra que habían estrenado en 2004.


Con dirección de Daniel Godoy, los actores Marcelo Gril (Ergueta), Felipe Ponce de León (El Capitán), Ernesto Ocampo (Bromberg), Marcelo Gamarra (El Astrólogo), Daniel Bermejo (El Mayor), Bárbara Posesorski (Elsa), Fabián Caló (El Rufián Melancólico), Mariano Madrazo (Remo Erdosain), Yamila Etchevarne (La Coja) y Fernando Bender (Gregorio Barsut) dan vida a los personajes que transportan al espectador al universo arltiano.




La angustia del Ser y la crítica social se tornan protagonistas en esta puesta despojada en la que, entre luces y sombras –juego que refuerza el sentido de la obra- todo es presencia actoral y palabra presente. En esta propuesta que logra captar y transmitir el espíritu crítico de la novela original, se exponen los sentimientos más sórdidos del hombre. Al mismo tiempo se nos revela que hoy como entonces (la novela original fue publicada en 1929) la frustración, la traición y la explotación son tópicos de extrema actualidad.



Ficha técnico artística

Fotografía: Enrique Ubertone
Adaptación Puesta en escena y Dirección General: Daniel Godoy

domingo, 23 de agosto de 2015

Muertos todos se acabó la abulia.

por Valeria Arévalos


Ofelia o la madre muerta, de Marco Antonio de la Parra, retoma la historia de Hamlet y corre el punto de vista del príncipe danés a Ofelia. Será ella quien, tras la muerte de su madre (a quien percibirá cual espectro indefinido, siempre idealizada) detecte los engaños y complots que tejen lazos entre los miembros de su familia y la de su enamorado. Ofelia (Florencia Solari Larrarte) reconoce el Poder corrompido y lo denuncia, tanto en la figura de su padre, Polonio (Vladimir Klink), que fluctuará entre el amor paternal y el deseo sexual hacia su hija, en Claudio (Miguel Barbero), tío de Hamlet, médico representante de todo exceso asociado a la Institución Salud, y, especialmente, en Gertrudis (Belén D'Andrea), antítesis de la madre soñada, madre real, siniestra y cruel que va marcando el destino de todos los que la rodean.





El planteo de puesta de Naiquén Aranda nos muestra un espacio dividido en dos, marcando la distinción entre lo real (a proscenio) y lo imaginario (a foro tras telas traslúcidas), o mejor aún, entre la conciencia y el inconsciente. Los personajes de Ofelia y Hamlet (Sebastián Llamas) se manejarán entre ambos planos. Transitan la realidad pero también se relacionan en recuerdos, sueños, delirios, con el resto de los personajes en el plano vedado. Este recurso se ve reforzado por la utilización de un maquillaje fuerte y contrastante en los personajes "de humo", mientras que ellos dos están casi a cara lavada. Por este carril va la decisión de estilo del personaje de Gertrudis, cuyo look emula a una malvada de cuento de hadas o aún quizás a una Cruella de Vil de la realeza, interpretado de manera muy sólida por D'Andrea.  Así como también se verá bien resuelto el personaje(s) de la Madre muerta - Enfermera - Celebridad interpretados todos por Romina Trigo, quien logra procesarlos con un trabajo cargado de sutilezas.





Ofelia se rebela contra toda Institución (Padre, Salud, etc) desde el cuerpo. Combate con anorexia a aquellos intentos de someterla. No puede comer nada de lo que le ofrecen porque en ese casa todo está podrido. Las palabras que ocultan secretos se le atoran en la garganta. Ni el amor le está permitido ya que todo se transforma en abulia.

El gran despliegue escenográfico se ve complementado por la música en vivo a cargo de Mauricio Charbonnier (y por momentos de la misma Ofelia) quien, desde su atril, pasa las páginas de esta obra que se esfuma en el tiempo cual partitura trágica.

Ficha técnico artística
Duración: 60 minutos

ESPACIO AGUIRRE
Aguirre 1270
 (mapa)
Capital Federal
 - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4854-1905 - 4857-9669
Web:
 http://www.espacioaguirre.com.ar
Entrada: $ 100,00 / $ 80,00 - Sábado - 22:30 hs - Hasta el 05/09/2015
 

martes, 18 de agosto de 2015

El encuentro del hambre por Vivi Montes

El encuentro del hambre
Sobre El hambre de los artistas de Alberto Ajaka

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)


Con dirección de Alberto Ajaka, el Colectivo Escalada pone en escena El hambre de los artistas en el Teatro Sarmiento.


Los antiguos, los nuevos, la troupe de artistas y los agrupados para cambiar algo nos inician en un maravilloso viaje comandado por lo bizarro y lo abyecto. Viajar en el tiempo; viajar de la butaca del mundo cotidiano al delirante mundo poético para poder hacer también el necesario recorrido de “la cosa”, de la utopía del cambio posible al reconocimiento de aquello que “la cosa” en verdad es: ese encuentro en torno al hambre. Hambre tienen los artistas -real y simbólico- en todos los tiempos y hambre tiene el público, del real y del simbólico, pero de la sala por los menos se irá satisfecho.

Foto Carlos Furman


Foto Carlos Furman














































En esta obra coinciden una sorprendente escenografía, geniales personajes y certeras actuaciones, la riqueza de un texto nutrido de originalidad y citas y un humor que abarca todo el arco posible, desde el chiste simple pero contundente, hasta el chiste negro y ácido que cala profundo en el ánimo de los espectadores.

Foto Carlos Furman

El hambre de los artistas nos lleva a enfrentarnos de cara a la vida y de cara, también a la muerte que nos hace volvernos para repensar la vida y es entonces cuando “la cosa”, el teatro suceden. El buen teatro que transforma y nos transforma, sucede. ¡Qué suceso! ¡Qué suceso!



Ficha Artístico - Técnica:

Elenco

LOS ANTIGUOS
Tío Alberto Suárez
Mujer Barbuda Karina Frau
Mago Leonel Elizondo
Payaso Rodrigo González Garillo 
Cantante Sol Fernández López

LOS NUEVOS
Barat Andrés Rossi
Don Gabriel Lima
Fleb Georgina Hirsch
Trixi Julia Martínez Rubio
Nira Luciana Mastromauro
Core Luciano Kaczer
Leta María Villar

Coordinación de producción Mariana Mitre 
Asistencia de dirección Silvia Sacco, Tamara Gutiérrez
Asesoramiento de casting Norma Angeleri
Asistencia artística Hernán Ghioni   

Música y diseño de sonido José Ajaka, Alberto Ajaka
Iluminación Adrián Grimozzi
Vestuario Betiana Temkin 
Escenografía Rodrigo González Garillo

Dirección Alberto Ajaka