Linda para turbar Sobre Turba de Laura Sbdar. Sobre idea original de Iride Mockert. Dirección: Alejandra Flechner

Linda para turbar

Sobre Turba de Laura Sbdar sobre idea original de Iride Mockert. Dirección: Alejandra Flechner

Por Vivi Montes

Turba es de esas obras de las que salís con el corazón estrujado pero el cuerpo pleno por haber vivenciado el encuentro con una actriz que lo da todo, con un teatro que bombea sangre y piensa el mundo, que se mete en la barro y lanza en un grito descarnado las verdades que no tienen voz.

El inicio de la obra, con la imponente presencia de Iride Mockert y un juego que combina la sonoridad de las boleadoras con el melodioso y pujante canto de la actriz resulta cautivante. Luego, el devenir es de alto impacto; la trata y la explotación de mujeres protagonizan una puesta que se revela a cada instante en carne viva. La exigencia física sobre la intérprete atraviesa la platea instalando una sensación de excitación, dolor y desquite compartidos. La potencia visual de la puesta es igualmente atrayente, impregnando de color y una dosis justa de humor las historias más oscuras. El texto, embebido de la extraordinaria actuación de Mockert se vuelve imagen efectiva para narrar lo inerrable.

Las tres mujeres (Sbdar, Mockert y Flechner) que encabezan el equipo de trabajo de Turba arman un trío teatral de una fuerza arrolladora creando una puesta que deviene experiencia y transforma a quien toca.

Ficha técnico-artística:

Texto: Laura Sbdar

Intérprete: Iride Mockert

Música original: Javier Estrin - Iride Mockert

Diseño de movimiento y colaboración artística: Celia Argüello Rena

Diseño de luces: David Seldes

Escenografía: Laura Coppertino

Vestuario: Magda Banach (ADEA)

Diseño de sonido: Obo Mendez

Diseño de dirección: Victoria Béhèran

Realización de escenografía: Victor Salvatore - Guillermo Manente

Asistente de escenografía: Melanie Waingarten

Realizador de set electric: Paul Damian Pregliasco

Asistente de iluminación: Facundo David

Asistente de vestuario: Luciana Hernández

Coaching de boleadoras: Adrián Bernal 

Fotos: Nacho Miyashiro

Maquillaje y peinado en fotos: Daniela Deglise

Peluca: Mónica Gutierrez

Diseño gráfico: Fermín Vissio

Prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Victoria Béhéran

Producción ejecutiva: Valeria Casielles

Dirección: Alejandra Flechner

Duración: 55 minutos

Ganadora del 1° Puesto

Premio Germán Rozenmacher a la Nueva Dramaturgia

Funciones: Lunes a las 21:30

El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, 4863-2848

“De ayer, de hoy y de siempre”. Sobre Agamenón de Esquilo

“De ayer, de hoy y de siempre”

Sobre Agamenón de Esquilo

Por Vivi Montes

Los clásicos no pierden vigencia, es cierto, eso se debe a que ciertas tramas nunca pierden vigencia. Agamenón indaga la cuestión del poder y lo hace de un modo descarnado exponiendo la labilidad de los vínculos más íntimos cuando la brutalidad de la ambición desmedida infiltra su toxina. La puesta de Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini refuerza el carácter actual de la obra incorporando acertadamente al coro de modo audiovisual. Por otra parte, la versatilidad en las actuaciones de Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez que componen a todos los personajes, incluido el coro en pantalla, cautiva a la platea repleta y exultante.

Este resultado que hoy vemos en escena en el teatro La comedia contó con un profundo trabajo de investigación que les permitió retomar algunas de las formas habituales de la tragedia griega, como por ejemplo que tan solo dos actores (en este caso un actor y una actriz) realicen todos los personajes o el uso de máscaras en diálogo con tecnologías del presente. Una buena oportunidad para revisitar esta primera parte de la trilogía La Orestíada en una puesta que demuestra que hay temas que nos siguen atravesando y lo seguirán haciendo hasta el final de los tiempos.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Diseño y Realización Audiovisual:  Pauli Coton 

Diseño y realización de vestuario: Paula Molina

Diseño de iluminación: Soledad Ianni (ADEA)

Diseño Sonoro: Sebastián Zavatarelli

Diseño de máscaras: Paula Molina

Música Original: Silvia Jedwabny

Producción Musical: Daniel Curto

Realización de máscaras: Marcela Alonso

Diseño Gráfico: Pauli Coton

Fotografía: Gabriel Reig

Prensa: Mutuverría PR

Asistencia de Dirección: Mauro J Pérez

Producción Ejecutiva: Alejandra García

Dirección: Manuel Iedvabni  - Pablo Flores Maini

Duración: 85 minutos

¡NUEVO DÍA Y HORARIO!

