Rebelión en la sala

Por Valeria Arévalos

Tras la generalización del uso del whatsapp como medio de comunicación para grupos, se instauró el chiste sobre la intensidad de los grupos de "las mamis del jardín". Intensidad que viene disfrazada de un intento por mantenerse informado y en contacto constantemente traspasando los límites del sano ida y vuelta hasta llegar a una transformación de los vínculos hacia lugares de mayor profundidad, sobre todo en lo referido a la amistad-enemistad. Aquellas relaciones que, quizás, estaban destinadas a ser efímeras se potencian por esta hipercomunicación y los resultados pueden ser de los más diversos.

En La sala roja nos encontramos con un grupo de padres y madres en una reunión, en principio ordinaria, en el jardín de sus niñ@s. El personaje de Victoria Hladilo (quien también escribió y dirigió la obra) será el encargado de mostrarnos a nosotros, espectadores, la dinámica de ese grupo. De padres, no de los niños. No hay espacio para la improvisación, esos padres se manejan sabiendo que hay determinadas normas que hay que cumplir: planteamiento de los temas, debate, votación. Por momentos la sala se convierte en una reunión de consorcio en la cual habrá tires y aflojes dejando entrever los conflictos preexistentes en ese grupo humano: relaciones de amantes cruzadas, discriminación de un nene por no resultar interesante la madre, mirada de soslayo a "la nueva" que viene con modas new age y naturales que de ninguna manera son aceptadas así como así, etc.

El gran acierto que potencia el sentido de la obra es el contraste que establece la escenografía de Magalí Acha, colorida, alegre, infantil, con relación a la violencia en aumento planteada por el texto, llegando a situaciones de enfrentamientos tanto físicos como verbales que irán transformando la risa en sonrisa y, al cabo de un rato, en mueca.

Ficha técnico artística

Autoría: Victoria Hladilo

Dramaturgia: Victoria Hladilo

Actúan: Victoria Hladilo, Axel Joswig, Carolina Marcovsky, Victoria Marroquin, Verónica Mc Loughlin, Manuel Vignau

Diseño de vestuario: Susana Berrio

Diseño de escenografía: Magali Acha

Diseño de luces: Magali Acha

Diseño sonoro: Ignacio Viano

Realización de escenografia: Manuel Escudero

Fotografía: Luis Abadi

Diseño gráfico: Trineo

Asistencia de dirección: Vico Márquez

Colaboración artística: Mercedes Quinteros

Supervisión dramatúrgica: Joaquín Bonet

Co-Dirección: Cinthia Guerra

Dirección: Victoria Hladilo

Web: https://www.facebook.com/lasalarojateatro

Duración: 75 minutos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 150,00 - Viernes y Sábado - 21:30 hs 

LA LUNA. Concierto Poético. Nicolás Manservigi. Dir. Alejandro Cattaneo

LA LUNA. Concierto Poético

Por Valeria Misevich

Dice la sinopsis:

Un  hombre al  llegar  a su  casa  se percata que ha sido abandonado y que sólo le han  dejado una  carta,  un  piano y  la  luna.   A partir de entonces  inicia un viaje  interior entre textos poéticos y canciones famosas de autores como Edith Piaf, Schubert, Mina, Buika, Kurt Weill, Puccini, Massimo Ranieri, entre otros.

Nicolás Manservigi  conduce este concierto poético con una gran voz que se adueña del escenario, haciendo que el espectáculo gire en torno a la potencia de las interpretaciones musicales. La dramaturgia y actuación acompañan pero no logran igualar la profundidad alcanzada a través de las canciones.

Una pequeña historia de abandono da pie a la melancolía y desata las pasiones de un joven que solo encuentra compañía en la Música, y claro está, en la Luna, como testigo de sus sufrimientos.

La puesta en escena representa una sala donde reina un clima crepuscular y sombrío. Libros arrinconados, una mecedora, velas. Dos presencias se imponen desde el principio: el piano (con pianista incluido) y la Luna iluminada, creándose bellas imágenes que sirven de telón de fondo para las maravillosas canciones que Manservigi  interpreta y que su director musical, Alejandro Cattaneo ha seleccionado para él.

Si bien se construye un espacio real en escena, son numerosos los procedimientos que distancian al espectador e instauran un espacio de intercambio entre el actor-cantante y el público. Claramente predomina la intención de brindar un concierto hacia un público que está expectante, a quien se dirige explícitamente el protagonista buscando complicidad. La presencia de los aplausos al final de cada canción así lo demuestran.

