lunes, 28 de septiembre de 2015

Justicia, no seas lo que pareces o no te parezcas a lo que sos

Justicia, no seas lo que pareces o no te parezcas a lo que sos
Sobre Kuña Guaraní de la Compañía Teatral Romperlanzas

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)


Paraguay, siglo XVIII. En el centro la ley, a un lado dos hermanos guaraníes y al otro, criollos y poder. Tecové, el hermano es sentenciado  a muerte por lujuria, fruto de su pasión un retoño suyo florece mestizo en el vientre de una mujer blanca. En su hermana conviven Irapé, la india, mujer guaraní e Isabel, la monja que ha adoptado nombre cristiano.

Isabel consagró su cuerpo y su castidad a los cielos, pero en la tierra la dudosa justicia de los hombres, investida en la figura de Ángel, el infame juez reclama para sí estos tesoros. Los amores de Isabel despojados de sus pudores podrían ser intercambiados por la vida de Tecové, porque lo que la ley condena al indio permite al blanco que la impone.




Isabel, la mujer guaraní tiene una sola moral y prefiere llorar la vida de su hermano que su desvergüenza o la de ambos. Pero el blanco no perdona y convierte en objeto a la mujer para tomar lo que desea, aunque más no sea para desecharlo.

Sólo un marco de cañas de tacuara, unos cuantos sonidos bien colocados y cuatro actuaciones certeras bastan para que el universo ideado por Gabriel Los Santos y Anniken Whitmore cobre vida. Kuña Guaraní es una obra que, con crudeza pero sin golpes bajos consigue involucrar al espectador cuando es debido.

En el clímax de la obra, la justicia deviene algo que se mendiga. Y en un final con los ojos puestos en un futuro reparador, resuenan ecos penosos de una justicia que, aún en nuestros tiempos, sigue siendo muchas veces desigual. Ojalá veamos un tiempo en que las mujeres ultrajas, violentadas y desamparadas caminando los juzgados sea cosa de un pasado lejano.

Ficha técnico artística



sábado, 26 de septiembre de 2015

¿Quién dijo que las comedias no eran serias?

     Por Ramirez Mariana Jaqueline

En el marco de los festejos por los 25 años del Teatro Escuela Andamio ´90, se realizó una función especial de Lisístrata la comedia griega de Aristófanes. A propósito del aniversario de Andamio ´90, se estará realizando una cartelera especial, con el objetivo principal de retomar el pasado para ver los avances logrados,  y así, ubicar a este espacio en un ambiente teatral accesible para nuevos espectadores y para los habitués del teatro en general. En este ciclo especial participarán los docentes, alumnos y egresados de la escuela de este teatro.
Es por eso que el pasado sábado 19 de septiembre se reunió a uno de los elencos iniciadores de este espacio, que en 1994/95 realizaban la misma obra, bajo el ciclo llamado por Alejandra Boero Los que vienen. En ese entonces el elenco estaba conformado por referentes indudables de nuestro teatro actual, y que gran parte se encontraba esa noche en los costados del escenario como si fueran unos “espectadores privilegiados”, entre ellos: Natacha Delgado, Claudio Tolcachir, Luciano Cáceres, por citar algunos. La dirección estuvo a cargo de Eduardo Riva y Rita Armani, y como si fuera poco, varios integrantes del elenco original participan en la obra actual desde la actuación hasta la producción.

Lisístrata es una comedia escrita por Aristófanes en 411 a.C., es una pieza que ha tenido y tiene mucho valor simbólico en cuenta a su temática. Si nos centramos en lo que caracteriza a las comedias, éstas dirigen su mirada a la actualidad inmediata de manera que exponen a la sociedad sus defectos y miserias. Pues bien, en un ambiente festivo se desenvuelve Lisístrata o la Rebelión de las Mujeres, allí las mujeres expresan una necesidad, una situación faltante que es causada por la guerra. A raíz de eso surge una idea salvadora, que por lo general como en todas las comedias, es propuesta por la protagonista, en este caso Lisístrata, a la que podríamos denominar toda una líder y feminista para nuestros tiempos. Su desesperación y ansias por conseguir la paz es similar a las demás mujeres por tener relaciones sexuales con los hombres. Para llevar a cabo su idea las mujeres atenienses deben reunirse con las espartanas, ya que más mujeres juntas son más fuertes.
En la actual puesta se mantienen cosa de la obra original pero también se saca provecho de los temas actuales tocándolos con profunda seriedad.

Es así como dentro del teatro se desarrollan varias situaciones destacables, en principio se encuentra bien utilizado todo el espacio dramático, dado que no sólo utilizan el escenario, sino que ubican un disco giratorio por debajo y enfrente al escenario y al espacio de butacas. Las mujeres se desplazan por todas partes, provocando un caos organizado y a su vez mucho dinamismo en la escena. Esto requiere una escucha activa de todo lo que sucede, ya que los personajes entran y salen por múltiples lugares.
Por otra parte, al ser un elenco numeroso que se van intercalando según cada escena, están bien diferenciados por el vestuario, el maquillaje y la utilería, es decir, que no hay dudas de quiénes son los atenienses y quiénes los espartanos. Además, cada una de las interpretaciones tienen rasgos que lo hace particular y se logran destacar desde su minuciosa composición. Así mismo, por lo mencionado antes, se nota un gran trabajo en equipo, requisito fundamental no sólo de los grandes elencos sino para el trabajo en teatro en general . No quedan dudas de que todo esto se logra bajo el arduo trabajo que ha tenido desde la dirección Roberto Monzo.


Como si fuera poco en cada una de las situaciones dramáticas se logran la risa pero también se transmite un mensaje de enorme seriedad, no sólo para la época de Aristófanes sino que también para la nuestra. Esto se debe a dos motivos, primero porque toma temas de actualidad, y segundo, porque en escena se encuentran personajes que interpretan a unos espectadores. Estos personajes son justamente los que cortan la acción dramática para reflexionar sobre lo que está aconteciendo en escena, y a su vez aprovechan cada pie que les dejan los actores para mencionar hechos actuales de gran relevancia, como son la ley de matrimonio igualitario, de identidad de género, por mencionar algunos. Los personajes mezclados con el público son algo recurrente en el teatro independiente, pero en este caso tienen relevancia, no sólo por lo que dicen y hacen, sino porque uno de los actores realizaba el mismo personaje en el elenco de hace 20 años. Esto da cuenta de cómo las viejas generaciones perviven con el paso del tiempo para transmitir todo su saber y aprendizaje a los herederos de este teatro histórico.
En pocas palabras, se puede decir que esta pieza produce una crítica/reflexión a la actualidad tal como lo ha hecho la comedia históricamente pero volcado a nuestro presente. Recomendamos enfáticamente estos encuentros teatrales que hacen repensar sobre las obras antiguas y sobre los espacios independientes que necesitan cada vez más luchar contra las grandes producciones de la Av. Corrientes.



Ficha técnica
De Aristófanes / Versión libre de Rodolfo Roca
Intérpretes: Ivana Averta, Natalia Chiesi, Antonella Piersanti, Florencia López Petruzzi, Belén Ezquerra, Rosario Maranesi, Lara Olgiatti, Florencia Maluf, Andrea Isola, Constanza Canónico, Pilar León, Magdalena Helou, Daniela Viegas, Miguel Ángel Villar, Facundo Buggiani, Nicolás Carbó, Ignacio Milazzo, Mariano Retorta, Juan Marcelo Duarte, Facundo Godoy, Agustín Clusellas, Jorge Valdez, Francisco Tortorelli, Juan Trzenko, Rosana López, Gisella Crimi y Gustavo Reverdito /Dramaturgia: Florencia López Petruzzi, Roberto Monzo, Antonella Piersanti, Rodolfo Roca / Escenografía, iluminación, maquillaje y utilería: Kenneth Orellana Gallardo/  Diseño de vestuario: Ariel Nesterczuk/ Música original: Gisella Crimi / Diseño gráfico: Lorena Bufidis / Asistencia de dirección: Mariano Retorta / Prensa: TEHAGOLAPRENSA/ Producción: Ivana Averta, Natacha Delgado / Dirección: Roberto Monzo

Espacio: Teatro Andamio `90 / Dirección: Paraná 660 - C.A.B.A / Funciones: Sábados a la 20hs / Entrada general $120 / Estudiantes y jubilados $80 / Alumnos de Andamio´90 $40.

miércoles, 23 de septiembre de 2015

¡A volar que se puede! Sobre El hacedor de mundos. Espectáculo infantil de circo de Mariangeles Gagliano y Mariana Sánchez

¡A volar que se puede!
Sobre El hacedor de mundos. Espectáculo infantil de circo de Mariangeles Gagliano y Mariana Sánchez

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)

Con una estética que cautiva con delicadeza las miradas de adultos y niños se presenta en el Club de Trapecistas El Hacedor de mundos, un espectáculo circense sobre el encuentro de seres de diferente naturaleza que nos enseña que, a pesar de las diferencias todos podemos ayudar al otro a alcanzar sus sueños y que si lo deseamos sinceramente y de corazón podremos conquistar todos los mundos.


























Él vive en la tierra, siempre con los pies bien anclados en el suelo y miedo a las alturas; ella es un hada, un ser alado feliz de poder volar. Cuando se encuentran ya nada será imposible. Una obra para aprender a disfrutar lo que el otro tiene para brindarnos y convencernos de que con buena compañía el mundo se convierte mágicamente en un lugar mejor y más lindo.



Antonella Muruaga y Diego Cristian Gómez destacan por destreza y precisión en el trabajo circense, pero sobre todo por su capacidad expresiva para transformar una tarde cualquiera de domingo en un un mundo mágico y maravilloso.




Ficha técnico artística


domingo, 20 de septiembre de 2015

Váyase (a ver Tamorto) y viva

Váyase (a ver Tamorto) y viva 

Por  Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)


Arlequín ha muerto. Qué terrible noticia. Sin embargo en lugar de asistir a un triste lloro por la pérdida irremediable de tan entrañable personaje de la Comedia del Arte, Tamorto (romance de Arlequín y la muerte) pone en escena un desopilante encuentro entre el susodicho y su anunciada muerte.


Con un despliegue de destreza, oficio y humor de todos los colores, se suceden entre risas y carcajadas y en complicidad con el público las últimas horas de Arlequín. El encuentro con la Parca es inevitable, que sea antes, que sea después queda en manos del amigo Pierrot o del despechado Pierrot, ya que un triángulo amoroso entre los dos masculinos y la sensual Colombina altera los tiempos de la historia.




Arlequín es ejecutado por Jorge Costa con una energía impresionante que le otorga al personaje todo lo que de pícaro, movedizo, acrobático y astuto supone el original. Julia Muzio da muestras de su versatilidad artística cambiando de personajes y demostrando en todos gran calidad actoral, su inexperta muerte brinda a la obra un cierre ideal. Emiliano Larea compone un Pierrot que calza a la perfección en el mecanismo de la pieza, destaca cuando tiene que destacar y acompaña con precisión cuando hace falta. Romina Mónaco nos muestra una Colombina caliente, popular, casi tanguera y Fernando Pérez completa musicalmente a este exitoso equipo.



Con dirección de Jorge Costa y Roberto Sánchez, Tamorto sacude (de risa) al espectador que, un tanto desacostumbrado a la participación se puede reencontrar con una original y muy buena forma de revisitar un género también un tanto desacostumbrado y olvidado en la cartelera porteña, la Comedia del Arte.

Ficha técnico artística


sábado, 12 de septiembre de 2015

Diario de Moscú

Diario de Moscú y una luna grande como la Rusia misma

Por Vivi Montes (Lic. en Artes – UBA)



Buenos Aires, 2015. En una sala teatral de Buenos Aires caben la estación de trenes de Moscú, un hospital, el Kremlin, el Mausoleo de Lenin, calles rusas de aquella época, una juguetería, un tranvía, la habitación que albergó en su estadía allí a Walter Benjamin y una luna grande como la Rusia misma. Efectivamente, Diario de Moscú presenta una muy interesante propuesta espacial y escenográfica.

La escenografía sumada al gran trabajo actoral de Damián Dreizik (Walter Benjamin), Anita Guitérrez (Asia Lascis) y Ramiro Agüero (Berhard Reich) transportan al espectador a la Rusia de aquellos tiempos, con todas sus ambigüedades, sus maravillas y sus miserias. La música en vivo de Marcelo Katz y las proyecciones de Vertov y Eisenstein contribuyen a la creación del clima y el ánimo propicios para disfrutar de este Walter Benjamin que la pieza elige mostrar.



Basada en el texto del propio Benjamin con adaptación de Damián Dreizik y Alfredo Allende y dirección  de este último, Diario de Moscú pone en escena a un Benjamin que llegó tarde al amor, pero conserva cierta mirada inocente, cálida y humana que no le permite darse por vencido. El conflicto interno entre el ideal y el entendimiento de la realidad, el escritor de mirada aguzada y la soledad desencantada del intelectual conviven en el hombre y se expresan en el teatro. Y en el fondo de la escena, a la izquierda una enorme luna brillante, grande como la Rusia misma que lo ilumina todo, lo hace más poético y más encantador.



Ficha técnico artística


Web: http://www.diariodemoscu2015.wix.com/teatro