sábado, 30 de julio de 2016

Pico de Rating, teatro multimedia. Cuando la televisión supera la realidad.
Por Betiana Schneider

Una familia de clase media educada por y para la televisión. En esta historia los protagonistas no son sólo los actores, sino también la pantalla. Un teatro multimedia, algo novedoso que nos muestra la costumbre del uso de la televisión.


¿Qué pasa cuando la televisión pasa de la ficción a la realidad? ¿Cuándo invade todo nuestro mundo para convertirlo en real, o creernos qué eso es la realidad?



La protagonista Ana está obsesionada por salir en la tele, por protagonizar los programas mediáticos y ser una  “estrella de televisión”, pero le ganan de antemano, su rival, que salió a la fama por grabarse un video en clase, Pamela, está en el programa al que ella anhela con todo su ser ir. La familia de Ana, inmersa también en el mundo de la televisión como muchos dejando la tv prendida largo rato, colabora para crearle a Ana su mundo paralelo. Entre los enredos familiares, un padre que se opone a su carrera pero disfruta de la de Pamela, una madre docente que ve en Ana sus sueños reprimidos por su marido y un hermano que vive para crear ficciones que su hermana cree reales pero lo que más le importa está atravesado por una historia de amor y un productor que viene a poner la frutilla sobre la torta.



“Pico de Rating”, la obra multimedia de Luciano Saíz,  pone en cuestión si ser famoso es lo mismo que tener talento,  si tener talento es salir en la pantalla. Cuando alguien se plantea ser actor, vivir de la profesión, se  confunde esa pasión con la fama, se entrelaza con salir en la pantalla  y “pegarla”.  Es algo que pasa habitualmente cuando creamos un dios a través de la televisión, si creemos aquello que es ficción que supera todo límite e invade nuestra realidad para creernos que lo que está allí es más valioso que lo real que tenemos. Nos invade todo nuestro ser hasta destruir nuestra propia realidad.

Pico de rating: Viernes 23 hs en Espacio Urbano, Acevedo 460 

Elenco en escena:
Gonzalo Capel, Leandro Lara, María Cecilia Cervini, Florencia Bernachia y Federico Capel.

Elenco proyectado:
Pedro Bearzi, Lucio Santilli, Caro Rey, Oscar Reyes y Nicole Goette.

Ficha técnico artística:
diseño de luces: Lucía Feijoó.
vestuario: Denise Rodríguez.
diseño gráfico: Luciano Saiz.
fotografía: Natalia Nobile.
música: Elefante Mutante.
imágenes multimedia: Rocío Busacca, Nico Trullás.
voces tv: Carlos Bisigniano, Vero Carelli y Martín Castillo.
asistencia audiovisual: Julio Brieschke.
filmación: Sergio Falleti y Gustavo Paulino.
maquillaje: Heroica Make Up.
sonido: Grod Morel.
vj y asistencia de dirección: Mercedes Invernizzi.
dramaturgia y dirección: Luciano Saiz.

viernes, 29 de julio de 2016

Estúpidos y sensuales 90'. Sobre Impresión Animal de Melisa Freund

Estúpidos y sensuales 90'
Sobre Impresión Animal de Melisa Freund

Por Gabriela Pignataro


¿Hay acaso recuerdo más híbrido en nuestros imaginarios, que la imagen lustrosa de los 90'?
Los pasos de varias generaciones embebidos en el sensual olor de las ficciones: juguetes importados, electrodomésticos que irradiaban escalafón social, viajes al exterior embadurnados en bronceador.
El todo x $2 como lema rodeado de neón de una realpolitiks que se vierte sobre los cuerpos y vínculos como una masa de gel devaluante y empobrecedor.
En Impresión Animal los personajes se ven asediados, enervados, trasfundidos por este denominador común que entrama relaciones de poder disfrazadas de beneficencia y falsas promesas.
Fernando un negociante de clase media venido a nuevo rico, deslumbrado por los castillos de naipes del nuevo consumo; se fragmenta psicológicamente cuando todo se derrumba hacia fines del 2001.
La pesadilla es en rewind: desde la oscuridad de quien ha padecido su propia tortura se nos despliega un time-lapse escénico de los últimos días que llevan al desenlace con el que se nos bienviene.
En este movimiento que rebobina los recuerdos, se entrama la relación entre Fernando y su empleado paraguayo, dialéctica de patrón disfrazado de cordero que mueve los hilos a su favor sobre la buena voluntad (y necesidad del otro).
El relato se desplaza en arme y desarme, de los personajes y escénicamente también. Cajas, cajas y más cajas. Columnas y filas, que se apilan, crecen y decrecen, rotan y se abren, albergando las veces de hogar, de negocio, de oficina y depósito. Y que fueron sino los 90' que un caldero de ingredientes inconclusos de sueños truncos, de espejos que deformaban los rostros.
Las cajas se mueven lento, como el paraguayo que pide lo propio: - el salario, Fernando, para la habitación.
Ese deseo como sostén para rodar la máquina que poco a poco, empieza a fallar.
Impresión Animal narra la caída en picada de una clase social con las reservas de no exhibirnos los restos. Eso lo sabremos cuando las cajas se cierren.


