Tomar las riendas del tiempo en tus manos.

Sobre El viaje de Azul de la Compañía 

El Nudo.

Por Valeria Arévalos

El viaje de Azul es una obra de teatro de títeres para grandes y chicos. La cuestión del tiempo alocado de la gran ciudad y el ritmo acelerado de las cosas será el punto de encuentro con la mirada adulta. Más de un grande se sentirá identificado con esa extraña sensación de que un grupo de relojes exigentes nos persiguen haciendo sonar sus alarmas. Azul para la pelota, decide no dejarse correr por el tiempo sino atravesarlo a su manera, llenarlo del placer de aquellas cosas que quiere y decide hacer: pisar hojas secas del otoño, buscar una media verde encontrándose con telas ansiosas por salir a jugar, mirar un cielo lleno de formas que la invitan a volar.

El gran acierto de la obra es la variedad de texturas utilizadas en los títeres, así como también la amplia paleta de colores desplegada durante los cuarenta y cinco minutos que dura el viaje. Por momentos se asoman guiños del constructivismo ruso y hasta del viejo cine de animación de Europa del Este sobre el escenario.

El hermoso cierre con una película en stop-motion le da el toque onírico ideal para completar esta obra repleta de condimentos visuales y sonoros que nos mantiene detenidos en un cronotopo especial.

Ficha técnica

Dramaturgia Mariana Trajtenberg

Dirección y puesta en escena Nelly Scarpitto

Idea y producción general: El Nudo - Compañía Teatral

Intérpretes: Daniel Scarpitto, Claudia Villalba, Mariana Trajtenberg, Telma

Skocznadek y Julieta Grinspan

Funciones: Sábados 16 hs. / Domingos 15:30 hs.

En vacaciones de invierno: De martes a domingo a las 16hs.

Centro Cultural de la Cooperación “Floreal Gorini”, sala R. G. Tuñón

Av. Corrientes 1543 – CABA – Informes: 5077-8077

Localidades $120 (menores de 2 años sin cargo)

Títeres para niños de 0 a 7 años

Duración del espectáculo: 45 minutos.

Facebook: El Nudo Compañía Teatral

Aplausos para el deseo como una baba. Sobre Bulto magno

Aplausos para el deseo como una baba

Sobre Bulto magno

Montaje basado en textos de Alejandro Urdapilleta

Por Vivi Montes

            Montones de cuerpos brotan de la paleta de la abyección, la de la marginalidad del que ve el mundo como una escena a la que no puede, ni debe integrarse. Caminan los cuerpos por el espacio y provocan una interacción con el público que recuerda buenas épocas signadas por la asunción cabal de una libertad que se negaba. Y se erigen los personajes exagerados, travestidos, los de la lentejuela barata que inaugura el ridículo que funciona como espejo de una sociedad alienada y decadente. Y empieza la función que es puro vibrar, todos, los actores, las actrices y el público apretado. Miro a mi alrededor, observo que tuvieron que agregar sillas, que un flaco se banca toda la función parado y que todos gozamos porque la función es una fiesta. Y celebro, en grande, que ese teatro retorne como el trauma pretendidamente ocultado, negado y que tenga, sobre todo, tamaño (magno) poder de convocatoria.

            Este grupo de seres (Augusto Chiappe, Belen Azar, Belen Spenser, Daniel Wendler, Daniela Echarte, Daniela Nuñez, Florencia Barral, Florencia Colace, Josefa Vergara, Juan Flores, Marcos Gomez, María Eugenia Belavi, Marina Cacia, Martín Goldber, Paola Villa, Rocío Ferrer, Romina Rama Vilariño, Santiago Martin, Tatiana Emede, Victoria Spiner), emanados de Actuación IV 2014 (UNA) y bajo la supervisión artístico pedagógica de Guillermo Cacace, Julieta De Simone y Andrés Molina realizan un montaje de textos legados por el gran Alejandro Urdapilleta y  y así paren Bulto magno que más que el decir de un texto es la esencia de esas palabras lúcidas, precisas, repulsivamente hermosas. Avanzan contra, hacia, sobre el público y entonces, el trabajo que no tiene pretensión de homenaje se torna homenaje pero no anquilosado, muerto, mentiroso, sino homenaje justo, en acto y vivo.

