"El viaje fatal". Sobre “El viaje de Discepolito (mezcla rara de tango y olvido)”

El viaje fatal

Sobre “El viaje de Discepolito (mezcla rara de tango y olvido)” de Víctor Dupont y Cristian Bus

Por Vivi Montes

Discepolito llega desde Uruguay hasta una post-apocalíptica Buenos Aires situada en el año 3020 para penetrar el misterio del tango. Buenos Aires, la ciudad construida a espaldas del río se encuentra en este caso mirando hacia el Río del Olvido y sus fantasmas, únicos sobrevivientes de la epidemia de la melancolía lo embriagarán de verdades, mentiras y divagaciones sobre la esencia del mítico tango.

Con música en vivo y un extraño cruce entre el mundo tanguero y la mitología griega deriva el viaje de Discepolito, el turista, el poeta vapuleado. Y así va nuestro protagonista, como un barquito de papel en mar revuelto, acumulando encuentros con las figuras más emblemáticas de ambos mundos que nunca terminan de revelarle la verdad que vino a buscar.

“El viaje de Discepolito” puede definirse como una indagación extensa y nutrida de elementos variados sobre el secreto del tango, el Ser de Buenos Aires condensado en una esquina que puede ser una milonga o el mismísimo infierno de Dante y el destino fatal del que vaga buscando una verdad inalcanzable. “Abandonad toda esperanza, aquellos que entréis aquí.”

Ficha artístico técnica:

Actúan: Juan Manuel Suárez, Pablo Palacio, Luján Bournot, Vicente Ramírez, Raúl Delfín Villareal y Vicky Buchino

Estatua viviente: Lautaro Martínez Pastrana

Danza: Karina Zorzoli, Santiago Asencio, Julieta Boland, Tony Vlašić.

Músicos: Mauricio Mendoza, Marcos Duff, Luis Raponi y Leandro Lotti.

Vestuario: Stella Maris Müller

Peinados: Lucía Mullins

Maquillaje y diseño de vestuario de Vicky Buchino: Fiorella Rossi

Diseño de iluminación: Martín Gaitán

Asistencia de dirección: Sebastián Armella, Nicolás Minichiello

Música original y dirección musical: Cristian Bus  

Dramaturgia y dirección general: Víctor Dupont

Funciones:

Febrero: Jueves, 21 horas

Desde marzo: Viernes, 21 horas

Teatro El Cubo: Zelaya 3053

De eso se trata. Sobre Beya, Unipersonal de Marisa Busker

De eso se trata

Sobre Beya. Unipersonal de Marisa Busker

Por Vivi Montes

Beya pone en escena la siniestra cotidianeidad de las mujeres víctimas de la trata en todo el arco de situaciones que pueden/deben atravesar, en este caso, hasta recuperar la libertad. El mundo berreta de los puticlubs impregna toda la puesta cuya base es la adaptación del libro Le viste la cara a Dios de Gabriela Cabezón Cámara. A partir, entonces, de un texto de exquisita y necesaria crueldad Marisa Busker (actuación, dirección, puesta en escena, diseño de luces, vestuario y musicalización) le pone el cuerpo al violento y desolador mundo de los prostíbulos voraces que devoran la libertad y la identidad de nuestras niñas y mujeres.

Ese mundo sin princesas ni hadas madrinas, ese mundo en donde la identidad se torna borrosa hasta desvanecerse en un cuerpo femenino devenido trozo de carne agujereado, donde la vida es propiedad del cafisho y todos los castillos son de humo, del humo más espeso y asfixiante.

Hace falta hablar de la trata, visibilizar a todas esas niñas y mujeres que este siniestro negocio plagado de las complicidades más nefastas nos arrebata minuto a minuto a lo largo y ancho de todo el país. Por Marita, por María, por Susana, por…… Hace falta.

Ficha técnica:

Actuación, dirección, puesta en escena, diseño de luces, vestuario y musicalización: Marisa Busker

Manejo de luces: La Lunares teatro

Manejo de sonido: Regina Lew

Fotos: José Luis Cáceres

Duración: 1 hora

Funciones: miércoles y jueves de enero y febrero, 20.30hs

La Lunares Teatro: Humahuaca 4027 (Humahuaca y Medrano) - CABA

Tel. 011 4867-3105

La peripecia del actor. Sobre Antihéroe Off

La peripecia del actor

Sobre Antihéroe Off

Por L. R.

