La sangre no es agua. Sobre Gángster de Daniel Dalmaroni

La sangre no es agua

Sobre Gángster de Daniel Dalmaroni

Por Vivi Montes

            Transcurre el año 1963 cuando una mujer, luego de veinte años de casada descubre, de pronto, que su marido es gángster, trabaja para un mafioso. De allí en más, los hechos que se van revelando ponen de manifiesto que nada es lo que parece ser. Las cosas se nombran de manera tan tergiversada que apenas pueden ser reconocidas, entonces, la mafia es "la empresa", los sujetos a los que hay que limpiar "expedientes" y los muertos, "archivos".

            Además, la obra plantea un juego entre literatura, ficción y realidad. Sin embargo, allí no va todo, Gángster asombra al espectador una y otra vez con una dinámica en la que los giros de la trama no dejan de sorprender. En clave de comedia, con personajes bien delineados y buenas actuaciones, esta puesta habilita la reflexión sobre los legados familiares que no se cuestionan, sobre la violencia, los diferentes modos de nombrarla, de representarla y de vivirla; sobre lo no dicho y sobre el pasado, que no confrontado, vuelve, siempre vuelve porque la sangre no es agua.

Ficha artístico-técnica:

Dirección: Sebastián Bauzá

Elenco: Karina Roldán, Leo Prestia, Agustín Frágola, Mariano Bicain

Escenografía: Marcelo Salvioli

Vestuario: Cecilia Carini

Realización de Escenografía: Raúl Olivari y Asoc.

Realización de Utilería: Iván Salvioli

Ayudante de Vestuario: Ailín Gutierrez

Producción Ejecutiva: Hermanos Warnes

Prensa  y Redes Sociales: TEHAGOLAPRENSA

Asistente de dirección: Antonia Ruggeri

Teatro del Pueblo - Av. Pres. Roque Sáenz Peña 943, CABA

Funciones sábados a las 22 horas

Se hace camino al andar

Por Valeria Arèvalos

 "no estoy con vos para estar feliz sino para que lo de estar infeliz me sea más leve" (Mia)

A mi parecer, si hay una obra necesaria en la cartelera porteña, es esta. Ya està. Ya lo dije. Continuemos.

En un mundo posmoderno como el que nos reúne, el teatro se fue poblando de piezas que resaltan la disfuncionalidad de las familias como metáfora y gérmen del consecuente desbarajuste social. No es casual que las obras màs duraderas y exitosas (tèrmino problemàtico si los hay), como La omisiòn de la familia Coleman o El loco y la camisa, nos ubiquen en un rincón del living para presenciar las grietas de un hogar que no es nuestro, pero que bien podría serlo.

Es asì como nos encontramos con la obra del joven croata Ivor Martinic, Mi hijo sòlo camina un poco màs lento, que en perfecto maridaje con la dirección de Guillermo Cacace se presenta con múltiples y colmadas funciones en horario…familiar. La cuestión del horario no es un tema menor, ya que la cita es los sábados y domingos a las 11.30 y a las 14 en el Espacio Apacheta, abriendo una franja horaria para la representación que, hasta el momento, era considerada territorio de los infantiles. Esto genera cierto cambio, al menos en el imaginario, del quehacer teatral al momento de pensar en futuras puestas. ¡Existe la mañana! Y puede ser muy amigable.

Por otro lado, esta decisión temporal influye en la puesta en escena, ya que la luz del dìa será la encargada de dar el ambiente, pudiendo resultar inquietante por momentos ya que los lìmites entre la vida y la ficción se ven desdibujados y todo “empieza cuando empieza y termina cuando termina” pero sobretodo, resulta de una franqueza y simplicidad que se agradece enormemente. Simplicidad que también se verá plasmada en la disposición escénica, apoyada en unas cuantas sillas (con ruedas y sin), un poco de papel picado y cuerpos. Esos cuerpos serán los que darán vida a este maravilloso relato. La pregnancia escénica de cada uno/a de los actores/actrices será el pilar fundamental para que esta obra sea lo que es, algo hermoso.