Funciones: Sábados a las 20 hs

En La Comedia, Rodriguez Peña 1062, CABA

Un buen asomo al insondable universo de la otredad. Sobre “Peggy Pickit” de Roland Schimmelpfennig

Un buen asomo al insondable universo de la otredad

Sobre “Peggy Pickit” de Roland Schimmelpfennig

Por Vivi Montes

Peggy Pickit es una obra difícil, una maravilla compleja, de esos textos al que pocxs se animarían. Es una obra hecha de universos paralelos, que cruzan en el eje de la simultaneidad tiempos diversos, latitudes inconmensurables, discursos discordantes, niñas que lxs adultxs convierten en objetos-muñecas, de plástico o talladas eso son para ellxs, juguetes, trofeos, signo de su propia impotencia. Las historias que se narran tejen una trama imbricada, los límites de las parejas se tornan difusos y la admiración deviene fácilmente en reproche o simplemente envidia. En sus intentos fallidos por hacer del mundo un mejor lugar se instala el interrogante sobre el verdadero sentido de un supuesto altruismo. ¿Es realmente posible ayudar al/lx otrx? ¿Es posible dejar de lado la compasión y comprender siquiera al/lx otrx? ¿Será que no es dado conocerlxs verdaderamente o solamente acceder a la construcción que hacemos de ellxs? ¿Somos capaces de mejorar la existencia de otrxs o solo intervenimos confusamente hasta incluso complicar, aún más, las cosas?

En esta ocasión la puesta de Valeria Arévalos consigue realzar los mejores aspectos del texto, su seductora ambigüedad, el espanto que se disfraza de humor para acertar su diana, la oscuridad de los corazones que pretenden revelarse puros, la insalvable distancia que nos hace otrxs, imposibilitando el nosotrxs. El ensamble de luz, trabajo sonoro, escenografía y vestuario denota el mejor ribete de la labor conjunta de un equipo eficaz que consigue plantar el pasado en el mismísimo presente de la acción y tornar vívida la experiencia del horror implícita en el texto. Para actores y actrices la obra supone un gran nivel de exigencia; demanda una presencia absoluta, constante. Hernán Isusi Paz, Sergio López, Laura Ruffa y Victoria Troncoso concentran la tensión y juegan con los sentimientos de espectadores y espectadoras a su antojo llevándolxs a un viaje misterioso, temible, fantástico y angustiante.

Ficha artístico-técnica:

Actúan: Hernán Isusi Paz, Sergio López, Laura Ruffa, Victoria Troncoso

Escenografía: Lucía Lossada

Luces: Ricardo Sica

Sonido y producción: Mariana Emiliozzi

Vestuario: Humberto Rizzo

Gestión de derechos autorales: Hartmut Becher

Imagen de flyer: "Ojos de miel" de Cris Pereyra

Dirección: Valeria Arévalos

Funciones: Domingos 20hs – Fandango Teatro (Luis Viale 108 C.A.B.A)

El juicio de la Historia y su doble

Sobre “El farmer. Juan Manuel de Rosas, el mito y su sombra”

Por Vivi Montes

Producida por el Complejo Teatral de Buenos Aires y estrenada en 2015 vuelve a la escena porteña El farmer, la adaptación que Audivert y De la Serna realizaran de la novela de Andrés Rivera. La potencia del texto condensa notables e importantes hechos y personajes de la historia argentina en el recorrido que Rosas hace desde su recuerdo en el exilio inglés, viejo, solo y pobre. La puesta teatral vigoriza el texto confiriéndoles cuerpo al Rosas del exilio, pero también al que fue, al del recuerdo, al del relato histórico.

