TRAMITE POR UN CUERPO: Volver a matar al Padre en tono de comedia

TRAMITE POR UN CUERPO: Volver a matar al Padre en tono de comedia

Por Valeria Misevich

Los sábados por la noche en el barrio de Boedo se presenta Trámite por un cuerpo, espectáculo que se propone como comedia negra y que busca poner en escena el mundo interior de un hombre acosado por la figura del Padre. 

Algunos rasgos en la escenografía, el maquillaje y la gestualidad remiten a aquellos films expresionistas de la Alemania de principios de siglo XX, y ponen en evidencia el estado de semi-alucinación en el que vive el personaje del hijo, proyectando en el mundo que lo rodea ese aire de extrañeza y ambigüedad donde lo siniestro no tarda en hacer su aparición.

Lazarito, el hijo, viaja a retirar el cadáver de su padre a un pueblo lejano para darle sepultura -física y, más importante aún, simbólica-.  Lázaro Padre (sí, Padre con mayúscula) es el fantasma que lo atormenta y que juega intertextualmente con el texto shakesperiano. El Burócrata, por otra parte, es el personaje más expresionista de todos pero paradójicamente genera una fuerte identificación o reconocimiento en nuestra sociedad actual. La Miguera completa el elenco, y puede considerarse el personaje embrague con un logrado look timburtoniano. 

En varios pasajes del espectáculo, la conjunción de los distintos sistemas expresivos logra construir climas que van desde la cruel comicidad en las oficinas del ampuloso administrativo hasta el profundo patetismo de la escena final.

La manipulación de la luz es fundamental en el armado esta puesta, haciéndose cargo  de la puntuación al interno de la fábula y potenciando el desempeño de los actores, sin hacerlos desaparecer pese al grado de intensidad que maneja. La música original es otro de los fuertes de la propuesta del grupo Crisálida y participa orgánicamente del conjunto.

Una historia sencilla, donde el manejo del humor y los mecanismos de identificación se alternan con imágenes cuidadosamente construidas por la puesta para dejar huella en los espectadores

FICHA TECNICA.

ELENCO

Miguera…………….…Susana N. Fernández

Lázaro….……...........Gustavo Sternischia

Administrativo……..Ciro López

Lazarito................. Diego Solari

DIRECCION

Vallejos/Solari

PUESTA EN ESCENA

Grupo Crisálida

ESCENOGRAFIA, VESTUARIO Y FOTOGRAFIA

Fabiana Babare

MUSICA ORIGINAL Y PRODUCCION AUDIOVISUAL

Federico Rivera

DISEÑO Y OPERACIÓN DE LUCES

José Misevich y Nicolás Sassano

MAQUILLAJE

Barbara Paz Dominguez

DISEÑO GRAFICO

Leonardo Solari

RESEÑA DE PRENSA

Nahuel Paz

GUION ORIGINAL

Marcelo Vallejos

SÁBADOS 21hs. ESPACIO DE TEATRO BOEDO XXI – BOEDO 853 – CABA

La que nació para ser escuchada. 

Sobre La suerte de la fea de Mauricio Kartun.

Por Valeria Arévalos

En un bar de atracciones de comienzos de siglo, una Orquesta de Señoritas simula tocar instrumentos para la platea de varones sedientos de curvas. Basta con realizar poses seductoras y mentidos gestos de intérpretes para que el público lascivo se pierda en la vorágine del deseo. En el foso, por lo bajo y ocultas, las verdaderas músicas ejecutan las notas que las figurantas fingen sentir. Se trata de las feas, de las que no nacieron para ser miradas. La suerte de la fea, de Mauricio Kartun, habla de esas mujeres que, desde la oscuridad, sentían pasar de cerca el placer sin poder tocarlo. Inevitablemente la bomba interna estalla, dejando un rastro de añicos asesinos con sabor a soledad.