La enfermedad y la imposibilidad de aceptar al Otro tal cual es, de nombrarlo, de mirarlo a los ojos. Una madre que no puede salir de ahì, de esos pensamientos que la atormentan, lo que ella ya no es, lo que su matrimonio no es, lo que su hijo nunca fue. Nada es y nadie es para el otro lo que debería ser. Quizàs sea porque no se mueven. El movimiento es vida. El único que se permite cambiar y tratar de avanzar es Branko, el hijo, el que ya no camina, pero va, su silla se mueve, el resto no. Desde el título de la obra vemos la dificultad de aceptar al otro ante los demás “mi hijo sòlo camina un poco màs lento”, no, señora, su hijo no camina. Ese decir negado, esa imposibilidad de articular, da a los personajes femeninos una verborragia tan poética como desgarradora e hilarante; luego, los personajes masculinos funcionaràn como contrapunto equilibrando la maratón textual desde parlamentos apacibles desde una imperturbable infelicidad.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Ivor Martinić

Traducción: Nikolina Zidek

Actúan: Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Paula Fernandez Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millan, Juan Tupac Soler

Trailer: Mariano Asseff

Vestuario: Alberto Albelda

Escenografía: Alberto Albelda

Diseño de luces: David Seldes

Fotografía: Sebastián Arpesella, Nora Lezano

Asistencia de dirección: Catalina Napolitano

Prensa: Carolina Alfonso

Arreglos musicales: Francisco Casares

Director asistente: Julieta Abriola

Dirección: Guillermo Cacace

Este espectáculo formó parte del evento: Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América 2014
Este espectáculo formó parte del evento: Selección Obras de teatro CABA 2015
Este espectáculo formó parte del evento: 10 FIBA - Festival Internacional de Buenos Aires

Web: https://www.facebook.com/mihijosolocaminaunpocomaslento

Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

APACHETA SALA ESTUDIO
Pasco 623 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4943-7900 / 1530142997
Domingo y Sábado - 11:30 hs y 14:00 hs - Hasta el 27/08/2017 

Soledad en compañía

Por Valeria Arèvalos

¿Después de la muerte, qué? El silencio, el espacio vacío, los zapatos a un costado de la cama … ansiando un paseo que ya no tendrán. Los recuerdos, pero ¿cuàles? Los compartidos. Existe eso, ¿acaso? ¿Existe un mismo vivenciar por dos personas distintas? ¿Existe un recuerdo de a dos?

A diferencia del cuento de Dostoievski, Brie le da voz al personaje de La mansa. Ella (Abril Piterbarg) interactúa con el pasado, actualizando los momentos que la acercaron a èl. El (Iván Hochman), también revive esos momentos, pero buscando el instante que no vio, que se le escapó, en un vano intento por extender los últimos segundos que le quedan a su lado. Interesante elección la de Brie al darle voz al personaje que Dostoievski eligió callar. Nos lleva a pensar en el ejercicio del poder de la palabra en una sociedad patriarcal en donde el hombre suele tener el sonido y la mujer el silencio. En este caso, su silencio irrumpió con fuerza ensordecedora hacia la resolución final, aturdiendo todo a su paso.

La muerte de La mansa lo invade todo desde los primeros textos de èl. ¿Què hacer una vez que su cuerpo no estè? ¿còmo soportar una ausencia tan presente? La puesta refuerza esta idea de presencia-ausencia, uniendo a estos dos seres, ya separados por la muerte, en el escenario. En un constante ir y venir, repasan los días desde aquel en que se vieron por primera vez, hasta hoy, en donde ya no se ven. Los elementos que los rodean (escenografía de Duilio Della Pittima) se organizan y amoldan al relato rearmando pequeñas piezas de aquel universo personal, privado y carente/deseante de amor. La música original de Pablo Brie cubrirà ese espacio desolado dándole también un respetuoso espacio al silencio.  

El amor como un sentimiento difícil de aprehender. Postergado hacia un mañana que traerà prosperidad y entendimiento. Felicidad y palabras. Antes de eso, el hoy, plagado de silencios y suposiciones que sòlo pueden llevar a la sorpresa del horror.  

Ficha técnico artística

Sobre textos de: Fiódor Dostoievsky

Dramaturgia: César Brie

Adaptación: César Brie

Actúan: Iván Hochman, Abril Piterbarg

Trailer: Juan Barone

Vestuario: Carolina Ferraioulo

Escenografía: Duilio Della Pittima

Maquillaje: Daniela Lieban

Música original: Pablo Brie

Fotografía: Carolina Angriman, Maru Guldris

Ilustrador: Clara Carlon

Diseño gráfico: Cachi Bratoz

Asistencia de dirección: Florencia Michalewicz

Prensa: Simkin & Franco

Producción:  Larisa Rivarola, Liza Taylor

Dirección: César Brie

Agradecimientos: El Ojo Verde, Vera Dalla Pascua, Sofía Diambra, Adriana Podzamczer, Mariano Stolkiner, Liza Taylor