Ficha artístico técnica:

Actúan: Augusto Chiappe, Belen Azar, Belen Spenser, Daniel Wendler, Daniela Echarte, Daniela Nuñez, Florencia Barral, Florencia Colace, Josefa Vergara, Juan Flores, Marcos Gomez, María Eugenia Belavi, Marina Cacia, Martín Goldber, Paola Villa, Rocío Ferrer, Romina Rama Vilariño, Santiago Martin, Tatiana Emede, Victoria Spiner.

Coreografía: Andrés Molina

Diseño de iluminación: Leandro Crocco

Sonido: Jonas Etcheverry

Diseño gráfico: Claudia Tapia

Fotografía: Geoconda Zambrano

Producción: Bulto Magno

Supervisión Artistica: Guillermo Cacace, Julieta de Simone, Andrés Molina.

Sitio web: Web: https://www.facebook.com/bultomagno/?fref=ts

Tener o no tener… esa es la cuestión (o así lo parece). Sobre “El cuadro” de Eugène Ionesco

Tener o no tener… esa es la cuestión (o así lo parece)

Sobre “El cuadro” de Eugène Ionesco

Dirección: Gastón Zambón

Por Vivi Montes

            El teatro del absurdo, del que Eugène Ionesco es un ineludible exponente, vino a decirnos allí por los años pos segunda guerra mundial que el mundo había perdido todo sentido posible, que ya no podríamos apelar más que a –como bien indica el programa de mano de la obra dirigida por Zambón- la incongruencia entre el pensamiento y los hechos, así como la incoherencia entre las ideologías y los actos.

Y puede decirse que, en esta puesta de El cuadro todo funciona en ese sentido (o en ese no sentido necesario). Desde la apertura de la función, con esa imagen congelada y el repentino comienzo de la pieza hasta el final (que se hace esperar bastante desde que comienza la segunda parte de la obra) todo construye un vaivén de situaciones disparatadas y de juegos de lenguaje que desembocan en un nada es lo que parece o en un todo puede ser aquello a lo que no se parece. Y en el medio un conjunto de aciertos como el músico enjaulado, el artista alienado por la necesidad económica y todo un conjunto de interrogantes precisos sobre las relaciones humanas, sobre el rol del arte en la sociedad y sobre el inquebrantable vínculo capitalista entre el ser y tener.

Entre buenas actuaciones, una atractiva escenografía, efectos sonoros y lumínicos que imprimen dramatismo y un texto trabajado correctamente, sucede El cuadro en ese mundo que alguna vez estalló en mil millones de pedazos y del que quizás todavía no hemos logrado reunir todas sus partes.

Ficha artístico-técnica:

Actúan: Patricio Muñoz, Pablo Kusnetzoff, Nicolás Verdier, Yili Di Lauro

Diseño de iluminación: David Seldes

Asistencia de iluminación: Facundo David

Vestuario: Alicia Boffi

Escenografía: Gastón Zambón, Mariana Lezama y Javier Ruiz

Diseño de movimiento: Omar Saravia

Diesño gráfico: Pablo Kusnetzoff

Dirección Gastón Zambón 

El diálogo de la soledad. Sobre “Bolada, drama folklórico” de Laura Correa

El diálogo de la soledad

Sobre “Bolada, drama folklórico” de Laura Correa. Dirección: Juan Mako

Por Vivi Montes

Hasta el viernes 20 de Mayo puede verse Bolada, la obra escrita y protagonizada por Laura Correa y dirigida por Juan Mako que cuenta la historia de una mujer que vive en tierras olvidadas sin más compañía que la de su vaca Alfonsa y de algún que otro pichón de paso, presto a volar en cuanto le den las alas. No son casuales las alusiones animalescas, ya que simbólicamente puede pensarse el personaje femenino como a medio camino entre ambas especies, rumiando sus anhelos, sus broncas, su soledad, su identidad y deseante de desplegar las alas y escapar lejos del nido/rancho que entumece el deseo. La historia es marco de una atractiva puesta y una laboriosa actuación.

Bolada se sitúa en un espacio físico bastante concreto en el que hay que destacar el trabajo escenográfico, que además de un ingenioso diseño y de una cuidada y precisa realización ensambla, a través su uso, correctamente en la obra, tornándose espacio habitado por el texto, por el personaje y por los diferentes sentidos que la obra despliega. Sin embargo, junto a un uso también interesante de la iluminación la obra puede desplazarse de ese lugar concreto de desolación, hostilidad y olvido a otro, que podría darse en el interior de cualquier persona, allí donde en la soledad más solitaria una se permite todos los diálogos, desde los más banales hasta los que rozan lo filosófico, mientras se espera la merecida bolada, ese golpe de suerte, esa oportunidad que no llega y que, tal vez, conviene salir a buscar.