Impresión Animal de Melisa Freund
Con:
Santiago Fondevila
Hugo César Martinez


Marcela Groppa
Mara Raicevic
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Diseño espacial: José Escobar
Diseño de vestuario: Sol Ruiz Luparia
Diseño sonoro: Julián Rodriguez Rona
Diseño gráfico: Pulpografía
Asistencia de dirección: Mara Raicevic, Arturo Federico
Dirección: Melisa Freund


Jueves 21:00 hs. El Kafka espacio teatral, Lambaré 866, CABA.

jueves, 28 de julio de 2016

El campo, los cuerpos y un fuego silencioso que todo, lo devora. Sobre El Familiar de Gabriel Fernández Chapo

El campo, los cuerpos y un fuego silencioso que todo, lo devora
Sobre El Familiar de Gabriel Fernández Chapo

Por Gabriela Pignataro

Un Tucumán en llamas, mucho antes de arder, nos tracciona desde un presente impreciso hacia principios del siglo XX. En los ingenios azucareros, lo dulce se vuelve veneno, bajo el yugo explotador de los patrones y capataces que ejercen dominación en una perversa dialéctica de persecusión y la sugestión. El látigo del poder repica con varias lenguas: los aprietes y amenazas y la edificación del terror invisible: el mito de El Familiar. Una bestia sin cara, con sombra, y riestra de sangre a su paso, que chupa a la disidencia obrera hacia la zona del no retorno.
La obra, como un espejo circular, nos refleja las caras dolientes de una familia campesina atravesada por la tragedia a través del tiempo, desde 1930 hasta las espectralidades de la dictadura. Una genealogía de hombres animados por el espíritu de la rebelión y de mujeres eyectadas a la espera, el descuerpe y la silenciosa resistencia.


La voz que testimonia, sobrevive los fuegos y desde una silla a la vera de una luz tenue, nos narra añejada y parsimoniosa las estacas en el cuerpo familiar.
Ella ha sido la niña, la esposa y la madre que creció al pie del abismo del eco de El Familiar, que voraz y hambriento “se come” a los hombres de tres generaciones que levantan su puño en las narices de los opresores de cada época.
Anarquistas, peronistas y comunistas, ismos de cuerpos que desaparecen en las garras humanas del mito, succionados a la evanescencia de la desaparición.
La historia familiar como condensación de un país y sus terrores, micromundo de heridas, de lucha y de espera; se construye aquí en punzante relato dramático habitado con intensidad y sutileza bajo una poética de una memoria que al nombrarse se ilumina.

“El Familiar” de Fernández Chapo es una obra de luces y sombras, de espejos que se reflejan unos en otros, donde las voces y los recuerdos entran y salen;y en la evocación, se reconstruyen. Una familia que se sesga, se parte, se lacera. Una familia que es, todas las familias del gran tejido de la memoria.
La obra, nutrida de viscerales actuaciones que se desdoblan, reencarnan una y otra vez en un falso deja vu de lo tortuoso y con una puesta sencilla pero pregnante donde cada objeto presente condensa en sí el mundo circundante; compone así una atmósfera sensible que atravesada de zambas en vivo, trasladan sensorialmente al espectador a una geografía de aire caliente, de ojos que rehuyen, de puertas que abiertas pero sin llave, esperan.
La fuerza del intento de encender candiles que iluminen las fábulas siniestras, alas de cuervo que escondieron los crímenes adheridos a las botas de los totalitarismos, la sombra de los sacos militares agriando toda cosecha a su paso.
Y la vigencia de la denuncia: los casos de lesa humanidad que no soleó la justicia se hermanan con los actuales reclamos salariales y pedidos de visibilidad de las recientes represiones a los trabajadores en Ledesma.
Lo dulce es un veneno, cuando  es cosechado con sangre.