En esta puesta de Paula Ransenberg, la fea será encarnada por Luciana Dulitzky y la elección del verbo “encarnar” no es caprichosa. La interpretación de Dulitzky va en un in-crescendo dramático que la deja en carne viva de cara a su desgarrador final. El violín de Federico Berthet le responderá atento, cual interlocutor compasivo, desde la penumbra. El acento estará puesto en la naturaleza sensual y el deseo interrumpido. Un pequeño escenario lateral alcanzará para condensar todos los elementos de ese pequeño mundo hostil e impiadoso. Las luces abrazarán su relato dándole la atención que tanto quiso y que finalmente tendrá.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Mauricio Kartun

Actúan: Luciana Dulitzky

Intérpretes: Federico Berthet

Vestuario: Alejandro Mateo

Peinados: Granado

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Fernanda Balcells

Realización de escenografia: Los Escudero

Realización de vestuario: Lucina Tropini

Música: Federico Berthet

Fotografía: Alejandro Ojeda

Diseño gráfico: Zkysky

Asistencia de dirección: Marcelo De León

Prensa: Marisol Cambre

Dirección: Paula Ransenberg

Duración: 45 minutos

TIMBRE 4
México 3554 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 180,00 - Domingo - 17:00 hs - Hasta el 20/11/2016
Entrada: $ 180,00 - Domingo - 19:15 hs - 21/08/2016

China fusión. Sobre “La Chinagueña (o el rancho de las mutaciones)

China fusión

Sobre “La Chinagueña (o el rancho de las mutaciones)

Por Vivi Montes

            Con texto, dirección y puesta en escena de Julio Cardoso y actuación de Mariela Acosta se presenta La chinagueña (o el rancho de las mutaciones). Se trata de una propuesta teatral en la que prima el concepto de fusión, entendido y trabajado como la coexistencia de dos elementos dispares, cuando no opuestos, en un mismo elemento. El resultado total es una mixtura bien lograda y sorprendente. Así, por ejemplo, en Melva Galván -uno de los tres personajes protagónicos que Acosta interpreta sobre el escenario y a los que se suman a otros menores que también la actriz toma a su cargo, todos muy bien definidos- cohabitan las dos chinas, la santiagueña y la asiática y el cruce en su discurso entre modismos, ritmo y sonoridad de cada lengua es brillante. Los cambios de personaje están acompañados y se completan con un inteligente uso de vestuario, pelucas, escenografía, luz y manejo del espacio.

            En el transcurso de la obra, se cruzan además elementos trágicos elaborados en tono de comedia, las creencias, las culturas y todo fluye hacia destinos inciertos. Y finalmente en este universo que crea la obra, en el que ante la llegada de los chinos a Ojo de Agua, un pueblo al sur de Santiago del Estero se suscitan diferentes reacciones desde el rechazo a la aceptación, universo en el que hay lugar tanto para La Telesita como para el I Ching se plantea la idea de un mundo globalizado donde ¿realmente hay lugar para todos? Y en todo caso, cómo habitamos esos espacios donde el encuentro con el Otro puede tornarse conflictivo, amenazante o revelador según decidamos enfrentarnos o compartir.

FICHA TECNICA - ARTÍSTICA
Dramaturgia:Julio Cardoso
Actúan:Mariela Acosta
Pelucas:María José Crivella
Diseño de vestuario: Daniela Taiana
Diseño de escenografía: Daniela Taiana
Diseño de luces: Adrián Cintioli
Realización de escenografia: María José Crivella
Realización de vestuario: Javier Laureiro
Música: Mariano Rodriguez
Fotografía: Carlos Goldenberg
Entrenamiento corporal: Cecilia Hopkins
Asistencia técnica: Michelle Saffores
Asistencia de dirección: Michelle Saffores
Prensa: Tehagolaprensa
Puesta en escena: Julio Cardoso
Dirección: Julio Cardoso

Funciones: viernes 21 hs

La Gloria Espacio Teatral: Yatay 890 - CABA

Reservas: Tel. 011 3527-4420  

Bailar con los ojos cerrados y que, afuera, todo arda.

Por Valeria Arévalos

Expectantes, como mensajeras del ayer, tres hermanas contemplan nostálgicas a aquellas que serán. Si pudieran advertirse, atravesando el tiempo, todo aquello que las lastimaría y las convertiría en quienes son hoy, lo harían. Pero eso, ¿cambiaría algo? La historia se escribe una y otra vez, el mundo gira y afuera todo arde. El guardar las apariencias para algunos es fundamental, dejando lo importante bajo el colchón, escondido y silenciado. Pequeños secretos de pequeños círculos que se encierran sobre sí, asfixiando una realidad mayor que quema con un fuego tan inmenso que resulta imposible no querer apagar. Pero para enfrentar las llamas hace falta desnudarse, quitarse no sólo la ropa sino las caretas y orejeras. Precio que no todos están dispuestos a pagar.

En esta relectura de Tres hermanas de Chejov, Marcelo Savignone aprovecha para resaltar lo atemporal del texto y, así, hablar de nosotros. De nuestro pasado y la memoria selectiva, de aquellos que enfrentaron las llamas y de aquellos que cerraron las ventanas. Del cómo cada decisión suma un ladrillo en la construcción de quien elegimos ser.