Ficha técnico/artística

Actuación: Laura Correa
Diseño de Escenografía: Sol Soto
Realización escenográfica: Esteban Siderakis

​Vestuario:​Sol Soto y ​Julieta Fassone
Diseño de Luces: Omar Possemato
Diseño gráfico: Juan Mako
Edición de sonido: El Pajaro Films
Fotografía: Julia Celeiro / Sol Soto
Producción: Mako-Correa

Prensa: Flor Carrozza
Asistente de dirección: Melisa Otranto
Dramaturgia: Laura Correa
Dirección: Juan Mako

Un mundo mágico que toca la realidad. Sobre Cassamata de Mónica Cabrera

Un mundo mágico que toca la realidad

Sobre Cassamata de Mónica Cabrera

Por Mariana Jaqueline Ramirez

En las inmediaciones del Congreso Nacional, se encuentra el histórico Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934. C.A.B.A). En este espacio emblemático se está presentando hace pocas semanas Cassamata, una comedia que está elaborada casi íntegramente por Mónica Cabrera, quien es la autora del texto dramático, dirige la puesta, y como si fuera poco, es la protagonista de la pieza. En esta ocasión la actriz y directora se encuentra directamente influenciada por Lewis Carroll y nos presenta a una Alicia madura y argentinizada.

La pieza, compuesta para cuatro personajes, presenta a una Mónica Cabrera en el rol principal: el papel de una peculiar Alicia. Completan el elenco Camilo Balestra, Carolina Bergallo y Sofía Herrera quienes están en el papel de los conejos acompañantes. Pero estos últimos se dan el gusto de destacarse con diferentes roles breves cuyo objetivo es llevar a Alicia por un mundo que deja de lado la fantasía para exponer un poco de la realidad que vive cualquier persona común y corriente y del cual ella no puede escapar.

Aquí se experimenta con diferentes lenguajes artísticos, como es común en las obras de teatro posmoderno en general, en donde se nota con frecuencia un cruce entre diferentes códigos artísticos (teatro-cine, teatro-arquitectura, teatro-música, etc.) permitiendo de esta forma un juego más hábil que matiza el guión dramático cargándose de nuevos sentidos y resignificando el texto. En este caso puntual el tratamiento de la iluminación, la música y el modo de actuación permiten que el espectador se identifique con diversas temáticas sociales, artísticas y políticas de nuestro país. Pero en simultáneo, se exponen también los problemas familiares más típicos: la relación madre e hija, el matrimonio, la separación, la soledad de las mujeres maduras y los problemas que eso conlleva, entre otros tópicos.

Asimismo, podemos ver que entra en juego la construcción de un espacio ficcional, que está cargado de elementos escénicos -cajas, teléfonos, celulares, objetos pequeños- que contribuyen a la construcción de sentido, y donde prevalece en todo momento el color blanco.

A modo de cierre, se percibe una marcada repetición de los elementos mencionados, que son algunos de los estilemas que Cabrera ya viene utilizando en sus puestas anteriores.

El mundo construido por Mónica Cabrera con sus temas recurrentes y dados vuelta pretende escarbar problemáticas comunes, que muchas veces son silenciados, pero que aquí los trata con humor y esto se registra en las risas y aplausos de los espectadores.  

Ficha artístico técnica:

Intérpretes: Mónica Cabrera, Camilo Balestra, Carolina Bergallo, Sofia Herrera. / Diseño y realización de objetos y máscaras. Diseño y producción gráfica: Laura Sánchez / Vídeo arte: Silvia Maldini / Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez,Verónica Lanza / Prensa: Octavia Comunicación / Asistencia de dirección: Lucila Kesseler / Realización de vestuario: Patricia Terán / Dirección: Mónica Cabrera.

Espacio: Teatro Empire / Dirección: Hipólito Yrigoyen 1934 C.A.B.A. / Funciones: Sábados a las 21hs / Entrada general: $180 - $90, descuento jubilados y estudiantes.

Nosotros Los Monos. Sobre Proyecto Garage

Nosotros Los Monos

Sobre Proyecto Garage

Por Vivi Montes

            En un garage de Villa Crespo está por comenzar la función, pero todo parece fuera de lugar para el espectador clásico de teatro; no está en una sala teatral, sino en un garage que el resto del tiempo funciona como tal, en la previa se juega Guitar Hero y te piden el número de celular al llegar… Luego empieza el ensayo de Los Monos, una joven banda de rock con todos los interrogantes que la juventud impone Tocan en vivo, un narrador (dealer de información entre la escena y el público) interrumpe la situación para contarnos cosas que no sabemos, para introducir su opinión y mientras tanto… todos estamos conectados en un grupo de WhatsApp.