Ficha artístico técnica:
Autor:  Oscar Vázquez
Elenco:  Vivi Vázquez; Marcelo Vilaro; Lautaro Álvarez y Pablo Mounier.
Prensa:  Simkin & Franco
Asistente de dirección:  Natalia Lagos Córdova.
Dirección:  Gabriel Fernández Chapo.
Obra ganadora por la 10° Edición de “Teatro x la Justicia”. El   Ciclo “Teatro x la Justicia”  nace en el año 2007, a partir del encuentro de teatristas que coinciden en la intención de poner en el centro de la escena la Justicia y los Derechos Humanos, manifestándose en ese sentido.




lunes, 25 de julio de 2016

El círculo se vuelve triángulos. Sobre Pie de Monte

El círculo se vuelve triángulos
Sobre Pie de Monte de Thomas Arzt


Dirección: Alberto Ajaka

Por Vivi Montes


                Un autor austríaco, un director argentino y una compañía teatral con identidad propia. El Colectivo Escalada, que viene trabajando hace varios años con obras escritas y dirigidas por el propio Ajaka encara, en esta oportunidad, el trabajo con un texto ajeno en el marco del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América. De allí resulta Pie de monte que podrá verse hasta el 17 de Septiembre en Espacio Callejón. La dramaturgia de Thomas Arzt no le quita su impronta al equipo local que ha logrado adaptar la pieza de modo tal que parece hecha a su medida.

            Pie de monte reúne a un grupo de amigos alrededor de una parrilla, se supone que se conocen hace mucho, se supone que van a celebrar el compromiso de Hannes y Heidi y la compra de un terreno donde estos levantarán los cimientos de su casa y su familia. El aire está enrarecido desde un comienzo, los vínculos también y a medida que avanza la acción el feliz encuentro va deviniendo en un juego de competencias, crisis que afloran con la fuerza de un huracán y la tragedia del pasado irresoluto que no puede silenciarse, mucho menos olvidarse y pareciera que tampoco perdonarse. Todo está enredado, todos están enredados y entre los nudos que tejen los hilos del destino acontecen con gran intensidad, situaciones desopilantes, desgarradoras, sorprendentes. Hay una interesante fusión en el universo de la obra: nada es totalmente cómico, nada totalmente trágico, ni siquiera la muerte. 


          El juego de la apariencia nos lleva a pensar que si nada es lo que parece, entonces todo se sostiene en una creencia. ¿Saber o creer? ¿Verdadero o falso? Qué importa, que sea lo que menos duela. ¿El destino está escrito o lo construyen a cada paso nuestras acciones? Ante esta pregunta fundante irse, quedarse, creer la ficción construida o afrontar las verdades son sólo circunstancias, el resto simplemente inunda, sucede.


 
Ficha Técnica:
Autor: Thomas Arzt
Traducción: Citlali Bernhardt
Elenco: Sol Fernández López, Luciano Kaczer, Gabriel Lima, Julia Martínez Rubio, Luciana Mastromauro, Gabriela Saidón, Andrés Rossi, María Villar
Compositores de música original: José Ajaka y Alberto Ajaka
Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo
Diseño de iluminación: Adrian Grimozzi
Diseño de vestuario: Betiana Temkin
Asistencia de dirección: Hernán Ghioni
Dirección: Alberto Ajaka
La canción Zamba de Hannes fue compuesta por Alberto Ajaka con arreglos de José Ajaka.
Este espectáculo fue producido por EUNIC, Embajada de Austria en Argentina, Espacio Callejón y Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América.

Sábados 23 h | Espacio Callejón, Humahuaca 3759 | CABA


viernes, 22 de julio de 2016

La suma de todas sus partes: el Cuerpo Social como un todo.
Por Valeria Arévalos

En la amplitud de una caja negra, silencio. La única interrupción será el jadeo primigenio proveniente de una maraña de cuerpos. Cuerpos que desdibujan sus límites, mimetizándose con la masa y con el fondo. Oscuridad latente que amenaza. Así comienza La corporación, de Federico Fontán y Ramiro Cortez.




La corporación es la segunda obra de la trilogía que Fontán y Cortéz iniciaron con Los cuerpos. Allí, el cuerpo era tomado como territorio, como espacio atravesado por distintas fuerzas. Mientras que en esa primera entrega se invocaba lo extrasensorial, lo siniestro; en La corporación el espíritu imperante es el social, lo tangible. Será desde esa sensorialidad que estos organismos fluctuarán entre la tensión y el descanso. El engendro corpóreo poco a poco se presta al juego de la transformación, muta y transmuta. Aquello que por momentos se percibe como individual, deviene social. El microcosmos evoluciona para dar paso al macro. Desde ínfimos organismos aislados hasta la organización en un todo que avanza hacia la hermandad.