Este doble estatuto del personaje en escena, el que es y el que fue, el que se piensa a sí mismo y el que ha quedado registrado en las páginas del pasado crean un diálogo que empuja a la reflexión sobre el carácter narrativo de la historia, pero también sobre el devenir de la nacionalidad y la construcción de la identidad social. Esos porteños a los que el personaje refiere sarcásticamente (y a público) ¿son aquellos coetáneos de Rosas o son, aún, nuestros contemporáneos?

La recreación simbólica que la puesta hace del pasado es atractiva y efectiva, construye sentido y transporta. La música compuesta y ejecutada en escena por Claudio Peña subraya e intensifica. Por último, los personajes que componen y sostienen De la Serna y Audivert, erguidos o derruidos pero siempre presentes y provocando al sentido común de espectadores y espectadoras hacen gala del buen teatro demostrando que la historia se sigue escribiendo, siempre y en cada reactualización nos permite repensarnos.

Ficha artístico técnica

Actúan: Pompeyo Audivert y Rodrigo de la Serna

Músico en escena: Claudio Peña.

Música original y el diseño sonoro: Claudio Peña

Iluminación: Leandra Rodríguez

Escenografía: Alicia Leloutre

Prensa y difusión: Daniel Franco.

El farmer está basada en la novela de Andrés Rivera

Adaptación: Pompeyo Audivert y Rodrigo de la Serna

Dirección: Audivert, de la Serna y Andrés Mangone

Funciones: viernes y sábados 22.30 hs.

Teatro: La Comedia

Dirección: Rodríguez Peña 1062

La sátira como derecho. Sobre “Happyland” de Gonzalo Demaría. Dirección Alfredo Arias

La sátira como derecho

Sobre “Happyland” de Gonzalo Demaría

Dirección Alfredo Arias

Por Vivi Montes

Recién estrenada, Happyland resulta una obra fundamental para atravesar nuestro presente. El texto sagaz de Gonzalo Demaría articulado con la puesta aguda de Alfredo Arias se convierten en una invitación a reivindicar nuestro derecho a la risa crítica. En este caso, el encuentro lúdico con los fantasmas de la historia se encuentra mediado por lo satírico, llevado al extremo de lo esperpéntico para lograr una combinación exquisita de elementos teatrales que dejan al descubierto algunas de las aristas más grotescas de nuestra historia nacional.

“Reflexionar sobre el episodio peronista es, para mí, un punto capital en mi vida de artista y de ciudadano. Entre Panamá y su cabaret Happy Land, donde Isabelita encuentra a Perón, y su exilio en Neuquén, la pluma de Gonzalo Demaría despierta un aquelarre de imágenes esperpénticas dignas de nuestra gótica y magnética historia política” sostiene Alfredo Arias. Ese aquelarre de imágenes se corporiza en su puesta teatral postulando un diálogo con el presente en el que a través de la risa se instala la reflexión. Es un humor lúcido y provocador.

Happyland es un trabajo inmenso e impecable; texto, puesta, escenografía, vestuario, peinados, iluminación, coreografías y actuaciones construyen un universo visual tan atractivo como punzante. Aquellos personajes y hechos (de pura coincidencia similares a otros conocidos por lxs espectadorxs) revelan su costado (o su frente) más ridículo develando en la mirada al pasado la bufonesca construcción de nuestro presente.

Ficha artístico técnica:

Autor Gonzalo Demaría

Elenco
(por orden de aparición)

Isabelita Alejandra Radano
Joe Herald Carlos Casella
Isabelita Joven Josefina Scaglione
Lucrecia Marcos Montes
Charito María Merlino
Arzobispo Adriana Pegueroles

Coordinación de producción Galo Ontivero, Pablo Quiroga
Producción técnica Isabel Gual
Asistencia de dirección Maxi Muti, Tamara Gutiérrez

Asistencia de escenografía Emilia Perez Quinteros
Asistencia de vestuario Analía Morales
Asistencia artística Luciana Milione, Estefanía Florez Bernal
Música original y diseño sonoro Axel Krygier
Diseño de iluminación Paula Fraga
Diseño de vestuario Julio Suárez
Diseño de escenografía Julia Freid

Dirección Alfredo Arias

Funciones: Miércoles a domingos 20:30hs.

