“Las infinitas capas del ser” Sobre “Peer Gynt”

“Las infinitas capas del ser”

Sobre “Peer Gynt” de Henrik Ibsen

Adaptación y Dirección: Juan Cruz Forgnone 

 Por Julia Goldberg

¿Cuántas capas del yo se pueden develar en una vida, en una obra de teatro, en un sueño? En Peer Gynt, obra que Henrik Ibsen escribió en 1867, el protagonista es un joven mentiroso y soñador atravesado por los relatos que le contaba su madre cuando era pequeño. Empujado por su objetivo de convertirse en emperador Peer Gynt irá chocando con su propia naturaleza,  y a partir de aquí su búsqueda será la se encontrar su identidad, ser “el mismo”. Quizá Ibsen también buscaba respuestas sobre quien era él mismo, y en esa búsqueda construyó un personaje conformado por todas realidades y fantasías que atravesaban su propia historia.

En esta magnífica puesta de Juan Cruz Forgnone, la cebolla se abre en capas construidas con una delicia y sensibilidad que permiten al espectador viajar de una a otra como quien salta en el aire de un trineo a una nube. Y así la obra se convierte en viaje fantástico. Cada personaje, cada creación actoral, sostiene con gran potencia las bases de ese recorrido que Peer Gynt, moldeado a la perfección por Federico González Bethencourt, nos revelará en un espacio sin escenografía pero con la ayuda de un vestuario y utilería diseñados con la delicadeza que merecía una travesía como ésta.

A través de la sátira, el juego imaginario y la emoción, la obra describe las interminables y contradictorias formas en las que un ser se puede develar. Ningún detalle está librado al azar, porque cada detalle es parte y repliegue del tan humano y encantador Peer Gynt. Cada escena es un nuevo territorio, teñido de diferente texturas, a base de variados materiales, voces, dinámicas físicas, climas, musicalidades. Y todos esos elementos  conviven armónicamente en el caótico devenir del protagonista en busca de una identidad inalcanzable. Porque finalmente Peer Gynt no es otra cosa que ese caos, esa infinidad de capas, imponiéndose una sobre otra según la circunstancia.

 Por eso esta adaptación de Peer Gynt es una nueva obra, una nueva construcción con nuevas formas de revelar más y más capas. Una nueva búsqueda a través de  ese viaje infinito por el Ser, o por la fantasía del Ser.

FICHA TÉCNICA

Actores 

Federico González Bethencourt  (Peer Gynt)

Maiamar Abrodos  (Åse)

Leilén Araudo  (Solveig)

Agustín Scipione  (Aslak, Rey de Dovre, Sinuoso, Pasajero Desconocido, Enlutado)

Vanina Dubois  (Fanny, La de Verde, Pájaro del mal agüero, Enlutada)

Rubén Parisi  (Hans, Cortesano Troll, Sinuoso, Pastor, Fundidor de Botones)

Manuel Reyes Montes  (Mads Moen, Edecán Troll, Sinuoso, Marinero, Enlutado, Un flaco)

Florencia Barral  (Irene, Ingrid, Princesa Troll, Sinuoso, Enlutada, Mujer que caza pájaros)

Ulises Martínez  (Músico en boda, Músico Troll, Músico peregrino)

Emanuel Moreno Defalco  (Músico en boda, Músico Troll, Enlutado)

Diseño de Escenografía Rahie Rched

Asistencia de Escenografía Caterina Cavalieri y Belén Clemente

Diseño de Luces Jessica Tortul

Diseño de Vestuario Cecilia Gómez García

Música Original Andrés Giraldo

Diseño Sonoro Delinda Ravone

Diseño Gráfico Agustín Scipione

Fotografía Franco Vaca Braylan​

Producción Artística Bruno Martellotta

Asistente de Dirección Daniela González

Dramaturgia Henrik Ibsen

Traducción Rosamaría Paasche

Dirección y Adaptación Juan Cruz Forgnone

Duración 110 minutos

Miércoles 21:30hs

El Portón de Sánchez - Sánchez de Bustamante 1034

La resistencia. Sobre “Tomar la Fábrica” de Joselo Bella, Ricardo Díaz Mourelle y Pedro Sedlinsky

La resistencia

Sobre “Tomar la Fábrica” de Joselo Bella, Ricardo Díaz Mourelle y Pedro Sedlinsky

Por Julia Goldberg

                El título de la obra parece engañar, pero no. Es verdad que en escena no veremos obreros con su mameluco desgastado y pancartas a tono. Lo que si se escuchará es una alusión recurrente a “Los compañeros”, la gran película que Mario Monicheli filmó en 1963, donde se cuenta la historia de un grupo de obreros que decide hacer una huelga reclamando la reducción de la jornada laboral. Quienes aluden constantemente a esta película serán los dos personajes de la obra, dos actores, pero no de esos que no saben si optar por un ofrecimiento en la televisión o uno para hacer cine, sino de aquellos que se desgarran por lograr un bolo que les permite llegar a fin de mes.