Aquello que en un principio parecía un enjambre irá dando lugar a estructuras piramidales, a relaciones de poder. Liderazgo y agrupaciones. Patriarcado y Madre nutricia. Fotos inquietas que desfilan frente al espectador hilvanando nuestra historia, la del sujeto como parte de un mundo en constante cambio, en donde el siguiente paso (como retorno o esperanza) es el renacimiento del ser en su despojada naturaleza.


Ficha técnico artística
Duración: 50 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TIMBRE 4
México 3554 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.com
Entrada: $ 180,00 - Jueves - 22:15 hs - Hasta el 28/07/2016
Entrada: $ 180,00 - Jueves - 22:30 hs - Del 04/08/2016 al 25/08/2016



miércoles, 20 de julio de 2016

El lenguaje universal de la amistad
Por Valeria Arévalos

Gelsomina y Blablablá es la historia de una historia. Una que pedía a gritos ser contada. Es el mágico encuentro entre dos artistas: una del cuerpo, la otra de la voz. Blablablá (Natalia Tesone, actriz sorda que interpreta a una chica oyente) es una contadora de cuentos que atraviesa un momento de falta de inspiración, necesita armar un relato, pero las palabras no acuden a ella. No sabe qué contar. El remedio infalible para esta falta será conocer a Gelsomina (Daniela Fortunato Lynch, actriz oyente que interpreta a una chica sorda), un ser lleno de imágenes, anécdotas y sueños.  Poco a poco, en forma de capítulos, se irá construyendo el pasado-presente y futuro de su personaje.



Inspirada en "La Strada" de Federico Fellini y en "Gelsomino en el país de los mentirosos", de Gianni Rodari, Gabriela Bianco escribe y dirige esta obra en donde la aceptación de lo extraño y el poder de la comunicación crean puentes.



La acción transcurre en un tembloroso paraje norteño. Vibraciones y sonidos se mezclan tanto en el paisaje como en la percepción de la lengua de los dos personajes. El escenario se puebla de piedras-testigo, una hamaca soñadora, máscaras y personajes expectantes de cartón. Las luces bien delineadas de Ricardo Sica, el vestuario colorido y ecléctico de Magda Banach y la dulce música original de Ale Dolina envuelven la narración. La apuesta es claramente inclusiva, tanto para el público oyente y sordo como para grandes y chicos. Con una temática tan cercana (alteridad y relaciones humanas) todos se sentirán atraídos. Una propuesta original e imperdible.


Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Clown, Infantiles, Artes Escénicas
NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4854-2107
Web: http://www.nunteatrobar.com.ar
Entrada: $ 120,00 - Domingo - 15:00 hs - Hasta el 31/07/2016 

La revolución está en la poesía… siempre. Sobre “No daré hijos, daré versos”

La revolución está en la poesía… siempre

Sobre “No daré hijos, daré versos” de Marianella Morena
Dirección: Francisco Lumerman

Por Vivi Montes



No daré hijos, daré versos nos acerca a la poeta uruguaya Delmira Agustini (1886-1914), a su vida y a su muerte. Una bala atraviesa el cielo y cruza la ciudad… esa frase condensa la imagen que concentra el germen de la pieza, provocando un acercamiento que no se realiza en forma esquemática, sino a modo de un verdadero encuentro. Hay algo de epifanía en la obra y el trabajo conjunto de los artistas resulta en una suerte de revelación poética que escapa a la posibilidad de ser reducida a palabras. Sólo nos queda reconocer el talento vertido en un maravilloso texto que deviene en una puesta ejecutada con originalidad. Escenografía, iluminación, vestuario y música en vivo ahondan sentidos y las actuaciones destacan en una obra que se presenta antes que nada como desafío.

Agustini fue una artista libre, una mujer libre, portadora de una sensibilidad demasiado profunda y demasiado grande para su tiempo. Una mujer que desbordó su tiempo y desafió todos los mandatos. Tal vez por eso, tratando de acallar esa voz deseante, pasional y apasionada Reyes (su ex marido) dispara pidiendo silencio. Y la vida de Delmira se silencia, y la obra de Delmira se silencia. Ya no más erotismo, ya no más versos, ya no más…

¿Cómo poner en escena esa magnitud de libertad? ¿Esa calidad de mujer? ¿Ese deseo arrollador? Seguramente podrán encontrarse diversas maneras, pero la que surge del trabajo dirigido por Lumerman sobre el texto de Morena en el marco del Festival Internacional de Dramaturgia, Europa + América, resulta exacta, hermosa. La obra se estructura en tres partes que funcionan a modo de lenguajes diversos, puntos de vista diferentes que acumulan –vibrando entre lo trágico y el humor sagaz- experiencia vívida que atraviesa el pacto ficcional llenándolo todo de poesía.