Una agradable noche de enero nos acercamos al “Onírico espacio de arte”, una de las pocas salas con actividad teatral en la temporada estival, para asistir a una función  de Antihéroe off, obra escrita e interpretada por Patricio Abadi con dirección de Paula Marrón.

Nos espera un unipersonal. También nos espera Remo, el actor y antihéroe al cual hace referencia el título.  Remo es actor, pero también es padre. Actúa para vivir y  actúa para cumplir una meta: juntar el dinero para poder costearse el pasaje de avión que le permita reencontrarse con su hijo al otro lado del Océano.

Así, durante los 50 minutos que dura la obra, Remo irá desplegando una serie de personajes y performances bizarras que ofrece como su único capital para poder asegurarse el dinero necesario para alcanzar su meta, su objetivo, llegar a Inglaterra y conseguir una beca en una afamada institución teatral de Londres, ciudad donde vive actualmente el niño junto con su madre oriunda del lugar.

En una puesta despojada y valiéndose de algunos pocos elementos de utilería y vestuario (bigotes postizos y pelucas destinados a sus originales performances, un teléfono de línea que irrumpe entre las ficciones y recuerdos, una escalera que conduce a un altillo/habitación y una tortuga llamada Artaud que oficia de testigo, compañera y hasta partenaire en alguna de sus representaciones) el actor va desplegando entre sus personajes los momentos más significativos de su vida como su extraño y milagroso nacimiento producto de un padre depresivo y una madre sexagenaria, su casual acercamiento al teatro formado, según cuenta, por un extraño maestro Ruso que mediante métodos poco ortodoxos capacita a actores para interpretar sólo papeles de villanos y por supuesto el descubrimiento del amor, la llegada de su hijo y los motivos de la reciente separación.

Objetivo y estrategia de un personaje que oscila entre lo bizarro y lo tierno sin perder por ello profundidad, servirán también de excusa para abrir algunos interrogantes en torno a la actuación, sus clichés, el vivir de la profesión y la realización personal.

Ficha técnica:

Actor: Patricio Abadi

Diseño de Luces: Ricardo Sica

Diseño de Vestuario: Cecilia Zuvialde

Diseño Sonoro: Malena Graciosi

Coreografía: Marina Otero

Fotografía: Laura Mourenza

Comunicación Visual: Instinto (de comunicación)

Prensa: Correydile

Dramaturgia: Patricio Abadi

Dirección: Paula Marrón

Duración del espectáculo: 50 minutos

FanPage: https://www.facebook.com/ANTIHEROE-OFF-31625673658902/?ref=hl

Feliz encuentro de talentos nómades. Sobre el Festival Internacional de Circo Independiente

Feliz encuentro de talentos nómades

Sobre el Festival Internacional de Circo Independiente

Por Vivi Montes

El Galpón de Guevara abrió sus puertas al Festival Internacional de Circo Independiente, un espacio de encuentro y visibilización de diferentes formas de acercamiento al arte circense. Repasemos algunas de las obras que formaron parte del festival.

Nomarramón de Jorge Albuerne, España.

"Nomarramón es una relación entre mi abuelo y yo, entre yo y el circo, entre mi abuelo y la muerte, entre yo y la vida, entre la vida y el azar… la vida y el rastro que dejamos en ella, el sentido de la misma, la consciencia de su fin... La visión de dos mundos conectados a través del tiempo y la genética."

Eso es Nomarramón para su creador. Para el público, Nomarramón, además del palíndromo que le da nombre al espectáculo, es el encuentro con el humor más transparente, el del artista que se ofrece en escena con sus aciertos, sus errores y se deja atravesar por el azar propiciando un verdadero encuentro a producirse cada vez, en cada presentación. Nomarramón narra todo sobre sí mismo, Albuerne nos pone en contacto con el quehacer artístico contándonos cómo lo hizo, por qué lo hizo y cómo lo habría hecho de disponer más presupuesto o mejores condiciones de producción.

Se combinan en los solos que componen la obra la sinceridad del artista que se muestra y se asume a sí mismo en escena, hermosas imágenes y una cuota grande de humor asegurado no exento de emoción y sorpresa. Y el uso de una disciplina circense como modo de búsqueda y expresión; el palo chino sirve al artista, en este caso, para desafiarse y reflexionar en torno a los ejes que atraviesan la vida.