            Dos actores que se encuentran con la excusa de cocinar la comida preferida de la hija de uno de ellos que está por llegar. Una excusa para este encuentro de resistencia, donde para sobrellevar los avatares de este oficio tan frágil, ellos irán relatando sus propias historias. Las historias de sus padres, de su niñez, de sus amores, del arte que los inspiró, de sus sueños, sus triunfos y sus derrotas. Y entonces ese contar la propia historia de algún modo será hacer esa obra que nunca pudieron terminar, será finalmente tomar la fábrica.

             Poner en juego la propia historia, ese material del que estamos hechos y el que reconstruimos día a día. Apropiarse de la propia historia para sentir que no es tan diferente a la del otro, y que entonces no estamos tan solos. Esta obra es eso tan simple y tan profundamente hermoso. Eso que nos muestra que a pesar de todo, encontrarnos para recrear nuestras propias historias es una gran forma de resistir al menos, como diría Marcello Mastroianni en Los Compañeros, “una hora más”.

Ficha artístico  técnica:

Elenco:
Juan: Joselo Bella 
Franco: Ricardo Díaz Mourelle
Autores: Joselo Bella, Ricardo Díaz Mourelle y Pedro Sedlinsky
Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo
Diseño de iluminación: Matías Canony
Música original: Rony Keselman
Diseño coreográfíco: Micaela Racciatti
Diseño gráfico: Matías Canony
Asistencia de dirección: Josefina Flores 
Prensa: Octavia Comunicación
Producción ejecutiva: Miguel Angel Ludueña
Dirección: Pedro Sedlinsky

Funciones: domingos, 19:00 hs.
Teatro: Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velazco 419, CABA)

La materialidad difusa de la realidad. Sobre La vida de ella

La materialidad difusa de la realidad
Sobre La vida de ella 

Por Vivi Montes 

            En un universo liminal transcurre La vida de ella. En un entre -entre dos, entre lo real y lo onírico, entre velos- se despliega esta puesta en la que diferentes lenguajes confluyen, se funden y se confunden en una reflexión sobre la realidad que se construye y se desdibuja ante nuestros ojos; sobre la percepción de eso que comúnmente llamamos realidad. En la obra dirigida por Mariana Blutrach y Daniel Böhm se muestra una realidad hecha de capas, de pliegues que funcionan como un cruce de mundos y atrapan.

     Esa realidad de difusa materialidad que se expresa en el universo poético de La vida de ella se compone también de cuerpos que danzan, de imágenes proyectadas, de música y de luces que llevan el ritmo y la intensidad de los cuerpos. Un universo donde la palabra encuentra poco lugar y tal vez no requiera ninguno. Una experiencia en la que lo teatral y lo cinematográfico conviven en la escena. La vida de ella es un territorio de sombras y vivencias a media luz, de susurros apenas audibles y de presencias que se imponen como gritos, de ternura y violencia, de pausas y silencios, de relaciones que se construyen y se destruyen; un territorio límite en el que límite en sí mismo carece de valor, es en el cruce, es en el entre donde la obra, como la vida sucede. 

     No hay una sola narración posible a la pregunta por la historia que la obra cuenta, porque la historia tiene la materialidad de la que se construye la realidad. Es una suma de situaciones confusas, de momentos de intensidad perceptiva y de la belleza de la emoción que no se explica. La vida de ella es una obra que juega al límite, con gran calidad en la concepción y en la ejecución de los diferentes niveles y lenguajes que la puesta transita. No nos ofrece una historia, sino un universo poético en el que perdernos y disfrutar.