Teatro San Martín (Corrientes 1530 – CABA) / Sala Casacuberta

Hasta que las ranas críen pelos. Sobre “El silencio de otros” de Almudena Carracedo y Robert Bahar

Hasta que las ranas críen pelos

Sobre “El silencio de otros” de Almudena Carracedo y Robert Bahar

Por Vivi Montes

Recientemente estrenada en Buenos Aires y multipremiada en las principales pantallas del mundo El silencio de otros es una película imprescindible, urgente. El filme pone en imágenes el silenciamiento de los crímenes del franquismo y la toma de palabra de la víctimas mediante la denominada “querella argentina”, es decir, que reconstruye la historia reciente española permitiendo la visibilización de un conjunto heterogéneo que incluye ancianas que reclaman los huesos de sus padres para poder darles digna sepultura antes de las que alcance su propia muerte; hombres y mujeres que llevan las marcas de la tortura impresas en sus cuerpos y en sus memorias y familias que buscan a sus hijos e hijas arrebatadxs viviendo bajo el yugo de una identidad falseada.

En España rige desde 1977 la Ley de Amnistía, ley que constituye el hito fundacional de un pacto de olvido. El olvido ha ido calando los lazos sociales como una siniestra enfermedad, negando la historia, ocultando las huellas del autoritarismo, lavando culpas e impidiendo que se haga justicia. Justicia es investir de palabras lo ocurrido, testimoniar, que se juzgue y condene a los victimarios, que se recupere a lxs niñxs robadxs, que las fosas comunes se conviertan en tumbas con nombres.

Almudena Carracedo y Robert Bahar construyen el filme como un rompecabezas de imágenes de tiempos diversos entrelazando el archivo y la actualidad con la suficiente efectividad como para dar cuenta de cuánto del pasado constituye nuestros presentes y delimita nuestras perspectivas de futuro. El rompecabezas se integra además con múltiples voces que representan las diferentes caras del relato sobre la dictadura franquista. El silencio de otros presenta de manera impecable una problemática que recorre la trama generacional española en todos sus estratos. La película comienza con el testimonio susurrado de una anciana testigo de la historia, luego una voz femenina, más joven declara en off: no sabemos lo sucedido porque no nos lo contaron y no podemos contárselo a nuestros hijos porque no lo sabemos.

Los dos pilares sobre los que yergue la necesidad del filme (que es la necesidad de todos los pueblos del mundo) son la búsqueda de verdad y la búsqueda de justicia. Dado que la mencionada ley de amnistía evita que esas búsquedas puedan prosperar en España y puesto que la justicia es (debe ser) universal y que los delitos de lesa humanidad son  imprescriptibles y universales se narra la organización de la querella argentina para reclamar justicia desde aquí, del otro lado del océano y a diez mil kilómetros de distancia de la tierra manchada de sangre y dolor. Enorgullece ver la esperanza de justicia puesta en nuestra patria, enorgullece la lucha y emociona ver una platea que aplaude los avances de la causa como si en lugar de ocurrir en la pantalla estuvieran ocurriendo en tiempo presente; entristecen las trabas, las injusticias sostenidas. Sin embargo, este tipo de trabajos demuestran que estamos de pie, acompañando a las víctimas en sus justas búsquedas, sin rendirnos y resistiendo hasta que las ranas críen pelos y los dictadores y sus cómplices sean juzgados, aquí, allá y en todas partes del mundo.

Ficha Técnica

Producción y Dirección: Almudena Carracedo y Robert Bahar
Producción Ejecutiva por El Deseo: Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar, Esther García
Producción Ejecutiva por POV: Justine Nagan, Chris White
Producción Ejecutiva por ITVS: Sally Jo Fifer
Producción Ejecutiva por LPB: Sandie Viquez Pedlow
Co-Producción Ejecutiva por Blue Ice Docs: Steven Silver, Neil Tabatznik, Robin Smith
Directora de Fotografía: Almudena Carracedo
Montadores: Kim Roberts, A.C.E. Ricardo Acosta, C.C.E.
Música Original: Leonardo Heiblum & Jacobo Lieberman
Diseño de Sonido: Steve Miller
Sonido Directo: Robert Bahar
 