Web: http://elextranjeroteatro.com/

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL EXTRANJERO
Valentín Gómez 3378 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 48627400
Web: http://www.elextranjeroteatro.com
Entrada: $ 200,00 - Viernes - 21:00 hs - Hasta el 21/04/2017 

Roberto Arlt: ¿un loco lindo? De Carlos Cazilla

Por Valeria Misevich

El ambiente que se respira en el Espacio de Teatro Boedo XXI nos invita a la nostalgia y a sumergirnos en el espíritu del barrio del Tango y en la bohemia de aquella agrupación vanguardista que tuvo entre sus filas a Leónidas Barletta, Elías Castelnuovo y a Roberto Arlt.

El director Cazilla escribe y pone en escena una biopic sobre el autor de Trescientos millones, proponiéndonos ‘vistas’ de su vida cotidiana como hijo de inmigrantes con pretensiones, donde sus mujeres –madre y esposas- aparecen como figuras fundamentales que ponen en crisis continuamente la figura del escritor. La presencia de Erdorsain como alter-ego permite al espectador no sólo convertirse en voyeur de anécdotas sino acercarse a la complejidad de la personalidad del gran Roberto Arlt, el brillante hombre de letras que influirá en la narrativa argentina de su época y en la contemporaneidad.

La puesta es sencilla, se sustenta en la buena interpretación del protagonista, que encarna un personaje ambiguo y que nos provoca sensaciones encontradas. La mirada del espectador de hoy juzgaría severamente al personaje si no fuera por la cuota de simpatía que logra transmitir el actor. El elenco acompaña correctamente y la iluminación permite construir espacios y tiempos que conviven en escena y dinamizan la puesta con la alternancia y el paralelismo de situaciones. Tanto la música como un vestuario delicado y apropiadamente elegido nos sitúan históricamente en una Buenos Aires de principios de siglo XX.

Una propuesta escénica que se acopla al ambiente donde se sitúa, conformando una experiencia llena de memoria que vale la pena transitar. 

FICHA TECNICA

ELENCO

Federico Vilar

Pablo Ortolani

María Buscaglia

Belén Freire

Florencia Reyes

Marcela Molina

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO

Cristina Tavano

EDICIÓN DE MÚSICA

Guido Bernasconi

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN

Marcela Molina

LIBRO Y DIRECCIÓN

Carlos Cazilla

VIERNES 21.30HS – ESPACIO DE TEATRO BOEDO XXI – BOEDO 853 - CABA

El sìndrome del mal amor.

Por Valeria Arèvalos

El Sìndrome de Mûnchhausen es un tipo de maltrato infantil. En èl, el adulto responsable de cuidar a un niño (madre, padre) inventa síntomas y enfermedades que la criatura no tiene, pero que, a partir de esta imposición, cree que tiene. Puro y llano manejo del poder sobre un ser que, a partir de la mirada del otro, se reconoce como enfermo. Aquí, el personaje de la Madre (Julieta Alfonso) será la encargada de enfermar a su hijo menor, en un vano intento de perpetuarse en el rol de madre nutricia y protectora,  cuando en realidad sòlo le genera un espacio de encierro y soledad.

En la obra de Lucìa Vilanova el niño, Nick (Diego Vegezzi) nos presta su mirada para recorrer su universo. Universo limitado ya que, “como es enfermo”, Nick no sale de su casa. Serà a través del uso interactivo de videos que la puesta nos plantea una dinámica familiar viciada y nociva, en la que los personajes se relacionan entre sì como un reflejo distorsionado y fagocitador.

Funciones domingos a las 20:30 hs.

Teatro Delborde  Chile  630 – CABA

Informes y reservas 4300-6201 / Alternativa Teatral

Localidades $ 180 general / $130 estudiantes y jubilados

Facebook Münchhausen Twitter MunchhausenOk  Instagram MunchhausenOk

Ficha técnico artística

Autoría: Lucia Vilanova

Actúan: Julieta Alfonso, Diego Bañares, Mónica Driollet, Omayra Martínez Garzón, Diego Vegezzi, Valentina Veronese

Escenografía: Grupo P.I.e.

Audiovisuales: Alejandra D'agostino, Sebastián Pascual

Música original: Sebastián Pascual

Fotografía: Deados Fotografía

Asistencia de dirección: Alejandra D'agostino

Prensa: Tehagolaprensa

Producción ejecutiva: Julieta Alfonso

Dirección: Ana Alvarado

Duración: 70 minutos

Asesino del sueño, nunca moriràs!