La sala 3 del complejo Multiescena presenta algunos inconvenientes que no pueden dejar de notarse, el aislamiento acústico no funciona totalmente y por momentos rompe el clima que el espectáculo logra a través de la música. El volumen elevado  del micrófono es probable que responda a estas circunstancias.

Más allá de la cuestión edilicia, la propuesta de Manservigi es valiosa y recomendable.  La presentación de un repertorio musical interesante se realiza a partir de una situación teatralizada y puesta en espacio muy hábilmente, que genera un ámbito  intimista propicio para la recepción.

FICHA TECNICA

Idea y Dramaturgia: NICOLAS MANSERVIGI / Dirección Musical: ALEJANDRO CATTANEO / Asistencia artística: DIEGO CACERES / Preparador vocal: GABRIEL MOTTA / Escenografía: JUAN CANTAFIO – NICOLAS MANSERVIGI / VESTUARIO: NICOLAS MANSERVIGI / Fotografía: Vman PH / Voces en Off: DIEGO CACERES – ROMINA CIERA / Gráfica: CÓDIGO MULTIMEDIA / Producción Ejecutiva: JUAN CANTAFIO para IDEHADOS.

Sábado a las 23

CPM Multiescena

La dialéctica de la tierra. Sobre Terrenal de Mauricio Kartun

La dialéctica de la tierra

Sobre Terrenal. Pequeño misterio ácrata de Mauricio Kartun

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

Terrenal (Dir. Mauricio Kartun) encara de frente y sin titubeos la relación del hombre con la tierra. Con una estética que bien refleja el paso de un tiempo de abandono, los 20 años en que Tatita (Claudio Rissi) ha dejado a los hermanos Caín (Claudio Martínez Bel) y Abel (Claudio Da Passano), cual semillas atados a un terruño que ni siquiera saben que no les pertenece. Caín y Abel esperan al Tata. ¿Vendrá?

Mientras tanto, porque 20 años no es nada pero de algún modo hay que pasarlos Abel, el pastor, vende isoca los domingos en el recreo, con su pala espera el alumbramiento del cascarudo o torito y de la carnada vive. Mal visto por Caín que respetando las escrituras sentencia ¡Domingo día de guardar! y que dedica sus días (todos y completos) a la agricultura, al morrón, a sembrarlo, cosecharlo y a venderlo con trampa. Abel vive y deja vivir; Caín vive solo para acumular capitalito (y de a poco se irá revelando en la pieza que eso no es vida), obsesionado por la propiedad privada desconociendo que la ha estado violado estos últimos dos decenios.

Por demás interesante resultan, por un lado la actualización del texto bíblico en una lectura que va del génesis al capitalismo sin escalas y por otro, una composición particular de los personajes donde corporalidad y carácter se contraponen en un juego sugerente. Caín, robusto y vivaz va a ser comparado por Tatita con morrón, vacío por dentro, amargo e infeliz; Abel, que corporalmente es una suerte de payaso triste, resulta ser un gran bailarín de facilidad para la conquista femenina.

¿Y Tatita? De juerga. Buena metáfora de un mundo en el que hemos sido arrojados, abandonados en él por un dios fiestero, que anda de baile en baile y de copa en copa. Cada uno elige, Abel o Caín, vivir atado a la vida o al capital. Cuando Tatita regresa por fin a ver a sus muchachos en una suerte de juicio final en el que la historia ya conocemos, Caín envidioso de la estima preferencial que Tata tiene para con su hermano lo asesina y es condenado a vagar como el torito, cuerno en frente sin saber que él es su propio castigo. En un páramo olvidado, al que ni el asfalto ha llegado, el sabio Tatita le explica a Caín, pero… quien quiera oír que oiga: ¡Dialéctica, infeliz! En la diferencia, fundante de la política por cierto, en el desacuerdo (diría Rancière) está el motor de la vida.

Ficha técnico artística

Autoría: Mauricio Kartun

Actúan: Claudio Da Passano, Claudio Martinez Bel, Claudio Rissi

Vestuario: Gabriela A. Fernández

Escenografía: Gabriela A. Fernández

Iluminación: Leandra Rodríguez

Diseño sonoro: Eliana Liuni

Fotografía: Malena Figo

Asistencia de escenografía: Maria Laura Voskian

Asistencia de dirección: Alan Darling

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Dirección: Mauricio Kartun

Duración: 90 minutos

TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-3606
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar

Cuando el clown va al médico… la salud es cosa de risa. Sobre In-Paciente. Dirección Julia Muzio

Cuando el clown va al médico… la salud es cosa de risa

Sobre In-Paciente. Dirección Julia Muzio

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

En la sala de espera de un consultorio médico confluyen los más desopilantes pacientes, estrafalarios médicos y una secretaria hipocondríaca. Idas, vueltas, trámites absurdos, dolores inventados, extraños males, encuentros, desencuentros, confusiones y mucho humor dan como resultado In-Paciente. La obra dirigida por Julia Muzio, cuenta con las actuaciones de Cintia Escobar, Esteban Zeballos, Leonardo Romano, Mailén Ranzuglia, Myrian Candia, Santiago Lozano y Sol Bisogno. Bisogno es responsable también del colorido vestuario que sumado a un maquillaje encantador le dan un interesante toque visual a la pieza.