Ficha Técnica:

Idea, dirección e interpretación: Jorge Albuerne.
Iluminación: Mauro Paganini y Jorge Albuerne.
Espacio escénico y Escenografía: Jorge Albuerne
Construcción de aparatos: Luis Nevado “Luisillo” y Jorge Albuerne.
Espacio Sonoro: Jorge Albuerne y y extracto de "Blade Runner" (Ridley Scott. Versión doblada a castellano en voz de Constantino Romero).
Músicas (extractos): André Minieville, The Righteous Brothers y Jan Johansson.
Vestuario: Jorge Albuerne.
Textos: Jorge Albuerne y extracto de "Blade Runner" (Ridley Scott. Versión doblada a Castellano).
Coproducción: L’Antic Teatre / Adriantic y Jorge Albuerne.
Soporte a la creación: La Central del Circ.
Fotografía: Tristán Pérez Martín, Alessia Bombaci y Rosa Colell. (Imprescindible mencionar autoría de las imágenes en difusión).
Agradecimientos: Ángeles Juanco, Fernando Albuerne, Ramón Albuerne, Luis Nevado “Luisillo”, Mauro Paganini, Cecilia Colacrai, Pablo Tendela, Manolo Alcántara, Jordi Panareda, Enric Ases, Semolina Tomic, Juliette Beaume, Marta Campabadal, Rosa Colell, Sergio López “Chapa”, equipos de la Central del Circ y del Antic Teatre.

Producción internacional: Pierpaolo Olcese

Prensa: OCTAVIA Comunicación

Trailer: https://vimeo.com/51206377

Povnia, de Lila Monti, Argentina.

Una es una estrafalaria mujer que aterriza brutalmente en escena. Ella viene de Povnia, un país que atravesando diversas catástrofes naturales desapareció del mapa y se encuentra de pronto en Argentina, un país que ni siquiera aparece en su mapa. Una tiene todo por descubrir y todo por aprender, sola y sin tierra a la que volver transforma la pérdida, el desarraigo y el desconcierto en un espectáculo sobre el reinventarse, sobre el volver a creer en el otro, confiar, amar y seguir adelante.

Lila Monti nos ofrece en este espectáculo un personaje maravillosamente colorido, en todos los sentidos. Para reír con ganas y reflexionar sobre el encuentro con el otro; Una ni siquiera habla nuestro idioma y sin embargo la entendemos y la comprendemos de pé a pá. Para enfrentarnos también con que no importa donde el mundo, el destino o dios nos ponga, siempre algo tendremos para hacer, siempre algo tendremos por encontrar.

Ficha Técnica:

Autor: Lila Monti, Virginia Martí y Guillermo Angelelli.

Dirección: Virginia Martí y Guillermo Angelelli.

Una: Lila Monti.

Asistencia de dirección: Silvia Aguado

Vestuario: Marisa Geigner

Zapatos: Javier Moyano

Utilería y accesorios: Valeria Álvarez

Música: Guillermo Rey y Agustín Flores Muñóz

Diseño de luces: Ricardo Sica

Diseño Gráfico y web: Andrés Kyle

Fotografía: Juana Ghersa

Producción general: Lila Monti

Producción internacional: Pierpaolo Olcese

Prensa: OCTAVIA Comunicación

Trailer: http://www.povnia.com/video.html

La historia sin fin de los amantes de Verona. Sobre RyJ de Juan Prada

La historia sin fin de los amantes de Verona

Sobre RyJ de Juan Prada

Por L. R.

Un tablado a lo largo del escenario, emulando el tablado Isabelino. Ahí se desarrollará, como en los tiempos de Shakespeare, la acción de esta nueva versión de Romeo y Julieta donde la obra se plantea como un recorrido de 5 actos  donde “unos mueren, todos lloran y nadie aprende nada del amor”; recorrido en el que, por resultar la historia bastante conocida por la mayoría de los espectadores, no se le otorga tanta relevancia a la “llegada”, el desenlace de la tragedia, como el sendero en sí mismo.

La trama se irá construyendo a través de este grupo de 8 actores que intercambian, a veces en forma de negociación, y duplican personajes sin importar género (casi todos pasan por Romeos y Julietas) ni linealidades (las parejas de Romeos y Julietas se van mezclando y entrecruzando), encontrando así su propia forma de narrar esta historia con mucho humor y haciendo uso de múltiples recursos como por ejemplo la sonoridad de un acordeón en vivo y la interesante adaptación del espacio que incluye hasta los camarines del teatro como parte del dispositivo escénico, y el rap con toda su potencia de denuncia, entre otros.