Resulta difícil destacar un elemento de la puesta en particular ya que todos y cada uno de ellos funcionan en hermoso maridaje. Desde la dirección impecable, pasando por las intensas actuaciones hasta el ideal marco formado por una escenografía tan maleable como metafórica y una iluminación dramática y cruda. Mis tres hermanas, sombra y reflejo es un espejo teatral en donde vale la pena mirarse.

Ficha técnico artística

Concepción: Marcelo Savignone

Actúan: Mercedes Carbonella, Merceditas Elordi, Sofía González Gil, Andrea Guerrieri, Marta Rial, Belén Santos, Marcelo Savignone

Vestuario: Mercedes Colombo

Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez

Iluminación: Nacho Riveros

Video: Rakia Comunicación

Fotografía: Cristian Holzmann

Diseño gráfico: Ed

Asistencia general: Sergio Beron, Chusa Blázquez

Prensa: Marisol Cambre

Producción ejecutiva: Sebastián Romero

Producción general: Producciones Belisarias

Colaboración artística: Sergio Beron, Chusa Blázquez

Realización: Los Escudero

Dirección: Marcelo Savignone

Puños en alto como estrellas en el cielo. Sobre Sacco y Vanzetti

Puños en alto como estrellas en el cielo

Sobre Sacco y  Vanzetti de Mauricio Kartun en el Auditorio UPB

Por Gabriela Pignataro

Cartas. Documentos.Alegatos.Declaraciones.Papeles amarillentos que esconden la sangre de los rebeldes. Togas y martillos que hieden a injusticia. Dedos acusadores sobre los cuerpos. Y las mentes. La libertad ahorcada de punta en blanco.

Los papeles muertos de la historia, archivados y añejados, guardan en la fría tinta impresa un corazón sutil e imborrable: la incolumne resistencia de aquellos cuya muerte es el peso su lucha.

Los rostros de rebeldía anarquista del 20' en Estados Unidos, se hacen presentes como sombras vivas que se desprenden de un acervo documental de los juicios de Sacco y Vanzetti.

Del papel al cuerpo, animados por la voz y el espíritu enardecido, la obra despliega un acto mágico ante nuestros ojos. Como un zootropo de enormes dimensiones y habitado,  se dibuja una danza se luces y sombras que enuncia en presente un futuro trágico anunciado; gira al pasado para mostrarnos el ayer en el espejo.

El cambio de velocidades e intensidades y el desplazamiento en el tiempo se traduce en secuencias iluminadas en una atmósfera escénica despojada y sombría: un paisaje carcelario, dislocado y frío, la boca llagada del poder que hinca sus dientes sobre aquellos que hacen fuegos en su falso bienestar americano.

Los fragmentos se suceden así, para abrazar la tragedia de los ácratas. La obra hace, de manera precisa y rutilante, una reconstrucción efectiva y afectiva de los caminos de los anarquistas.

La brillante dramaturgia de Mauricio Kartun, esa manera rica de entretejer el peso de la historia, es   enunciado, encendido en actuaciones comprometidas y fervientes.

El desafío de abordar un texto como el de Kartun, se refleja en el trabajo actoral de este elenco como un cristal opaco abordado por muchas aristas.

La sala se carga de emociones punzantes, de enojo, de una impotencia ante el pasado que es melancolía ante la justicia que no abrió sus ojos para ver la esperanza de los puños en alto.

O haya sido tal vez, que tan poderosos como un sol, los gritos de Sacco y Vanzetti hayan sido rayos que dejaron ciegas a las conciencias oscuras.

Viernes - 21:30 hs - Hasta el 26/08/2016, en AUDITORIO UPB, Campos Salles 2145 .

Autoría
Mauricio Kartun

Actúan
Carlos de Urquiza
Marcelo Balaá
Graciela Bravo
Christian Di Guardia
Juancho Ferrería
Ariel Gorosito
Matías Hirsch
Fernando Martinez
Raúl Piñeiro
Claudio Provenzano
Marina Recio
Germana Sciarratta


Diseño de vestuario
Lucia de Urquiza

Diseño de escenografía
Carlos de Urquiza, Claudio Provenzano

Prensa
Daniel Franco, Paula Simkin

Puesta en escena y Dirección General
Carlos de Urquiza 

Mi mamá me mima, yo mimo a mi mamá

Por Valeria Arévalos

Pedazos de pasado desparramados por aquí y por allá. Juguetes, revistas, una planta, rinconcitos entre retro y kitsch que remiten a un pasado cargado de historias. Historias que suenan con la voz de una madre que, en ese universo a lo Almodóvar, llena el espacio de gráciles movimientos, poemas y canciones. El hijo, Ariel, tomó su nombre prestado a Arnaldo André, es que él es un hijo de la época de Pobre diabla y así como los viernes por la noche la pantalla ardía, también su madre se encendía con las idas y venidas de esos amantes lejanos.