Ficha técnico artística

Actúan: María Sol Bisogno, Myrian Candia, Cintia Escobar, Santiago Lozano, mailen ranzuglia, Leonardo Romano, Esteban Zeballos

Vestuario: María Sol Bisogno

Asistencia técnica: Nicolás Zeballos

Asistencia de dirección: Luisina Dichenna

Dirección: Julia Muzio

Duración: 60 minutos

SALA EL ÓPALO
Junín 380 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4951-3392
Web: http://elopaloteatro.blogspot.com.ar/
Entrada: $ 80,00 - Domingo - 21:30 hs - Hasta el 29/11/2015 

La paradoja del amor y la muerte. Sobre Escandinavia de Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher

La paradoja del amor y la muerte

Sobre Escandinavia de Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

No es bueno que el hombre este sólo… En la vida, tal vez no. En el teatro, tal vez sí. Así parece ser en Escandinavia, que con texto de Lautaro Vilo, actuación de Rubén Szuchmacher y co-dirección de ambos se vale únicamente de la presencia de un pequeño hombre en el espacio vacío para contar tan inmenso sentimiento como puede ser la soledad del que ha perdido a su amor.

Menos es más, reza la glosa popular. En este caso, menos, es decir la ausencia de escenografía, la no recurrencia al uso de objetos más que un libro significativo para la historia, incluso la elección del unipersonal como formato son exactamente lo necesario para transmitir el ánimo del personaje. En Escandinavia la ausencia está cargada de sentido, implacable significante se yergue sobre la escena para decir lo indecible, para decir la paradoja que se instala ante la pérdida.

El amor, la soledad, la angustia y el desconcierto ante la partida irreparable del compañero amado son algunas de las líneas que transita el personaje de Szuchmacher, pero hay algo que comanda sus actos: cumplir la última, irracional, voluntad del occiso a como dé lugar. Entre todas estas aristas se instala al espectador en un vaivén de emociones donde la risa y la lágrima se tornan efímeras y los sentimientos se entremezclan como danzando frente a una obra en la que texto y actuación se hermanan, son maravillosamente uno.

Por tratarse de una función especial de la obra en el marco de los festejos de los 25 años de vida de Andamio 90, tuvo el público la valiosa oportunidad de compartir –terminada la función- una charla con los hacedores de Escandinvia. Allí quedó develada la comunión de los artistas desde el inicio del proyecto y también la generosidad de los que además de brindarnos con entrega su arte, tienen la grandeza de dialogar con sinceridad sobre el proceso, las motivaciones, las inseguridade, los logros del trabajo y todo sobre cuánto fueron preguntados. Andamio, Vilo y Szuchmacher, por todo, muchas gracias.

 Ficha técnico artística

Texto: Lautaro Vilo

Actúan: Rubén Szuchmacher

Diseño de vestuario: Jorge Ferrari

Diseño de luces: Gonzalo Córdova

Diseño sonoro: Bárbara Togander

Fotografía: Juan Travnik

Interpretación de movimiento: Graciela Schuster

Asistencia de dirección: Pehuén Gutierrez

Producción: Paula Travnik

Dirección: Rubén Szuchmacher, Lautaro Vilo

"Y fue Troya: espejos que se prenden fuego a nuestras espaldas." Sobre Y fue Troya de Carolina Piola.

Y fue Troya: espejos que se prenden fuego a nuestras espaldas

Sobre Y fue Troya de Carolina Piola.

Por Gabriela Pignataro

Caja de música =>Una caja de música es un instrumento musical mecánico, creado en el siglo XIX. Estas cajas funcionan por medio de unos remaches ubicados en un cilindro giratorio o disco que, al alzar y soltar las láminas afinadas de un cepillo o teclado de metal, producen el sonido.

La caja de Andrómaca no tiene paredes. Está abierta, como una mujer dando a luz, abierta su boca, sus piernas, su grito en tanto anudado. Sus ojos apretados como la presión de las agujas. En esta caja transparente hay dos bailarinas que espejan, facetadas, algún gesto de todas las mujeres.

