lunes, 24 de junio de 2019

Todos somos luz y somos sombra… ¡el teatro también! Sobre “El hombre que perdió su sombra”


Todos somos luz y somos sombra… ¡el teatro también! 

Sobre “El hombre que perdió su sombra”

Por Vivi Montes


Inspirada en La maravillosa historia de Peter Schlemihl de Adelbert von Chamisso, El hombre que perdió su sombra invita a niñxs y adultxs a perderse en un asombroso mundo de luces y sombras, pero también de personajes entrañables, de encantadora música y de coreografías atrapantes.

El universo que diseñan Eleonora Comelli y Johanna Wilhelm expresa con una precisión inusitada la vivencia del protagonista, un hombre al que la ambición lleva a perder su sombra, sin saber que con ella se perderán todas las cosas importantes, las que despiertan amor, las que permiten compartir la vida con otrxs. Sin sombra, en la oscuridad y en la soledad tendrá que recorrer un largo camino hasta reencontrase consigo mismo y su bondad para volver a ser feliz.

La historia, que nos sirve para pensar en las pequeñas cosas de nuestra cotidianeidad cuya importancia no notamos hasta perderlas, se desarrolla en un deslumbrante marco en el que los decorados y los objetos mutan ante nuestros ojos bajo el hechizo de una pantalla que es mucho más que una superficie en la que proyectar mundo, es la construcción de todos los mundos posibles, la expresión de todas las posibilidades que algo tan simple como una lámpara puede lograr cuando nos animamos a jugar libres.

“Es la obra que hubiera querido ver de pequeñx”, escuché decir con entusiasmo al adultx que estaba a mi lado rodeado de montones de pequeñxs con sus ojitos llenos de magia y sus sonrisas desplegadas. Es una obra sorprendente, para dejarse deslumbrar grandes y chicxs con la originalidad que la puesta propone integrando todos los lenguajes que hacen al teatro, otorgándole la misma importancia, el mismo valor; una obra que lxs chicxs disfrutan y que cuenta, además, con muy buenos guiños para los que abandonamos hace rato el mundo de la niñez, con excelentes actuaciones y una calidez encantadora.


Ficha artístico-técnica:

Con: Pablo Fusco, Sebastián Godoy, Griselda Montanaro, Santiago Otero Ramos, Gastón Exequiel Sanchez
Músicos en escena: Christine Brebes, Axel Krygier, Alejandro Terán
Retroproyectoristas en escena: Gisela Cukier, Johanna Wilhelm
Producción: Francisco Patelli
Asistencia de dirección: Vanesa Campanini
Colaboración dramatúrgica: Isol Misenta
Coreografía: Eleonora Comelli, con colaboración de los intérpretes
Música, canciones y dirección musical: Axel Krygier
Video: Federico Lamas
Iluminación: Ricardo Sica
Vestuario: Paula Molina
Escenografía y proyecciones: Johanna Wilhelm
Dirección: Eleonora Comelli y Johanna Wilhelm

Teatro Nacional Argentino. Teatro Cervantes – Libertad 815 (CABA)
+5411-4816-4224
Sábados y domingos 15hs.
Vacaciones de inverno: miércoles a domingo 15hs.


sábado, 22 de junio de 2019


Memórias de ontem
sobre “Saudade” de Francisco Ortiz y Lucas Santana
por Gastón Czmuch


Hay veces en donde los recuerdos nos arrasan. Laten.



 Germán regresa a la casa en donde vivió de niño, con sus padres. Esta casa, cerrada por treinta años permite el rencuentro con Sergio, su vecino, pero también se reabre como la caja de Pandora revelando(nos) lo sucedido hace treinta años. Allí, los padres de Germán, Horacio y Elvira acaban de regresar al país tras un período viviendo en Brasil por cuestiones laborales de él y conocen a los padres de Sergio, Nazareno y Ana. Entonces, pasado y presente se irá trenzando para relatarnos esta historia sobre la memoria, la melancolía, las imposiciones y el amor.

El texto escrito por la dupla Ortiz – Santana está plagado de sensaciones: hacen que el espectador pueda reflejarse y acompañar a los protagonistas durante la obra. La dirección de Santana es pleno acertada, haciéndole justicia al ritmo que el texto pide, por momentos, hasta casi cinematográficamente.