Por Valeria Arèvalos

Devastaciòn. La sombra de un pasado glorioso que quedó cubierto de harapos y destrucción. Entre tanta oscuridad, dos seres que, estancados en una tenebrosa eternidad, repiten una y otra vez el momento decisivo que los llevò a la tragedia. Macbeth recibió un vaticinio de las Brujas y fue tras su destino. Lady Macbeth lo empujò a su cumplimiento. Destino sellado con la sangre de un Rey traicionado.  Sangre que ya nada podrá borrar.

En la versión de Jorge Eines, Macbeth, yo no me voy a morir, Macbeth (Florencia Limonoff) y Lady Macbeth (una impecable Coni Marino) vagaràn eternamente en un presente estancado en el tiempo de la tragedia. Macbeth quedarà detenido en ese poder tan ansiado y tan inservible, en un trono desvencijado, reflejo de un reino devenido podredumbre. El, asesino del sueño, nunca màs dormirà. La muerte no será una aliada que venga a liberar sus almas culpables. El eterno retorno del dolor, una y otra vez y cada vez màs duro.

El trabajo de arte y vestuario de Lucìa Maisano y Lucas Bombìn le da un marco espeluznante y corroído, apenas un vestigio del esplendor de aquellos días. La destrucción de las telas, el glamour casi evanescente, acompaña perfectamente la composición de estos complejos personajes. La puesta en escena, de la mano de una ajustada iluminación, regalan al espectador un sinfín de fotos, instantes poéticos y hermosos a la vez que patéticos. Se nota el trabajo de comunión entre la actuación y la dirección y el resultado es una obra imperdible.

Funciones: viernes, 20:00 hs. (Hasta el 5/5 inclusive)
Lugar: Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA)

Entrada: $200-. / Descuento jub. y est. / 2x1 Club la Nación y CABAL.
​Reservas: 5077-8000 int 8313 / Alternativa Teatral

Duración: 60 min.
Trailer: Machbeth, yo no me voy a morir

Ficha técnica:
Dramaturgia y dirección: Jorge Eines

Elenco: Macbeth: Florencia Limonoff  /  Lady Macbeth: Coni Marino
Arte y vestuario: Lucía Maisano, Lucas Bombín
Iluminación: Juan González Rotstein
Diseño gráfico: Karol Caldera

Asistencia de dirección: Anne Castillon
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Tejido Abierto Teatro Buenos Aires

Producción CCC: Pablo Silva

Tejido Abierto Teatro Buenos Aires está integrado por Jorge Eines, Florencia Limonoff, Coni Marino, Anne Castillon, Lucía Maisano, Juan González Rotstein y Lucas Bombín.

¿Dònde estàs ahora, Mariposa?

por Valeria Arèvalos

Un modesto coro de pueblo con una ambiciosa maestra. Con todo lo que la palabra maestra(o) significa, o puede significar. Comprometida. Luchando, interna y tìmidamente, con (contra) la iglesia…con (contra) el Poder.

Una niña indígena, Panambì (Mariposa). Una guaraní, hija de padres golondrinas, con un talento que superarìa el destino esperado, los preconceptos, su status social. Ella. Llega no sòlo para crecer, sino también para hacer-crecer. Un crecimiento que abarca màs allà. Un crecimiento que modifica a su maestra de coro profundamente, reforzando su sed de cambio y encarnando la injusticia social, hasta el punto de hacerla sangrar en cada nota. 

Quièn se afecta màs en la dinámica de la educación? El alumno/la alumna, el maestro/la maestra? Estas decisiones discursivas que tenemos al adoptar el principio de un cambio, como germen de una igualdad que va (debe ir) màs allà. Panambì tiene otra lengua de base, el guaraní. Su maestra lo goza, lo disfruta, como esa lengua exótica que portan aquellos que traen lo ancestral. Como la música. La música también arrastra en sus notas el lenguaje que hermana, que no necesita traducción.

La interpretación de Virginia Kaufmann es hipnótica. Una extraña mezcla entre su mirada clara, su pregnancia escénica y su interprètaciòn ajustada. Su voz, en perfecta comuniòn con el arpa de Sonia Alvarez, abrazan al espectador en un cìrculo de esperanza y desazón. No es un unipersonal. Es un dùo.

El diseño lumínico refuerza el ambiente, lo crea y distiende.

Esta obra, proveniente del Teatro Bombòn 2016, despliega todas sus posibilidades en el amigable espacio de Pan y Arte cada sábado a las 20.30 hs.  