            La propuesta de Proyecto Garage, además de la originalidad en relación al lugar físico donde se sitúa o al uso de las nuevas tecnologías para ligar escena y platea, despliega una serie de elementos interesantes que, al tiempo que descolocan al espectador que tiene que diversificar su foco de atención, proponen un dispositivo en el que hay varios niveles de relato, el del narrador, el discursivo de cada personaje y sus propios pensamientos que son revelados en off al público reforzados por una intensiva puesta de luces. Puede decirse que Proyecto Garage es un musical y no sería errado, pero en todo caso es uno de esos en los que los actores son buenos músicos, o los músicos buenos actores, entonces la cuestión se armoniza y, entre chistes de músicos y guiños se disparan un montón de preguntas sobre el lugar del arte y del artista en la sociedad, sobre el paso del tiempo y los deseos de cambiar el mundo. ¿Es eso lo que realmente quieren?

FICHA TÉCNICA

Autor: Andrés Binetti.
Actúan: Malala González, Yésica Wejcman, Camila Serra, Alejandra Martinez, Guillermo Pier, Ezequiel Glinberg, Santiago Monterrosa, Horacio Barros, Nicolás Munguia, Tomás Mejía, Marcos Horrisberger.
Música Original: Gastón Abulafia y Mariano Pipkin.
Letras de Canciones: Andrés Binetti.
Coreografía: Ariadna Faerstein.
Vestuario: Celina Barbieri y Guadalupe Sobral.
Iluminación: José Binetti.
Escenografía: Magali Acha.
Diseño Gráfico: Florencia Cuello.
Fotografía: María Belén Cobas.
Prensa: Octavia Comunicación
Asistencia de Dirección: María Cecilia Cabrera.
Producción: Melina Guetmonovitch, Michelle Wejcman y María Cecilia Cabrera.
Dirección: Michelle Wejcman.

Territorio de cruces. Reseña de “Una de Bergman. Sobre el cine de John Cassavetes”

Territorio de cruces

Reseña de “Una de Bergman. Sobre el cine de John Cassavetes”

Por Vivi Montes

Fotografías Cleo Bouza

Explorando desde lo teatral el cine de John Cassavetes sucede Una de Bergman. Creando un territorio de cruces entre lo teatral y lo cinematográfico en el que ambas partes salen ganando, ninguna le quita espacio a la otra, cohabitan sin necesidad de la imagen proyectada en vivo (que había sido explorada exitosamente por el grupo en una versión anterior del proyecto) que evocada se torna igualmente presente en un diálogo entre artes que funciona. La escenografía contribuye al buen funcionamiento de este feliz encuentro en el que conviven, no sólo teatro y cine, sino historias y personajes tomados de diferentes películas que se cruzan dando cuerpo a una puesta consistente y atractiva.

Una de Bergman se instituye como una historia de vínculos, con los conflictos que estos entrañan a flor de piel, exponiéndolo todo, incluso lo más detestable de las relaciones humanas. Resultan equilibradas las actuaciones de Julia  Berardozzi,  Matías  Odorico,  Grila  Vallejo, Nicolás Nanni, Lucía Rossi y Matías Garnica, quienes construyen personajes sólidos, vivos y que habitan el escenario creando un universo muy particular, tenso y a la vez seductor.

Ficha artístico-técnica:

AUTORÍA:  Cristian  Drut-  Juan  Prada
ACTUACIÓN:  Julia  Berardozzi,  Matías  Odorico,  Grila  Vallejo, Nicolás Nanni, Lucía Rossi, Matías Garnica
DISEÑO  DE  LUCES:  Claudio  Del  Bianco
ASITENCIA  DE  DISEÑO  DE  LUCES:  Estefanía  Piotrkowski
ESCENOGRAFÍA  Y  VESTUARIO:  Nicolás  Nanni
REALIZACIÓN  ESCENOGRÁFICA:  Nicolás  Nanni-  Matías  Odorico
FOTOGRAFÍA  Y  DISEÑO  GRAFICO:  Cleo  Bouza
ASISTENCIA  DE  DIRECCIÓN:  Juan  Pablo  Barrios
DIRECCIÓN:  Juan  Prada;  Cristian  Drut

¿Quién nos guía en la oscuridad? Sobre Los Ciegos de Maurice Maeterlinck

¿Quién nos guía en la oscuridad?