El Silencio de Otros es una co-producción de Semilla Verde Productions, Lucernam Films, American Documentary | POV, Independent Television Service (ITVS) y Latino Public Broadcasting (LPB), en asociación con El Deseo, con financiación de Bertha Foundation y Corporation for Public Broadcasting (CPB), con la participación de Blue Ice Docs. Con apoyo adicional de Sundance Institute Documentary Film Program, Oak Foundation, Guggenheim Fellowship, United States Artists Fellowship y Catapult Film Fund, entre otros.

2018/ España - USA/ 96 min/ DCP/ Color / Castellano

Se proyecta en CABA en Sala Lugones, MALBA, Artemultiplex

Trailer:

Infamias de clase Sobre “Trastorno” un culebrón metafísico de Pompeyo Audivert

Infamias de clase

Sobre “Trastorno” un culebrón metafísico de Pompeyo Audivert

 Por Vivi Montes

Pompeyo Audivert vuelve a releer a uno de los grandes de la escritura teatral rioplatense revelando la vigencia de su pluma. Luego de las versiones de Muñeca (Discépolo) y El desierto entra en la ciudad (Arlt) se presenta Trastorno, versión libre de El pasado de Florencio Sánchez. La descripción de la puesta actual no podría condensar mejor su visión de mundo: culebrón metafísico. Como buen culebrón Trastorno nos atrapa en una de esas historias que aunque predecibles no permiten alejar la mirada. La historia se construye en torno a una familia aristocrática envuelta en un ambiente sórdido en el que se pueden vislumbrar rastros de un pasado silenciado que esconde secretos aciagos. De pronto uno de los hijos demanda respuestas certeras y no se detendrá hasta llegar a la revelación de su auténtico origen y la asunción de su trágica identidad.

La lúcida relectura del texto plantea muy bien la reactualización de la cuestión de clase en términos de la construcción de una fachada entre quienes verdaderamente son y quienes pretenden ser; entre un adentro donde las mentiras se sostienen a cualquier costo y un afuera amenazante que se cuela por todas las rendijas que puede más una infundada creencia de superioridad que los lleva a pararse sobre (es decir pisotear) la debilidad mental del resto de la sociedad. La puesta teatral, codirigida con Andrés Mangone cuenta, además, con algunos elementos que terminan de completar un trabajo extraordinario. Las actuaciones destacan en un registro que va desde el exceso hasta un realismo enrarecido que devela constantemente la construcción de personajes más preocupados por la imagen de sí mismos que por su verdadera humanidad. Un espejo los duplica (por momentos también al público) y tiene un papel clave hacia el desenlace de la pieza al convertirse en el sitio en el que sucede lo real, para esta familia allí se vive y allí se muere. Finalmente, la iluminación y la inclusión musical en vivo se integran aportando visualidad y sonoridad a un cruce de lenguajes que se complementan metaforizando los significados.

Trastorno: Cambio o alteración que se produce en la esencia o las características permanentes que conforman una cosa, una situación, o en el desarrollo normal de un proceso (Diccionario español). Ante el orden familiar subvertido por la emergencia irrefrenable de las verdades soterradas pululan en escena los espectros, por un rato, hasta que el silencio y las mentiras vuelvan a encerrarse, se reinstaure el orden y continúe la vida en una (tan solo) aparente absoluta normalidad.

Ficha artístico técnica:

Personajes

Rosario: Pompeyo Audivert

Ernesto: Juan Manuel Correa

José Antonio: Pablo Diaz

Silvia: Ivana Zacharski

Mameca: Fernando Khabie

Titi: Julieta Carrera

Arce: Fernando Naval

Música: Claudio Peña

Iluminación: Leandra Rodríguez

Escenografía: Pompeyo Audivert / Lucia Rabey

Vestuario: Julio Suarez

Prensa: Daniel Franco

Dirección:Pompeyo Audivert  / Andrés Mangone

Funciones: Viernes y sábados 20hs

Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543 – CABA) – Sala Solidaridad

Fb: teatrotrastorno

IG: @teatrotrastorno