Con un elenco joven y de gran versatilidad en  RyJ no quedan afuera ni la comedia, ni la tragedia, ni la sensualidad de la obra de Shakespeare, así como tampoco quedan afuera otros personajes de la misma pluma, como Hamlet, Macbeth y Otello, ya que en la puesta se permite la superposición de escenas de estas otras obras canónicas, como si fuera el sin fin de un ejercicio teatral, sin por ello dejar de contarnos la historia de los amantes de Verona.

Ficha técnico artística

Texto: Juan Prada

Actúan: Nicolás Barsoff, Roberta Blázquez Calo, Mariano Kevorkian, Sergio Mayorquin, Andrés Rasdolsky, Agustina Rodriguez Eyras, Paula Uccelli, Frida Jazmín Vigliecca

Vestuario: Agustina Filipini

Escenografía: Agustina Filipini

Iluminación: Fernando Chacoma

Diseño sonoro: Baltazar Oliver

Realización de escenografia: Vìctor Salvatore

Música: Baltazar Oliver

Letras de canciones: Roberta Blázquez Calo, Sergio Mayorquin, Baltazar Oliver

Fotografía: Sara Llopis

Asistencia de escenografía: Camila Alio, Paula Pazos

Asistencia de vestuario: Camila Alio, Paula Pazos

Asistencia de dirección: Carolina Wolf

Producción ejecutiva: Lucía Asurey

Dirección: Juan Prada

Duración: 105 minutos

ABASTO SOCIAL CLUB
Yatay 666 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4861-7714
Web: https://www.facebook.com/abasto.socialclub?ref=hl
Entrada: $ 120,00 / $ 100,00 - Domingo - 20:30 hs - Hasta el 13/12/2015 

¿Qué nos salva? Sobre “Y finalmente salvarnos” de Verónica Dragui y Lisa Caligaris

¿Qué nos salva?

Sobre “Y finalmente salvarnos” de Verónica Dragui y Lisa Caligaris

Por Vivi Montes

Y finalmente salvarnos utiliza el dispositivo teatral para llevar a cabo un proyecto de investigación. Un cuadrado dibujado con tiza en el piso de la sala se sugiere como espacio de la representación, fuera de él se propone el diálogo con el espectador en “tiempo real”. Sin embargo la obra funciona como un juego de cajas chinas en el que, lo que en realidad se despliega es el juego de la metateatralidad; el juego del arte que se propone como reflexión de su propio dispositivo. 

Un cuadrado dibujado con tiza en el piso, una actriz y unos pocos objetos que en su uso se transforman en los otros personajes de la historia resultan suficientes. Suficiente un diario para convertirse en el marido de la protagonista, un batón para la cuñada, un par de anteojos deformantes para la palabra autorizada y estigmatizante de la medicina y un pañal de tela para contar todo el amor que cabe y desborda la relación entre una madre y su pequeña hija. Unas manchas rojas aparecidas en el cuerpo de la mujer despliegan el drama; el drama del miedo al contagio, el del dedo que señala acusador, el drama del aislamiento, de la soledad, del desamor y de la ignorancia. El riesgo de perder al ser más amado, aferrarse a ese amor y… Y finalmente salvarnos. ¿La salvación? Hipótesis de cada uno de los espectadores, la obra –inteligentemente- no da respuestas.

Descatable el trabajo de la actriz Lisa Caligaris por la composición de los personajes, por la versatilidad para diferenciar tipos y presentar una amplia gama de sentimientos y por un impecable manejo de los objetos. Muy interesante también la propuesta espacial con diseño de Verónica Dragui que resuelve en un espacio pequeño y con contados (los necesarios) objetos una historia completa y compleja con variedad de personajes y escenarios de acción.

Ficha artístico técnica

Dirección: Verónica Dragui

Actuación: Lisa Caligaris

Dramaturgia: Lisa Caligaris  Verónica Dragui

Diseño de espacio: Verónica Dragui

Colaboración Escénica: Lisandro Rrdríguez

Asesoramiento en Vestuario y objetos: Azul Borenstein

Diseño de luces: Diego Quiróz.

Diseño Gráfico: Manuel García.

Prensa: Simkin & Franco