La música de la cajita: el sonido de una máquina de coser, el agua que chorrea, las contracciones, el jadeo orgásmico, la voz peronista o una cuchara chocando contra los bordes de un recipiente. ¿Hay borde?¿Hay límite? ¿Dónde comienza una mujer y dónde termina su traspaso de peso, traspaso de silencio, traspaso de sombra entre generaciones? Mujeres de espaldas que se cierran, que no se ven, un espejo apagado que las oculta, que distancia las repeticiones que las acercan. El discurso que las nombra, ese lugar en el mundo de los hombres y para los hombros, sólo se enuncia en pertenencia. Pero desmarcadas, del puntero falocéntrico, de la feroz fertilidad que las demanda, desmarcadas y alejadas hablan: la historia suave, el sueño latente, el agua que limpia y fortalece. Andrómaca, la viva entre los muertos o la potencia de lo insurrecta.

Y fue Troya construye un delicado engranaje que gira y nos hace girar alrdedor para leer su mansa partitura de objetos plenos de sentido y actuaciones que logran encarnar los reflejos arquetípicos en un cruce de temporalidades, vaivenes epocales dónde lo constante es lo femenino perforando la tela del silencio.

Y fue Troya

Sábado - 23:00 hs - Hasta el 05/12/2015 - La Casona Iluminada Av. Corrientes 1979

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Carolina Piola

Actúan: Silvina Prosianiuk, Paola Traczuk

Vestuario: Juan García Bizzio

Escenografía: Leandro Martínez

Iluminación:Lucas Coiro

Sonido: David Sánchez Pitucardi

Fotografía: Euge Tobal

Utilero: Leandro Martínez

Diseño gráfico: María Emilia Quiroz

Asistencia de dirección: Euge Tobal

Producción: Euge Tobal

Dirección: Carolina Piola

http://www.alternativateatral.com/obra37769-y-fue-troya

"Flores que crecen entre coyotes." Sobre Apuntes sobre la frontera de Violeta Luna

Flores que crecen entre coyotes

Sobre Apuntes sobre la frontera de Violeta Luna*

Por Gabriela Pignataro

—Me voy lejos, padre; por eso vengo a darle el aviso.

—¿Y pa ónde te vas, si se puede saber?

—Me voy pal Norte.

—¿Y allá pos pa qué? ¿No tienes aquí tu negocio? ¿No estás metido en la merca de puercos?

—Estaba. Ora ya no. No deja. La semana pasada no conseguimos pa comer y en la antepasada comimos puros quelites. Hay hambre, padre"

                                                                                                    

Paso del Norte, El llano en llamas, 1953. Juan Rulfo.

El cuerpo, esa provincia de sentidos en pugna, que viaja entre el espejismo de una tierra prometida para teñir con otro sol las heridas que tajearon la piel. Una provincia que se extrae del mapa para mudar su geografía, un paisaje contenido en los límites de un cuerpo-carne que llena de flores, recuerdos y deseos cruza la frontera. Llevándose a sí y una maleta con pocas, mínimas pertenencias y aún así el peso del equipaje no aliviana el tañir de la raíz; ese sonido invisible que suena y en cada campanearse acrecienta la distancia del estarse en casa.

A dónde se pertenece cuando aún no se llega a un lugar, dónde se reposa cuando aún no se deja de estar en el pensamiento en otros tapices ahora ya diamantes distantes sin brillo bajo techo conocido y cada vez más descuajados. Quién se es cuando enunciarse delata una voz extraña, una voz que no es nombrada en bienvenida; como nombrarse y no olvidarse cuando ser en tierra nueva es estar en peligro.

Apuntes sobre la frontera de Violeta Luna (performer y dramaturga), es una performance que se inscribe como una bitácora abierta de elementos, fragmentos y acciones, sensaciones, voces y testimonios que andan y desandan las rutas arduas de migrantes latinos hacia EE.UU dónde los cuerpos son equipaje de contrabando en pie, vulnerados y marginados. Pero también es un destello sobre la resistencia, los lazos y la solidaridad que se entreteje con otros para poder atravesar el ancho desierto al descuerpe del sol sin otra sombra que la propia esperanza.

*Este espectáculo formó parte del evento: ELTI: Encuentro Latinoamericano de Teatro Independiente que tuvo lugar en Andamio 90 durante el mes de Octubre.

CREDITOS:

Concepto/ Performance/ Objetos y vestuario: Violeta Luna

Videos: Mickey Tachibana

Música Original: David Molina

Asesoría de acciones y video: Roberto G. Varea

Photos:Diana Sánchez (top left), Cleide de Oliveira (top right)