Ficha Técnica:
Autora: Marianella Morena
Elenco: Jorge Castaño, Diego Faturos, Malena Figó, Iride Mockert, Germán Rodríguez, Rosario Varela
Música original en vivo: Agustín Lumerman
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Diseño de escenografía y vestuario: Macarena Hermida
Asistencia de escenografía y vestuario: Camila Morvillo
Fotografía: Laura Mastroscello
Asesoramiento corporal: Rodolfo Opazo
Asesoramiento vocal: Guillermo Vega Fischer
Producción ejecutiva: Zoilo Garcés
Asistencia de dirección: Ignacio Gracia
Dirección: Francisco Lumerman

Este espectáculo fue producido por Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América, Festival Internacional de Artes Escénicas de Uruguay, Teatro Timbre 4 y EUNIC, con el apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas de Uruguay.


Funciones desde el lunes 27 de junio
Lunes 21 h | TIMBRe4, México 3554 | CABA
Localidades: $180 a través dehttp://bit.ly/1O8TuDz
Twitter / Instragram: @festdramaturgia
Hasta el 12 de septiembre


Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América
Director & Curador: Matías Umpierrez
Producción General: Malena Schnitzer
Asistencia de producción: Agustina Barzola Würth
Prensa: Marisol Cambre
Fotografía: Ramiro González
Diseño: Leandro Ibarra
Diseño Web: Exequiel Abreu
Web Sponsor: Alternativa Teatral


martes, 19 de julio de 2016

Cuerpos en tensión entre el ansia y el candomblé
Por Valeria Arévalos

Sarah Kane fue una dramaturga inglesa perteneciente al movimiento In yer face. Movimiento de mediados de los ’90 que buscaba, a partir de sus obras, impactar de lleno al espectador, enfrentándolo con su contenido provocador generando un sismo de sensaciones. Crave (El Ansia en la traducción de Rafael Spregelburd al español) es, quizás, su obra más poética. Plagada de imágenes sensibles y desgarradoras, se nos presenta como un texto fragmentado que, frase a frase, construye, a la vez que destruye, una historia que no es historia o es muchas. Porque lo importante en el encuentro con la obra de Kane es liberar la mente del mandato inmediato que nos lleva a la interpretación y sólo así podrá existir una verdadera comunión.





La puesta dirigida por Florencia Tevez y José Molteni encuentra sus raíces en la mixtura del texto teatral con los movimientos provenientes del candomblé (culto brasileño que combina ritos con danza). A partir de estas coordenadas cuatro actrices y un actor-performer encarnan los cuatro elementos más un quinto representando al espíritu invocado.  El espacio dividido en cuatro, la luz tenue y la música ritual (interpretada en vivo por el performer) dará un tinte místico de ensoñación.



El carácter descarnado de las palabras de Kane demanda un decir particular, con plena entrega, un desgarrado devenir hacia la esencia del ansia misma.  Ese peso es alcanzado en algunos pequeños pasajes, sin embargo, es válida la búsqueda que realiza este grupo al disponer sus cuerpos para ser atravesados.

FICHA ARTÍSTICA-TÉCNICA
Intérpretes: Florencia Tevez, Milagros Vera, Agustina Malfitano, Lujan Marangos y Agustín Daulte
Autor: Sarah Kane
Traducción: Rafael Spregelburd
Agente Sarah Kane Argentina: Marion Reizes Weiss
Diseño de maquillaje y vestuario: Andrea Grosso
Diseño de Iluminación: Javier Vazquez
Fotografía, video y diseño: Luján Marangos
Entrenamiento escénico, escenografía y composición musical: José Molteni
Producción: Florencia Tevez
Prensa: Simkin & Franco
Asistencia artística: Alan Ayala
Asistencia de dirección: Agustín Daulte
Dirección Escénica: Florencia Tevez y José Molteni

Funciones: sábados a las 19hs
Espacio Cultural Urbano: Acevedo 460
Entradas: $150 General/ $110 Estudiantes y Jubilados
Teléfono: 4854-2257
Facebook-Instagram: @craveoficial