Las actuaciones de todo el elenco son muy parejas, tanto la de la pareja protagónica (Gabriel Gavila y Darío Miño) como la del resto del grupo (Pilar Abentín, Agustín Aguirre, María Lía Bagnoli y Patricio Witis) que construyen personajes entrañables. El trabajo de diseño de vestuario y escenografía de Mariana Petrini ambienta ambas épocas (la actual y la pasada) y, sumado al gran diseño de luces de Soledad Ianni crean esos climas para que el viaje sea realmente intenso.

En su quinta temporada, la obra se ofrece los domingos de junio a las 18:30 y los de julio a las 21:00 en Espacio Polonia (Fitz Roy 1477 – CABA)

Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Francisco Ortiz, Lucas Santa Ana
Actúan: Pilar Abentín, Agustín Aguirre, María Lía Bagnoli, Gabriel Gavila, Darío Miño, Patricio Witis
Vestuario: Mariana Petrini
Escenografía: Mariana Petrini
Diseño de luces: Soledad Ianni
Música original: Coiffeur
Fotografía: Kenny Lemes
Diseño gráfico: Leandro Restaino
Asistencia de dirección: Vanina Cavallito
Prensa: Carolina Reznik
Dirección: Lucas Santa Ana


Una máquina para recordar
sobre “Foráneo” de Agustina Soler
por Gastón Czmuch

La RAE define al foráneo como aquel que procede o es propio de otro lugar. Entonces, lo que se pone en juego es la pertenencia, como elemento constitutivo.

 

Este espectáculo está basado en una carta que José, un inmigrante catalán llegado a Argentina hace 70 años, le envió a su primo Fermín, quien se quedó en Cataluña. En esta carta relata todo lo que vivió: desde que se subió al barco, las peripecias vividas en el viaje, su arribo a Capital Federal, su viaje e instalación en Tucumán, su matrimonio, su adultez.

El texto de Iñaki Aragón reflejar claramente esa ternura y crudeza del desarraigo, esa esperanza por el que vendrá, pero centrada en un presente que ya ha vivido todo y convoca ese mundo interno para poder traspasarlo al espectador.


La actuación de Martín Costa es apacible e hipnótica: desde su tranquilidad nos va convocando y seduciendo a seguir adentrándonos en su relato.

Agustina Soler comanda esta puesta con la precisión de un relojero. Mina el territorio espectacular de una serie de dispositivos que, mediante su ejecución en vivo, nos hace emocionar. Como si hubiera, juntamente con Iñaki y Martín, encontrado la lógica de la evocación del recuerdo. 


En su segunda temporada, la obra se ofrece los sábados a las 21:00 en El Brío – Espacio de Investigación Teatral (Av. Álvarez Thomas 1582 – CABA)


Ficha técnico-artística
Autoría: Iñaki Aragón
Actúan: Martin Elías Costa
Vestuario: Foráneo
Escenografía: Foráneo
Maquillaje: Romina Grande
Diseño de luces: Eduardo Maggiolo
Dirección: Agustina Soler

viernes, 21 de junio de 2019

Alta tensión. Sobre “La culpa de nada” de Victoria Hladilo

Alta tensión
Sobre “La culpa de nada” de Victoria Hladilo

Por Vivi Montes


            ¿Cuál es el preciso instante en el que las buenas intenciones mutan a desastre? ¿Cuándo el deseo de reparar nuestros vínculos da paso a la destrucción total? ¿Cuáles son los micro pactos que sostienen un sistema de relaciones violentas y perversas?

            Victoria Hladilo, autora y directora de La sala roja, vuelve a indagar en el enroscado mundo de las relaciones humanas y revela la cara oculta de los grupos sociales desplegando una sucesión de escenas tan tensas como impactantes. La puesta mantiene al espectador en vilo, atento a cada movimiento de los personajes, intentando capturar cada palabra dicha por lo bajo porque todo el tiempo se percibe una tensión que requiere un esfuerzo mayor de atención para reconocer lo no dicho que habita en y envilece los vínculos entre las parejas que integran este grupo de amigos que protagoniza La culpa de nada.