Ficha técnica

Dirección general: Mariana Blutrach y Daniel Böhm

Idea y Coreografía: Mariana Blutrach

Puesta en escena y realización audiovisual: Daniel Böhm

Elenco:

Ella: Romina Pedroli

Él: Federico Ottavianelli “Vruma”

El otro: Gustavo Lesgart

Pianista: Valentín Jarach

Nena: Catalina Godoy D´Orta / Alina Keselman

Vestuario y Arte: Laura Copertino

Diseño de iluminación: Nicolás Trovato y Carla Lucarella

Sonido y Música original: Facundo Gómez

Edición y Operación de video: Lucas Casolo y Daniel Böhm

Asistentes de dirección: Melina Serber, Sofía Nicollini

Producción general: Ana Jelín

Prensa: Octavia Comunicación 

Diseño gráfico: Agustín Ceretti

Cuarteto de cuerdas: Cuarteto Sur (Dir. Joaquín Chibán)

Realización de vestuario: Nora Dell´Oro y Pablo Cabrera

Funciones: sábados 21 hs. (Hasta el 24 de junio inclusive)

Lugar: El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, CABA)

Milagros inesperados

Por Valeria Arèvalos

“Vivir en este pueblo es una desgracia, y ¿sabés lo que es una desgracia Celina? Algo que se puede cambiar pero no se hace”. (Celeste)

Cada año, el pequeño pueblo de Concepciòn de Yaguaretè Corà, recibe a un aluvión de fieles que se moviliza desde distintos puntos a visitar a la Virgen Niña, a la Pilarcita. Cuenta la leyenda que la niña de 4 años Pilar Zaracho, cae de la carreta que la transportaba al intentar rescatar a su muñeca, que se le había caìdo. En su intento es aplastada bajo la rueda de la carreta encontrando la muerte. En ese lugar, donde sus padres la enterraron y colocaron una cruz de madera, poco a poco se fue erigiendo una especie de altar en donde se acumulaban muñecas dejadas, primero, por dolientes, luego, por creyentes. Ya que, a la Pilarcita, a medida que pasaba el tiempo se le fueron atribuyendo milagros y sanaciones, que la ponen hoy por hoy en el grupo privilegiado de santos populares junto al Gauchito Gil, Santa Gilda y a otros.

En La Pilarcita, Marìa Marull nos sitùa en el patio de un improvisado hotel una muy calurosa y agobiante tarde de octubre. Es el dìa anterior a la festividad de la virgen y todo el pueblo està movilizado. Lo que alguna vez supo ser una peregrinación para ofrendar a la Pilarcita, hoy por hoy, es un evento plural con comparsas y concursos de canto. Es que no sòlo se trata de la fe, que la hay y mucha, sino también de la economía de un pueblo. Un rincón del litoral que espera esta fecha para alquilar sus piezas, vender muñecas y por què no, viajar un poco a través del relato de los otros. Todos vienen y se van, dejando un vacío tal que a uno le da la sensación de estar muerto.

Como extraído de un cuento de Selva Almada, el texto de Marull nos presenta personajes simples con situaciones cotidianas que no aspiran a ser algo que no son. Celina (Pilar Boyle) lleva adelante como puede su intento de prosperar, se encarga del hotel de sus padres mientras hace las tareas del hogar y con la atención que puede, estudia Medicina. Quizàs algún dìa pueda irse de este pueblo que la asfixia, como hizo su hermano Hernàn, (Juan Grandinetti), que un poco màs oxigenado, vuelve guitarra al hombro para participar del concurso de canto de la festividad. Su personaje será una bisagra muy importante en el orden del relato, ya que sus canciones iràn completando la historia con fragmentos que no veremos. Se apodera de las elipsis y las convierte en canción. Celeste (Mercedes Moltedo en un trabajo muy destacado) será quien ponga el cuerpo, en màs de un sentido. Ella pasarà dìa y noche preparándose para el gran dìa, ensaya sus pasos de baile, cose su traje con plumas y confecciona la muñequita que ofrendarà la huésped, todo esto con alegría y entusiasmo porque ella sabe que la única forma de cambiar lo que a uno no le gusta de su vida, es cambiándolo. Selva (Luz Palazòn), la huésped, llegarà a ese hotel junto a su enigmático e invisible compañero, Horacio. El està muy enfermo y ella està gastando su último cartucho de fe recurriendo a una virgencita que ni siquiera conoce.

Durante la ceremonia, una especie de fervor religioso, con tintes de fiesta dionisìaca, desatarà los nudos del destino cambiando vidas que hasta ese momento parecían estancadas.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: María Marull

Actúan: Pilar Boyle, Juan Grandinetti, Mercedes Moltedo, luz Palazon

Vestuario: Jam Monti

Diseño de espacio: Jose Escobar, Alicia Leloutre

Fotografía: Sebastián Arpesella

Diseño gráfico: Natalia Milazzo

Asistencia de dirección: Sofía Salvaggio

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección: María Marull

Este espectáculo formó parte del evento: Teatro x la identidad 15 años
Este espectáculo formó parte del evento: Fiesta de Teatro de CABA - Edición 2016
Este espectáculo formó parte del evento: 31 Fiesta Nacional Del Teatro - Tucuman 2016
Este espectáculo formó parte del evento: Festival Andino Internacional de Teatro - 2016

Duración: 65 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos, Comedia, Artes Escénicas

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 250,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs y 22:00 hs 

"La naturaleza interior" sobre "Plantas de Interior"

“La naturaleza interior”

Sobre "Plantas de Interior"

Por Lucía Rossi

El living de un departamento del microcentro porteño. Un sillón. Un piano. Plantas. Muchas plantas. Plantas que se agrupan y circulan por el espacio, buscan agua, buscan la luz indicada para desarrollarse y sobrevivir en este ambiente donde también circulan, los seis personajes de esta historia con su entramado de relaciones peculiares.