Seré tu madre tranquila no es otra cosa que un concierto recitado de amor. Un hijo que mira a su madre y ve a todas las mujeres que pasaron por su vida (la de él, la de ella), una madre que promete permanecer tranquila durante la reconstrucción de ese pasado que los une en la ensoñación. La obra dentro de la obra, el retrato de la madre imaginada y el espejo en la madre real. Al final del camino, el hijo y su propia búsqueda. En qué medida estas mujeres influyeron en su madre, en qué medida su madre influye en él. La celebración choca de frente con la realidad, la tranquilidad no es tal, la madre múltiple que fusiona a todas y a ninguna. El, su espectador atento e impasible.

Ariel Gurevich, escribe y dirige esta obra ganadora del Concurso Óperas Primas (VIII Edición) que ya ha recibido invitaciones para participar en varios Festivales y es que…todos quieren bailar con la más linda.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Ariel Gurevich

Actúan: Juan Gabriel Miño, Fernanda Pérez Bodria

Movimiento: Luis Sodá

Vestuario: Jam Monti

Escenografía: Adrian Suarez

Espacio escénico: Adrian Suarez

Diseño de luces: Elías Díaz

Diseño sonoro: Franco Calluso

Realización de escenografia: Amelio Cardozo Gill, Adrian Suarez

Musicalización:Ariel Gurevich

Fotografía: Gerardo Azar

Diseño gráfico: Altair Mon

Asistencia de escenografía: Juli Baglietto

Asistencia de dirección: Victoria Beheran, Valentina Rata Zelaya

Prensa: Carolina Alfonso

Curaduria: Matias Umpierrez

Coreografía: Luis Sodá

Dirección: Ariel Gurevich

Hasta el título, Siempre!

Por Valeria Arévalos

Una estudiante de Sociología se dispone a rendir su último final. La familia aguarda expectante la salida de la licenciada, en sus manos bailan generosos regalos: un auto, un viaje con todo pago, muestras del orgullo que provocan los resultados. Irrumpe el bochazo y tras él, sin poder mediar palabra, la lluvia de huevos y harina. ¿Qué hacer cuando un paso en falso nos enfrenta a la desilusión, propia y ajena? En el caso de Manos libres, de Alejandro Lifschitz, este mal momento individual sirve de excusa para que la maquinaria social se ponga en marcha ya que en vez de retomar los libros y apostar a la segunda fecha, esta estudiante, tan avanzada como poco aplicada, decide contratar mano de obra para que lo haga por ella y, llegado el día, le "soplen". Es ahí cuando entra en escena el personaje de Fernando, militante estudiantil de una agrupación de dos personas, que aprovecha esta ocasión para llevar la ideología marxista a un grupo de trabajadores de un supermercado.

La obra funciona como un metamensaje ya que, mientras los empleados del súper son aleccionados sobre el camino hacia la revolución comunista, también lo es el espectador. El humor como catalizador de ideas. Concreto y franco humor que es recibido en la platea con sinceras risas de complicidad. Lo austero de la escenografía se complementa con la abundancia de recursos interpretativos de todos los actores, que, de manera muy pareja aferrados a distintos estereotipos, sostienen el dinámico devenir de la trama hasta su inevitable y tragicómico final.

Ficha técnico artística

Autoría: Alejandro Lifschitz

Actúan: Juan Aráoz, Ailín Hercolini, Nataly Hundewadt, La Meana, Ariel Moldes, Maria Tibi

Escenografía: Grupo Manos Libres

Diseño gráfico: Juan Aráoz

Asistencia de dirección: Cecilia Nuñez

Prensa: Circe Cultural

Dirección: Alejandro Lifschitz

FANDANGO TEATRO
Luis Viale 108 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Fuego cruzado. Pasión entre mujeres en Jugar con fuego de August Strindberg.