Sobre Los Ciegos de Maurice Maeterlinck

Dir.: Nayi Awada y Tomás Bradley

Por Vivi Montes

Retomando el texto simbolista de Maurice Maeterlinck, Nayi Awada y Tomás Bradley ponen en escena Los ciegos. La obra coloca a un grupo de ciegos confinados en un asilo a la soledad de la intemperie que sabe a perdición, a pérdida… El sacerdote los condujo hasta el bosque, pero ya no lo sienten con ellos ¿los abandonó? ¿Se perdió? En principio, nadie puede develar el misterio. La angustia de estar perdidos, solos y desvalidos crece junto al misterio. Sólo el sonido del mar acompaña la oscuridad con sus rugidos y un faro que no puede guiarlos, ayudante estéril completa el marco de situación.

Esta puesta sucede en una penumbra que contribuye al sentido de la obra y le impregna las sensaciones que atraviesan texto y personajes hasta apropiarse del espectador. Con una escenografía sugerente y actuaciones modestas vuelve a acontecer esta magistral obra de Maeterlinck que nos demanda la pregunta sobre quién guía nuestro desamparo en la oscuridad.

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autoría: Maurice Maeterlinck

Traducción: Cristina Piña

Elenco: Agustina Yacachury /Carlos Vilaseca /Horacio Vay /José Luis De Giano /Juan Manuel Casavelos /Julieta Koop /Luciano Moreno / Macarena del Corro /Miguel Angel Vigna /Nancy Micheloni / Norma Kania Glozman /Romina Almirón

Dirección general y puesta en escena: Nayi Awada y Tomás Bradley

Asistencia de dirección: Andrea Bouhier

Asesoramiento coreográfico: Ignacio González Cano

Intervención electrónica lumínica: Daniel Sanchez

Diseño de escenografía y vestuario: Marcelo Valiente

Realización escenográfica: Maite Corona - Ileana Vallejos - Andrés Bailot.

Realización de vestuario: Magalí Salvatore - Natalia Suárez.

Diseño de texturas y telón: Mae Bermúdez.

Tallas anatómicas: Marcela Alonso.

Diseño de luces e iluminación: Sergio Iriarte

Música: Sebastián Bradley

Sonido: Maximiliano Martinez

Producción general: HASTA TRILCE producciones

Producción ejecutiva: Andrea Bouhier 

Hasta Trilce

Maza 177

Viernes 21hs.

Vida engañosa de perros. Sobre “Perra vida” de José Padilla

Vida engañosa de perros

Sobre “Perra vida” de José Padilla

Por Vivi Montes

            Por sólo dos funciones (la primera fue ayer jueves 28/04 y la próxima será el sábado 30/04) podrá verse en Buenos Aires Perra vida, versión libre de El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes. José Padilla es responsable de la dramaturgia y la dirección de la pieza que ubica la obra en un contexto cercano al nuestro pero jugando con datos que interconectan diferentes espacio-tiempos. Un restaurante/bar de carretera como cualquier otro en el que podamos detenernos en cualquier viaje y una historia de amores, engaños y ruina que no pierde vigencia.

            La reactualización del clásico interpela además sobre diversas temáticas como la inmigración, los extremismos, el Ser y la providencia como algo dado o como algo por tomar, entre otras múltiples aristas que habitan la obra. Una puesta potente con una iluminación prodigiosa, actuaciones viscerales y un signo de pregunta sobre el tratamiento de los clásicos. ¿Cómo reescribirlos? ¿Cómo revisitarlos? Y el punto fundamental que tal vez plantea esta versión: cómo poner en escena el potencial de eterna actualidad que los convierte, precisamente, en clásicos.

Ficha técnico-artística:

Actúan: Marta Poveda, Elisabet Altube, Diego Toucedo, Samuel Viyuela

Diseño de iluminación: Pau Fullana

Diseño de Escenografía: Eduardo Moreno

Producción y técnico de gira: Pablo Ramos Escola

Asistente de dirección: Marta Matute

Diseño de vestuario: Sandra Espinosa

Creación sonora y composición musical: Alberto Granados

Prensa en Argentina: Marisol Cambre

Dirección y dramaturgia: José Padilla (versión libre de El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes)