jueves, 30 de marzo de 2017

Roberto Arlt: ¿un loco lindo? De Carlos Cazilla
Por Valeria Misevich

El ambiente que se respira en el Espacio de Teatro Boedo XXI nos invita a la nostalgia y a sumergirnos en el espíritu del barrio del Tango y en la bohemia de aquella agrupación vanguardista que tuvo entre sus filas a Leónidas Barletta, Elías Castelnuovo y a Roberto Arlt.

El director Cazilla escribe y pone en escena una biopic sobre el autor de Trescientos millones, proponiéndonos ‘vistas’ de su vida cotidiana como hijo de inmigrantes con pretensiones, donde sus mujeres –madre y esposas- aparecen como figuras fundamentales que ponen en crisis continuamente la figura del escritor. La presencia de Erdorsain como alter-ego permite al espectador no sólo convertirse en voyeur de anécdotas sino acercarse a la complejidad de la personalidad del gran Roberto Arlt, el brillante hombre de letras que influirá en la narrativa argentina de su época y en la contemporaneidad.



La puesta es sencilla, se sustenta en la buena interpretación del protagonista, que encarna un personaje ambiguo y que nos provoca sensaciones encontradas. La mirada del espectador de hoy juzgaría severamente al personaje si no fuera por la cuota de simpatía que logra transmitir el actor. El elenco acompaña correctamente y la iluminación permite construir espacios y tiempos que conviven en escena y dinamizan la puesta con la alternancia y el paralelismo de situaciones. Tanto la música como un vestuario delicado y apropiadamente elegido nos sitúan históricamente en una Buenos Aires de principios de siglo XX.

Una propuesta escénica que se acopla al ambiente donde se sitúa, conformando una experiencia llena de memoria que vale la pena transitar. 

FICHA TECNICA

ELENCO

Federico Vilar

Pablo Ortolani

María Buscaglia

Belén Freire

Florencia Reyes

Marcela Molina

ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO

Cristina Tavano

EDICIÓN DE MÚSICA

Guido Bernasconi

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN

Marcela Molina

LIBRO Y DIRECCIÓN

Carlos Cazilla

VIERNES 21.30HS – ESPACIO DE TEATRO BOEDO XXI – BOEDO 853 - CABA

lunes, 20 de marzo de 2017

El sìndrome del mal amor.
Por Valeria Arèvalos

El Sìndrome de Mûnchhausen es un tipo de maltrato infantil. En èl, el adulto responsable de cuidar a un niño (madre, padre) inventa síntomas y enfermedades que la criatura no tiene, pero que, a partir de esta imposición, cree que tiene. Puro y llano manejo del poder sobre un ser que, a partir de la mirada del otro, se reconoce como enfermo. Aquí, el personaje de la Madre (Julieta Alfonso) será la encargada de enfermar a su hijo menor, en un vano intento de perpetuarse en el rol de madre nutricia y protectora,  cuando en realidad sòlo le genera un espacio de encierro y soledad.



En la obra de Lucìa Vilanova el niño, Nick (Diego Vegezzi) nos presta su mirada para recorrer su universo. Universo limitado ya que, “como es enfermo”, Nick no sale de su casa. Serà a través del uso interactivo de videos que la puesta nos plantea una dinámica familiar viciada y nociva, en la que los personajes se relacionan entre sì como un reflejo distorsionado y fagocitador.







Funciones domingos a las 20:30 hs.
Teatro Delborde  Chile  630 – CABA
Informes y reservas 4300-6201 / Alternativa Teatral
Localidades $ 180 general / $130 estudiantes y jubilados
Facebook Münchhausen Twitter MunchhausenOk  Instagram MunchhausenOk
Ficha técnico artística
Duración: 70 minutos


Asesino del sueño, nunca moriràs!
Por Valeria Arèvalos

Devastaciòn. La sombra de un pasado glorioso que quedó cubierto de harapos y destrucción. Entre tanta oscuridad, dos seres que, estancados en una tenebrosa eternidad, repiten una y otra vez el momento decisivo que los llevò a la tragedia. Macbeth recibió un vaticinio de las Brujas y fue tras su destino. Lady Macbeth lo empujò a su cumplimiento. Destino sellado con la sangre de un Rey traicionado.  Sangre que ya nada podrá borrar.



En la versión de Jorge Eines, Macbeth, yo no me voy a morir, Macbeth (Florencia Limonoff) y Lady Macbeth (una impecable Coni Marino) vagaràn eternamente en un presente estancado en el tiempo de la tragedia. Macbeth quedarà detenido en ese poder tan ansiado y tan inservible, en un trono desvencijado, reflejo de un reino devenido podredumbre. El, asesino del sueño, nunca màs dormirà. La muerte no será una aliada que venga a liberar sus almas culpables. El eterno retorno del dolor, una y otra vez y cada vez màs duro.


El trabajo de arte y vestuario de Lucìa Maisano y Lucas Bombìn le da un marco espeluznante y corroído, apenas un vestigio del esplendor de aquellos días. La destrucción de las telas, el glamour casi evanescente, acompaña perfectamente la composición de estos complejos personajes. La puesta en escena, de la mano de una ajustada iluminación, regalan al espectador un sinfín de fotos, instantes poéticos y hermosos a la vez que patéticos. Se nota el trabajo de comunión entre la actuación y la dirección y el resultado es una obra imperdible.


Funciones: viernes, 20:00 hs. (Hasta el 5/5 inclusive)
Lugar: Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA)
Entrada: $200-. / Descuento jub. y est. / 2x1 Club la Nación y CABAL.
​Reservas: 5077-8000 int 8313 / Alternativa Teatral
Duración: 60 min.
Trailer: Machbeth, yo no me voy a morir

Ficha técnica:
Dramaturgia y dirección: Jorge Eines
Elenco: Macbeth: Florencia Limonoff  /  Lady Macbeth: Coni Marino
Arte y vestuario: Lucía Maisano, Lucas Bombín
Iluminación: Juan González Rotstein
Diseño gráfico: Karol Caldera
Asistencia de dirección: Anne Castillon
Prensa: Octavia Comunicación
Producción: Tejido Abierto Teatro Buenos Aires
Producción CCC: Pablo Silva

Tejido Abierto Teatro Buenos Aires está integrado por Jorge Eines, Florencia Limonoff, Coni Marino, Anne Castillon, Lucía Maisano, Juan González Rotstein y Lucas Bombín.



sábado, 18 de marzo de 2017

¿Dònde estàs ahora, Mariposa?
por Valeria Arèvalos

Un modesto coro de pueblo con una ambiciosa maestra. Con todo lo que la palabra maestra(o) significa, o puede significar. Comprometida. Luchando, interna y tìmidamente, con (contra) la iglesia…con (contra) el Poder.
Una niña indígena, Panambì (Mariposa). Una guaraní, hija de padres golondrinas, con un talento que superarìa el destino esperado, los preconceptos, su status social. Ella. Llega no sòlo para crecer, sino también para hacer-crecer. Un crecimiento que abarca màs allà. Un crecimiento que modifica a su maestra de coro profundamente, reforzando su sed de cambio y encarnando la injusticia social, hasta el punto de hacerla sangrar en cada nota. 



Quièn se afecta màs en la dinámica de la educación? El alumno/la alumna, el maestro/la maestra? Estas decisiones discursivas que tenemos al adoptar el principio de un cambio, como germen de una igualdad que va (debe ir) màs allà. Panambì tiene otra lengua de base, el guaraní. Su maestra lo goza, lo disfruta, como esa lengua exótica que portan aquellos que traen lo ancestral. Como la música. La música también arrastra en sus notas el lenguaje que hermana, que no necesita traducción.

La interpretación de Virginia Kaufmann es hipnótica. Una extraña mezcla entre su mirada clara, su pregnancia escénica y su interprètaciòn ajustada. Su voz, en perfecta comuniòn con el arpa de Sonia Alvarez, abrazan al espectador en un cìrculo de esperanza y desazón. No es un unipersonal. Es un dùo.
El diseño lumínico refuerza el ambiente, lo crea y distiende.

Esta obra, proveniente del Teatro Bombòn 2016, despliega todas sus posibilidades en el amigable espacio de Pan y Arte cada sábado a las 20.30 hs.  


Desde su estreno, la pieza ha recibido mùltiples nominaciones y reconocimientos. 

Ficha técnico artística
Este espectáculo formó parte del espectáculo: Teatro Bombón
Este espectáculo formó parte del evento: Teatro Bombón 8º Edición
Este espectáculo formó parte del evento: Teatro Bombón 9° Edición
Duración: 30 minutos
Clasificaciones: Musical
PAN Y ARTE TEATRO
Boedo 876 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 49534232
Web: http://www.panyarte.com.ar
Entrada: $ 150,00 - Sábado - 20:30 hs - Del 01/04/2017 al 29/04/2017

lunes, 6 de marzo de 2017

ENRIQUE IV y la vigencia de un clásico que nos interpela
                                                                                                                                                                           
                                                                                                                                                                               por Valeria Misevich

“Es clásico lo que tiende a relegar la actualidad a categoría de ruido de fondo,
pero al mismo tiempo no puede prescindir de ese ruido de fondo.”
Italo Calvino
    
     Enrique IV, comedia en tres actos escrita en 1921, es considerada una de las obras maestras de Pirandello.  La reflexión sobre la locura y la razón, la ficción y la realidad, y sus límites siempre imprecisos que no nos permiten transitar nuestra existencia ingenuamente, son los temas recurrentes en la obra del autor, y en Enrique IV asistimos a la representación de una historia que nos permite reflexionar sobre la imagen que cada uno de nosotros construye para mostrar, para moverse en una sociedad que vive de apariencias, de superficies y de simulacros.




     Hoy Pirandello es convocado en Hasta Trilce, un teatro de Almagro digno de conocerse no sólo por su sala sino por todo lo que la rodea. La sala teatral cuenta con un escenario elevado muy amplio que permite que elencos numerosos puedan trabajar cómodamente, como en este caso. La escenografía de patrones geométricos y juego de volumen, ofrece la posibilidad de trabajar con la extraescena y deja lugar al desarrollo de la representación. Sergio Grimblat propone una puesta en escena que sobresale fundamentalmente por la actuación de su protagonista, Juan Pablo Sierra, que logra desde lo corporal atraer la mirada del espectador. El texto prepara la entrada de este personaje, y Sierra no decepciona. Presencia escénica que construye con un adecuado manejo de la gestualidad, fundamental para el género en el que se inscribe la obra, y con sus movimientos dentro del espacio. El resto del elenco acompaña correctamente, aunque por momentos pareciera que no encuentren una dinámica en el manejo del espacio. El otro fuerte del espectáculo es el vestuario, bellamente diseñado por Valentina Remenik, que se desprende del fondo ofrecido por la escenografía a partir de los colores y las texturas elegidas.

     Una propuesta interesante que invoca un clásico para dialogar con otros espectáculos del circuito teatral porteño sobre el binomio realidad/ficción, tema de interés universal  pero que se actualiza con características propias en cada momento y en cada sociedad en la continua búsqueda de respuestas trascendentales.


Ficha técnico artística
Actúan: Lautaro Alvarez, Juan Pablo Cappellotti, Constanza Cardillo, Rubén Dellarossa, Federico Grinbank, Barbara Irisarri, Jorge Landaco, Federico Lombardía, Juan Pablo Sierra, Eduardo Veliz
Diseño de vestuario:
Valentina Remenik
Diseño de escenografía:
Magali Acha
Diseño de Iluminación:
Julio Alejandro López
Diseño gráfico:
Jorge López
Asesoramiento Sonoro:
Carmen Baliero
Diseño de zapatos medievales:
G. Duarte/C. Villagra/F. Zaffaroni
Realización escenográfica:
Los escuderos
Caracterización:
Romina Ponce/Analía Gómez Lima
Producción ejecutiva:
Pato Rébora
Asistencia de dirección:
Julieta Cantero/Checho  C. Strusiat
Dirección:
Sergio Grimblat

TEATRO HASTA TRILCE (Maza 177, CABA) Viernes - 20:30 hs