Por Valeria Arévalos

Una vez el propio Strindberg declaró que se había reconciliado con su esposa para poder terminar el libro que estaba escribiendo en contra de ella, una vez finalizado…la volvió a dejar. Esa mezcla de musa inspiradora y monstruo a destruír era la mujer para él. Misógino y polémico, este autor sueco reflejaba en sus obras la vida que llevaba. El amor-odio hacia las mujeres fue su motor.

Hoy, a ciento cuatro años de su fallecimiento, Rodrigo Mujico toma esta obra de August Strindberg y reformula por completo el rol femenino llevándolo de objeto del deseo a sujeto deseante. En esta adaptación de Jugar con fuego la acción estará en manos de cuatro mujeres: Kirsten, Elena, Adele y Alex. Una pareja, la amante de una de ellas, la amiga enamorada. En ese fuego cruzado de secretos gritados a voces se encenderá la pasión.

La puesta de Mujico es minimalista, utilizando solo algunos elementos que irán reconfigurando el espacio. La luz es delatora y el silencio ensordecedor. El público, a modo de tribunal, envolverá ese terreno pasional en donde cada mirada está al descubierto. El juego de tensiones se sostiene desde la actuación llegando al punto de percibir la quietud/inquietud del espectador, que, desde el silencio cómplice, espía ese fuego cruzado con olor a pérdida.

Ficha técnico artística

Autoría: August Strindberg

Adaptación: Rodrigo Mujico

Versión: Mónica Benavidez

Actúan: Julieta Izzo, Victoria Ponte, Marianela Rey, Liliana Vallarini

Asistencia general: Eduardo Spindola

Dirección: Rodrigo Mujico

Clasificaciones: Teatro, Adultos

QUERIDA ELENA
Pi y Margall 1124 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4361-5040
Web: https://www.facebook.com/queridaelenateatro
Entrada: $ 150,00 - Domingo - 19:30 hs 

Simone vuelve a la vida. Sobre “La voluntad (Fragmentos para Simone Weil)”

Simone vuelve a la vida

Sobre “La voluntad (Fragmentos para Simone Weil)” de César Brie

Por Vivi Montes

            Simone Weil vivió entre los años 1909 y 1943. En La voluntad (fragmentos para Simone Weil), César Brie y Florencia Michalewicz la vuelven a traer a la vida, reviviendo sus sentimientos, su pensamiento, su obra y fundamentalmente, la enorme sensibilidad con que habitó este mundo. Simone, la que encontraba su lugar entre los desposeídos, entre los obreros, los enfermos, los soldados, la que veía al mundo con los ojos empapados de la mirada crítica que molesta a todo el arco político, de derecha a izquierda.

            En una puesta desbordante de afectos, emociones, pureza y de una aguda filosofía que no conoce de barreras, Simone vuelve a la vida. Con un texto hilado con tal belleza poética que conmueve todas las fibras del sentir humano, interpretado en escena magistralmente, con igual poesía en música, iluminación, movimientos e imágenes, con pocos pero absolutamente precisos objetos y elementos de vestuario, se crea la atmósfera propicia, colmada de dulzura, reflexiva y mágica en que Simone vuelve a la vida. Y en estos fragmentos que Brie dedica a Simone, pero también nos dedica a todos nosotros porque no hay figura más justa que esa mujer de cuerpo frágil pero ideales inquebrantables para enseñarnos a sufrir con los que sufren, a desconfiar de los opresores (que a veces se disfrazan de justicieros) y a luchar con los que luchan. La voluntad (fragmentos para Simone Weil) es una celebración del buen teatro, en todos los sentidos posibles.

 

Ficha artístico-técnica:

Texto y dirección: César Brie

Actúan: Florencia Michalewicz y César Brie

Producción en Argentina: Larisa Rivarola y Banfield Teatro Ensamble

Música: Pablo Brie

Escenografía y vestuario: Giancarlo Gentilucci

Fotos: Mariana Fossatti

Prensa: Simfin & Franco

Diseño Grágico Martín Bolaños

En El Galpón de Guevara

Funciones: viernes de agosto, sábado 6 de agosto y viernes 9 de septiembre a las 23hs.

Dirección: Guevara 326, Chacarita

Informes: 4554-9877

En Timbre 4

Funciones: martes 9, 16 y 23 de agosto, 20.30 hs.

Y los martes 13, 20 y 27 de septiembre, 20.30 hs.

Dirección: México 3554, Boedo

Informes: 4932-4395

En Centro Cultural Recoleta

Funciones: sábados 13, 20 y 27 de agosto,  19 hs.

Dirección: Junín 1930, Recoleta

Informes: 4803-1040