La obra de Sol Rodríguez Seoane (distinguida con el “2do premio en el 15vo Concurso Nacional de Obras de Teatro del INT.” y con el “2do premio en el Concurso Nacional de Obras Teatrales UCES 2011”) cuenta el regreso del primogénito a la casa materna, donde encontrará cambios inesperados como, por ejemplo, que el que otrora fuera su cuarto, ha sido alquilado por su madre nada menos que a su intensa e hiperactiva ex novia. La nueva atmósfera familiar estará también integrada por un joven vecino discapacitado encargado de cuidar el jardín, el padrino de este y la joven novia actual llegada desde el Bolsón para instalarse a estudiar en Buenos Aires sorpresivamente.

Con un tono actoral que rompe en cierta medida los límites naturalistas en búsqueda de tonos expresivos más altisonantes, la pieza intenta contar, desde el humor, los conflictos cotidianos de esta familia durante el lapso de un año. Las plantas funcionan como metáfora de la vida de estos  personajes, que de a poco van develando su verdadera naturaleza. Algunos que a primera vista parecen ser diferentes, pertenecen en realidad a la misma especie y, como en el ciclo vital de la flora, hay quienes florecen, quienes crecen demasiado rápido y quienes de a poco e indefectiblemente se marchitan.

Ficha técnico artística:

Dramaturgia: Sol Rodriguez Seoane

Dirección: Miguel Israilevich

Actuaciones: Tamara Garzon, Andrés Granier, María Colloca, Guido Gastaldi, Emma Rivera y Javier Niklison

Escenografía: Isabel Gual

Iluminación: Sandra Grossi

Vestuario: Sandra Fink

Música original: Ornela Lanzillotto

Asistencia de Dirección: Eliana Murgia

Fotografía: Manuel Archain

Diseño gráfico: Miguel Israilevich

Producción Ejecutiva: Julieta Zeta

Producción General: Guido Gastaldi - La Kalandria Producciones

Teatro Porteño: Av. Corrientes 1630 - CABA

Funciones: sábados 22hs

Duración: 90 minutos

La sangre no es agua. Sobre Gángster de Daniel Dalmaroni

La sangre no es agua

Sobre Gángster de Daniel Dalmaroni

Por Vivi Montes

            Transcurre el año 1963 cuando una mujer, luego de veinte años de casada descubre, de pronto, que su marido es gángster, trabaja para un mafioso. De allí en más, los hechos que se van revelando ponen de manifiesto que nada es lo que parece ser. Las cosas se nombran de manera tan tergiversada que apenas pueden ser reconocidas, entonces, la mafia es "la empresa", los sujetos a los que hay que limpiar "expedientes" y los muertos, "archivos".

            Además, la obra plantea un juego entre literatura, ficción y realidad. Sin embargo, allí no va todo, Gángster asombra al espectador una y otra vez con una dinámica en la que los giros de la trama no dejan de sorprender. En clave de comedia, con personajes bien delineados y buenas actuaciones, esta puesta habilita la reflexión sobre los legados familiares que no se cuestionan, sobre la violencia, los diferentes modos de nombrarla, de representarla y de vivirla; sobre lo no dicho y sobre el pasado, que no confrontado, vuelve, siempre vuelve porque la sangre no es agua.

Ficha artístico-técnica:

Dirección: Sebastián Bauzá

Elenco: Karina Roldán, Leo Prestia, Agustín Frágola, Mariano Bicain

Escenografía: Marcelo Salvioli

Vestuario: Cecilia Carini

Realización de Escenografía: Raúl Olivari y Asoc.

Realización de Utilería: Iván Salvioli

Ayudante de Vestuario: Ailín Gutierrez

Producción Ejecutiva: Hermanos Warnes

Prensa  y Redes Sociales: TEHAGOLAPRENSA

Asistente de dirección: Antonia Ruggeri

Teatro del Pueblo - Av. Pres. Roque Sáenz Peña 943, CABA

Funciones sábados a las 22 horas