            Una fiesta sorpresa, un esfuerzo por reparar la pareja, por llevar adelante un proyecto de familia. Un grupo de amigos judíos y esposas goi, una trama de secretos turbios que comienzan a brotar hasta cubrir toda la superficie de moho. Una suma de talentos, comenzando por Victoria Hladilo, que destaca por la efectividad del texto, la potencia de la puesta y una minuciosa composición de los personajes que se estructuran en un sistema complejo que late cada vez con más intensidad, pasando por la taquicardia hasta llegar casi, al borde del infarto. El resto de los lenguajes escénicos (vestuario, luz, sonido, escenografía) se integra y aporta fuerza a la construcción de un universo ficcional de notable intensidad.

            Esa fiesta es, todo el tiempo, una bomba a punto de explotar, una noche que transita de la sonrisa a la mueca de los dientes apretados por el odio, un enfrentarnos con esas pequeñas acciones, con esos pequeños pactos y esos secretos a voces que perpetúan el machismo y la violencia, incrementándola. La culpa de nada nos coloca frente a un mundo de relaciones que repudiamos pero que –aún- no somos capaces de desarticular y continuamos nuestros días, a pesar de todo, como si nada hubiera ocurrido.


Funciones: Sábados 23hs
Teatro: El Método Kairós

Dirección: El Salvador 4530
Informes: 4862- 0655



lunes, 10 de junio de 2019

“De deseo somos”. Sobre “Nada especial” de Pablito No Clavó Nada


“De deseo somos”
Sobre “Nada especial” de Pablito No Clavó Nada





Por Vivi Montes

La compañía Pablito No Clavó Nada (PNCN), luego de su gira internacional se encuentra de regreso en la escena teatral porteña con su espectáculo Nada especial. Autodenominado “burla escénica sobre la normalización del deseo”, el grupo indaga en esta ocasión, sobre todo aquello que nos constituye en nuestro devenir sujetxs, todo aquello que nos moldea ¿o encorseta? Desde mamá hasta las tías, con paradas intermedias en un montón de extraños ineludibles todxs tienen algo que decir, opiniones varias que terminan por obturar la libre elección del Ser.


En ese sentido, previo reconocimiento de todos estos elementos asfixiantes, Nada especial resulta un ejercicio liberador. PNCN se sumerge y arrastra a su público hasta envolverlo en una atmósfera que recupera la rebelde libertad de los gloriosos sótanos de otros tiempos. Intérpretes y espectadores comparten el mismo espacio, el mismo humo, la misma exaltación, todxs inmersos en un exceso de cotillón informe que funciona como el marco perfecto para convidar a la fiesta del reencuentro con el deseo.

Cumplen lo que prometen al ofrecernos “una revista fatua y bobalicona donde lo banal, el fracaso y lo absurdo danzan para liberar el deseo y terminar con la mascarada obligatoria. Nada especial es una propuesta exultante de creatividad, con un gran despliegue de talento tanto en la creación como en la ejecución. Un espectáculo para aceptar que somos lo que nos hicieron ser, pero también lo que queremos ser. Se agradece la insolencia, la apuesta riesgosa, el juego al límite, el borrar los límites. Se agradece el teatro que no agacha la cabeza ante ningún intento disciplinador.


Ficha artístico técnica

Intérpretes: Concepción Covello, Florentina Messina, Juan Pablo Ruiz y Julián Cardoso
Dirección: Braian Alonso
Dramaturgia colectiva
Inspirada en Ferdydurke de Witold Gombrowicz

Asistencia de dirección:
Bauch y Camila Giraud
Asistencia en escena:
Denise Gomez y Camila Giraud
Producción: Pablito No Clavó Nada
Asistencia de producción: Marcela Andrés,
Ignacio Pozzi y Ana Heilpern
Diseño y realización de Vestuario:
Denise Gomez y Julieta Ferreyra
Diseño de iluminación:
Estefanía Piotrkowski y Sóphya Acosta Santucho
Visuales y sonido: Ignacio Tomé
Prácticas de movimiento: Nadia Gomez
Diseño de maquillajes: Luisina Evangelista
Asistencia de maquillaje: Florentina Messina
Los maquillajes son realizados por lxs intérpretes
Realización de mascara: Nadia Rosa
Diseño de escenografía: Camila Rossano
Coordinación y producción escenográfica:
Andrés Gavaldá
Realización de escenografía e iluminación:
Pablito No Clavó Nada
Fotografía: Julián Cardoso, Ignacio Tomé y Lucas González Canosa
Realización audiovisual: Julián Cardoso
Ilustraciones: Barbara Pampin
Colaboración musical:  Martín Lohrengel


Con el apoyo de: Proteatro, Fondo Nacional de las Artes, Rio Manos, Maquillajes Titi y la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.
