Desde su estreno, la pieza ha recibido mùltiples nominaciones y reconocimientos. 

Ficha técnico artística

Autoría: Virginia Kaufmann

Actúan: Virginia Kaufmann

Músicos: sonia alvarez

Realización de utileria: Fabián Suigo

Fotografía: Paula Siciliani

Asesoramiento dramatúrgico: Jimena Canido

Asistencia de dirección: Fiorella Costadoni

Producción ejecutiva: Analía Bustamante, Albertina Maranzana, Sebastián Romero

Dirección:  Lala Mendia

Este espectáculo formó parte del espectáculo: Teatro Bombón

Este espectáculo formó parte del evento: Teatro Bombón 8º Edición
Este espectáculo formó parte del evento: Teatro Bombón 9° Edición

Web: https://www.facebook.com/cmnteatro/

Duración: 30 minutos
Clasificaciones: Musical

PAN Y ARTE TEATRO
Boedo 876 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 49534232
Web: http://www.panyarte.com.ar
Entrada: $ 150,00 - Sábado - 20:30 hs - Del 01/04/2017 al 29/04/2017

ENRIQUE IV y la vigencia de un clásico que nos interpela

                                                                                                                                                                           

                                                                                                                                                                               por Valeria Misevich

“Es clásico lo que tiende a relegar la actualidad a categoría de ruido de fondo,

pero al mismo tiempo no puede prescindir de ese ruido de fondo.”

Italo Calvino

    

     Enrique IV, comedia en tres actos escrita en 1921, es considerada una de las obras maestras de Pirandello.  La reflexión sobre la locura y la razón, la ficción y la realidad, y sus límites siempre imprecisos que no nos permiten transitar nuestra existencia ingenuamente, son los temas recurrentes en la obra del autor, y en Enrique IV asistimos a la representación de una historia que nos permite reflexionar sobre la imagen que cada uno de nosotros construye para mostrar, para moverse en una sociedad que vive de apariencias, de superficies y de simulacros.

     Hoy Pirandello es convocado en Hasta Trilce, un teatro de Almagro digno de conocerse no sólo por su sala sino por todo lo que la rodea. La sala teatral cuenta con un escenario elevado muy amplio que permite que elencos numerosos puedan trabajar cómodamente, como en este caso. La escenografía de patrones geométricos y juego de volumen, ofrece la posibilidad de trabajar con la extraescena y deja lugar al desarrollo de la representación. Sergio Grimblat propone una puesta en escena que sobresale fundamentalmente por la actuación de su protagonista, Juan Pablo Sierra, que logra desde lo corporal atraer la mirada del espectador. El texto prepara la entrada de este personaje, y Sierra no decepciona. Presencia escénica que construye con un adecuado manejo de la gestualidad, fundamental para el género en el que se inscribe la obra, y con sus movimientos dentro del espacio. El resto del elenco acompaña correctamente, aunque por momentos pareciera que no encuentren una dinámica en el manejo del espacio. El otro fuerte del espectáculo es el vestuario, bellamente diseñado por Valentina Remenik, que se desprende del fondo ofrecido por la escenografía a partir de los colores y las texturas elegidas.

     Una propuesta interesante que invoca un clásico para dialogar con otros espectáculos del circuito teatral porteño sobre el binomio realidad/ficción, tema de interés universal  pero que se actualiza con características propias en cada momento y en cada sociedad en la continua búsqueda de respuestas trascendentales.

Ficha técnico artística

Actúan: Lautaro Alvarez, Juan Pablo Cappellotti, Constanza Cardillo, Rubén Dellarossa, Federico Grinbank, Barbara Irisarri, Jorge Landaco, Federico Lombardía, Juan Pablo Sierra, Eduardo Veliz

Diseño de vestuario:

Valentina Remenik

Diseño de escenografía:

Magali Acha

Diseño de Iluminación:

Julio Alejandro López

Diseño gráfico:

Jorge López

Asesoramiento Sonoro:

Carmen Baliero

Diseño de zapatos medievales:

G. Duarte/C. Villagra/F. Zaffaroni

Realización escenográfica:

Los escuderos

Caracterización:

Romina Ponce/Analía Gómez Lima

Producción ejecutiva:

Pato Rébora

Asistencia de dirección:

Julieta Cantero/Checho  C. Strusiat

Dirección:

Sergio Grimblat

TEATRO HASTA TRILCE (Maza 177, CABA) Viernes - 20:30 hs