¡REESTRENO!
Nada Especial se presenta los Sábados 25 de mayo, 8 y 22 de junio a las 22:30 hs en Páramo Cultural (Carlos Calvo 3974,  Boedo)


lunes, 3 de junio de 2019

La cara (no tan) oculta del horror. Sobre “El campo” de Griselda Gambaro


La cara (no tan) oculta del horror
Sobre “El campo” de Griselda Gambaro
Dirección: Rodrigo Rivero

Por Vivi Montes

Su vida es breve pero su número es desmesurado; son ellos, los Muselmänner, los hundidos, los cimientos del campo, ellos, la masa anónima, continuamente renovada y siempre idéntica, de no hombres que marchan y  trabajan en silencio, apagada en ellos la llama divina, demasiado vacíos ya para sufrir verdaderamente. Se duda en llamarlos vivos: se duda en llamar muerte a su muerte, ante la que no temen porque están demasiado cansados para comprenderla.
Si esto es un hombre (Primo Levi)


Griselda Gambaro escribe El campo en 1967, sin embargo el texto no parece envejecer. La intimidación encriptada, la crueldad negada y la naturalización de la violencia son algunos de los ejes que le otorgan vigencia y nos enfrentan con la cara más grotesca, pero no menos real del poder basado en el control absoluto, el terror y el extermino del otro.  

La puesta de Rodrigo Rivero se despliega en un escenario en el que lo ominoso se encuentra condensado en varios de los signos que componen la escena teatral. La escenografía que, entre metal y plástico circunda el espacio en el que los personajes se mueven, contrasta con el realismo del resto de los objetos señalando la artificialidad de “el campo”, un lugar asfixiante del que prácticamente no es posible escapar. La composición de los diferentes personajes es impecable, en lo individual y en lo coral funciona cada uno de los gestos que se imprimen en los cuerpos y en los rostros que, en una sonrisa esconden y revelan la actitud aciaga o en una mueca el dolor secreto. Vestuario e iluminación completan un universo ficcional que lo envuelve todo con su siniestra tensión.

Si bien la temática de la obra es absolutamente dolorosa, el trabajo de compensación entre lo mostrado y lo sugerido en la extra-escena es preciso, efectivo. Ver El campo hoy representa una buena oportunidad para reflexionar sobre aquellos horrores que no podemos reconocer, mucho menos nombrar, a pesar de que se presenten con todos sus signos expuestos.

ELENCO

Emiliano Marino
Greta Guthauser
Hernán Muñoa
Mariano Díaz
Diego Bellone
Agostina Bertolesi
Pehuén Cordero
Sol Kujawinski
Germán Martins
Ignacio Stamati

EQUIPO CREATIVO
PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN GENERAL: RODRIGO RIVERO
ASISTENTE DE DIRECCION: GERMAN MARTINS
PRODUCCIÓN EJECUTIVA “PORELPUENTE”: CAROLINA MANFREDI - MARIANO DIAZ
VESTUARIO / ESCENOGRAFÍA: VANESA YAEL ABRAMOVICH
COMMUNITY MANAGER / DISEÑO GRÁFICO - AUDIOVISUAL: MARTÍN LUGONES
MÚSICA ORIGINAL: GABRIEL SENANES
MAQUILLAJE: FLORENCIA MOYANO
DISEÑO DE LUCES: DIEGO BELLONE

TEATRO
ESPACIO IFT (Boulogne Sur Mer 549)
ESTRENO: DOMINGO 5 DE MAYO
DURACION DEL ESPECTACULO: 90 minutos
ENTRADAS A LA VENTA: http://www.alternativateatral.com/obra64574-el-campo

CONTACTO
Producción: Carolina Manfredi (11-5873-6664)
porelpuenteteatro@gmail.com
Facebook: https://www.facebook.com/elcampoteatro/
Instagram: @elcampoteatro